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Stephane Carcuac

Stephane Carcuac
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Hamnet de Chloé Zhao [La critique de film]

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Titre original : HAMNET

Date de sortie : 21 janvier 2026

Genre : Drame

Durée : 2:05

Réalisatrice : Chloé Zhao

Nationalité : américaine

Acteurs principaux :  Paul Mescal, Jessie Buckley, Emily Watson

Compositeur : Max Richter

 

 

Lorsque le film s’ouvre sur une oscillation orthographique (Hamnet/ Hamlet), l’étymologie ici devient un tombeau linguistique.
Le spectateur est invité à comprendre que le fils mort (Hamnet) et le fils fictif (Hamlet) sont liés par une substitution symbolique.
Une lettre comme linceul est d’une puissance symbolique remarquable car une seule lettre suffit à transformer un enfant en mythe.

Pour adapter le roman de Maggie O’Farrel, Chloé Zhao choisit de raconter la rencontre d’Agnès et William comme une reconnaissance intuitive.
Agnès qui écoute les silences et incarne un rapport organique au réel.
William qui observe la symbolique.
Leur union n’est donc pas seulement amoureuse mais elle est poétique.

Mais le film explore également une hypothèse selon laquelle la mort du fils de Shakespeare pourrait être le déclencheur émotionnel donnant lieu à la naissance d’Hamlet.

Même si cela n’est pas historiquement prouvé, Zhao la traite comme une forme d’exégèse littéraire avec le thématique du deuil comme structure narrative.

La mise en scène est au diapason (sensorielle et fragmentée) avec des plans immersifs sur la nature presque oniriques comme en témoigne le plan séquence d’ouverture.

Cette relecture littéraire de Shakespeare met ainsi en lumière une réflexion sur le deuil comme transmutation artistique pour s’éloigner davantage des mécaniques biographiques traditionnelles.

PRIMATE de Johannes Roberts [La critique de film]

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Titre original : Primate

Date de sortie : 21 janvier 2026

Durée : 1H29

Nationalité britannique

Avec  Johnny SequoyahJessica AlexanderVictoria Wyant

Du réalisateur Johannes Roberts

Disons-le d’emblée : Primate est un thriller horrifique qui mise avant tout sur une efficacité redoutable et un plaisir régressif, à condition de fermer les yeux sur ses facilités scénaristiques et ses nombreuses invraisemblances.

On y retrouve tous les ingrédients tape-à-l’œil du genre : des jeunes gens aux physiques tout droit sortis d’une publicité, une maison isolée dans un décor de carte postale hawaïenne, et un singe domestiqué bientôt infecté par la rage.

Le piège se referme sur ces jeunes éphèbes et la lutte pour survivre peut commencer…

Ce survival mené tambour battant, qui pourrait être un cousin éloigné de Link, reste prisonnier d’un schéma ultra classique, parfaitement balisé, sans jamais chercher à sortir des ornières du genre.

Les personnages sont caricaturaux, la final girl rapidement identifiée et les mises à l’épreuve manquent d’originalité..

Et pourtant le plaisir est réel car la tension est palpable.

Le réalisateur s’amuse parfois du sort de ses protagonistes avec un humour non dissimulé.

Les effets spéciaux « à l’ancienne » portés par une musique électro viennent flatter la fibre nostalgique des années 80.

On a beau connaître le refrain par cœur de ce cahier des charges formaté, le plaisir est intact.

Primate est une gourmandise que l’on savoure avec un sourire complice.

 

 

 

Ma frère [La critique du film]

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Titre : Ma frère

Date de sortie : 7 janvier 2026

Durée : 1:52:00

Genre : Comédie

Réalisé par Lise Akoka et Romane Gueret

Avec Fanta Kebe, Shirel Nataf, Amel Bent..

Nationalité : France

 

Un vent de fraîcheur souffle cette semaine sur l’hexagone avec une comédie sociale roborative : « Ma frère ».


Lorgnant du côté de « Nos jours heureux », les réalisatrices abordent la thématique des colonies de vacances avec un accent sociétal et inclusif plutôt percutant.


Elles n’entendent pas révolutionner un sujet maintes fois rabattu au cinéma mais privilégient l’évolution des arcs narratifs de ses personnages.

Ces derniers étant suffisamment caractérisés pour rendre ce long métrage sensible sans tomber dans la sensiblerie.

La mise en scène, volontairement sobre, laisse toute la place aux interactions et aux silences, captant avec justesse les micro tensions et les élans de solidarité qui traverse ce cadre estival resserré. 

A noter également les débuts convaincants d’Amel Bent sur grand écran.

Un parfum de nostalgie flotte dans la salle, laissant le spectateur entre émotion retenue et sourire esquissé.

La femme de ménage [La critique du film]

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Date de sortie 24/12/2025

Durée (2:11:00)                                             

Titre original : The Housemaid

Genre : Thriller

Avec Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone

Réalisé par Paul Feig

Nationalité U.S.A

Adapté au best-seller de Freida McFadden, ce thriller en huis clos renoue avec les thrillers domestiques qui ont fait la gloire des années 90 (comme « La Main sur le berceau »).

On y suit Millie, une jeune femme au passé trouble, qui postule pour un poste de domestique chez un couple fortuné.

Mais derrière les apparences, cette intrusion dans la cellule familiale pourrait bien faire voler en éclat ce « cocon » un peu trop lisse.

Difficile d’en dire davantage sous peine de spoiler l’intrigue.

Tout juste peut-on convenir que Jean de La Fontaine y trouverait un écho contemporain avec sa fable  » Le Rat et l’Huitre » sur le fameux adage  » Tel est pris qui croyait prendre ».

Paul Feig, le réalisateur, s’est imposé comme un observateur de la psyché féminine, dont il capture avec la même acuité les élans de sororité que les névroses les plus sombres au fil de sa filmographie.

S’il n’étonne guère, tant les enjeux apparaissent rapidement, le film n’en demeure pas moins délicieusement jouissif : on savoure chaque confrontation, où la folie feutrée suinte peu à peu des pores de tous les personnages.

Un plaisir coupable assumé !

 

Le lyrisme selon Patrick Doyle – Frankenstein (1994) de Kenneth Branagh

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Orchestre

 


Si le lyrisme romantique m’était conté alors il serait écrit par Patrick Doyle avec sa délicatesse infinie lorsqu’il aborde l’emphase émotionnelle.

Pour écrire et composer le « love thème », Doyle prend un contrepoint absolu à la musique tonitruante, convulsive et déchaînée qui accompagne la création de la créature.
« The Wedding night » est tout en équilibre, en respiration et en lumière intériorisée.

Un contrepoint qui n’est d’ailleurs pas seulement musical mais philosophique entre la volonté de puissance et l’acceptation du destin.

Ce morceau est construit presque entièrement sur des arches mélodiques aux cordes avec un string swell romantique (gonflement progressif des cordes).

Cette musique est d’une beauté classique et intemporelle, d’un lyrisme noble et maitrisé, profondément humaine et tragique à la fois.

 

Quand la musique orchestre la mort – « Destination Finale 5 » – Brian Tyler

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Dans l’univers des musiques de films contemporains, certains compositeurs se contentent d’un score extradiégétique de commande (musique d’ambiance – coussin sonore) rapidement oubliable.

D’autres en revanche, proposent un mélange subtil entre narration émotionnelle et efficacité sonore moderne.

C’est le cas de Bryan Tyler avec le générique de « Destination Finale 5 » qui n’hésite pas à convoquer Jerry Goldsmith dans ses périodes les plus sombres (Omen).

Cette musique introductive est une démonstration de sa virtuosité narrative en proposant un thème entêtant aux accents éthérés.

La construction de ce générique mêle habilement les instruments classiques (avec les cordes et les cuivres) aux percussions métalliques pour donner une texture industrielle.

Sa force réside également dans l’orchestration crescendo avec un bridge en mineur suspendu avant de relancer, dans une puissance dantesque, la thématique principale avec des cuivres éclatants, des percussions tribales et des dissonances écrasantes.