Réalisation : Michael Lehmann
Genre : Aventure, action, comédie
Duree : 95 minutes
Origine : États Unis
Date de sortie : 24 mai 1991
Distribution : Bruce Willis, Danny Aiello, Andi MacDowell, Richard E Grant, Sandra Bernhard, James Coburn, David Caruso…

Hudson Hawk, réputé pour être le cambrioleur le plus talentueux du monde, sort de prison après de nombreuses années. Alors qu’il aspire à une vie calme, il se retrouve malgré tout obligé, pour sauver son meilleur ami des mains d’un couple de riches mégalomanes, de reprendre du service. Son objectif est de dérober trois objets cachés dans des œuvres, créés par Léonard de Vinci lui-même, et qui une fois assemblés donnerait un fabuleux pouvoir…

Exceptionnellement, je ne noterais pas ce film. Parce que si je m’écoutais, ça partirait directement sur un dix sur dix. Or il faut savoir raison garder, et le film ne mérite pas cette note du moins d’un point de vue formel.

Ce film pour moi est mon préféré avec Bruce Willis. Oui, oui, devant les Die Hard, devant Sixième sens, même devant Incassable. Ce film est une pure comédie jubilatoire.

Pour comprendre mon ressenti, il faut retourner dans les années 90.

Un après midi de désœuvrement, alors que je regardais la collection de VHS de mon frère, je tombe sur l’une d’entre elle, même pas en boîtier, mais dans un fourreau en carton. L’image ne me fait pas envie. On y voit Bruce Willis, faisant la moue, coiffé d’un chapeau informe et portant des lunettes de soleil rondes…

Rien d’aguichant, pour l’adolescent que j’étais alors, mais ayant beaucoup aimé Piège de Cristal et 58 minutes pour vivre, et succombant à l’ennui, je décide tout de même de laisser au film sa chance.

1h30 après, je rembobine la cassette, et me le rematte illico dans la foulée.

Le lendemain, j’invite un pote circonspect pour lui montrer. J’en parle à tout le monde. Ce film bien qu’à des années lumières des autres films qui composent alors le top de mes films préférés, vient d’y entrer de manière fracassante.

De la première minute à la dernière image, le film me fout une patate comme jamais. C’est l’une des comédies les plus drôles que j’ai vu.

Tous les registres d’humour y passent : du comique de situation, de la parodie, des références, aux dialogues, à l’absurde (les hommes de mains qui portent le nom de barres chocolatées)…

Alors oui, un frôle parfois le nanar, mais le film est tellement sympathique qu’on lui pardonne aisément ces errements.

Et les acteurs, les acteurs. Entre Richard E Grant et Sandra Bernhardt, qui forment le couple Mayflower, méchants caricaturaux à la James Bond, qui cabotinent comme si leur vie en dépendait, à James Coburn dans un rôle d’ex militaire, complètement à contre emploi, en passant par Andie MacDowell (toujours sublime) en agent de liaison qui se révèle être une bonne sœur sous couverture, à Danny Aiello, en pote lourdingue et attachant, et surtout, surtout à Bruce Willis.

Bruce met le paquet, et bien que sacrément épaulé, porte tout le film sur ses épaules. Cynique, désabusé, jubilant, faisant des mimiques dont seul lui a le secret, il nous offre l’un de ses meilleurs personnages. Et à partir du moment où vous aurez lancé le film, vous n’aurez qu’une envie, savoir si Hudson va enfin pouvoir boire son cappuccino.

Ce film, sorte de parodie de James Bond et d’Indiana Jones, qui va à cent à l’heure, pioche allègrement dans le cartoon (bruitage et situation burlesque : la poursuite sur autoroute en brancard) et dans la comédie musicale (pour chronométrer ses casses Hudson Hawk chante des chansons).

Il y a beaucoup trop à dire sur ce film, et comme il se vit, vraiment, je ne tiens pas à vous spoiler d’avantage.

Injustement écharper par la critique et les spectateurs à sa sortie, le film a acquis au fil des années une petite aura culte.

Malgré tout assez méconnu, je ne peux que vous conseiller séance tenante de vous ruer dessus, même si, j’ai conscience que le film et son humour ne plaira pas à tout le monde.

Dernière chose, je vous conseille également, exceptionnellement, de regarder le film en VF, les voix françaises sublimant le métrage.

Réalisation : Joel Schumacher
Genre : Thriller, Polar Hard Boiled
Durée : 123 minutes
Origine : Allemagne, États Unis
Sortie : 10 Mars 1999
Restriction : Interdit au moins de 16 ans
Distribution : Nicolas Cage, Joaquin Phœnix, James Gandolfini, Peter Stormare, Chris Bauer, Myra Carter, Amy Morton…

Nicolas Cage… Même si j’éprouve beaucoup de sympathie pour le bonhomme, son jeu m’a toujours laissé perplexe. Capable du meilleur (Lord of war) comme du pire (The Wicker man, par exemple) son surjeu l’amène souvent à flirter avec la frontière du cabotinage, voir à la franchir carrément, quand bien même le réalisateur qui le dirige soit un grand nom (David Lynch, John Woo…). Donc quand un réalisateur comme Joel Schumacher, lui aussi capable du meilleur (Génération perdue, Chute libre, Phone Game) comme de l’atroce (Batman forever et Batman et Robin pour ne citer qu’eux) décide de le diriger dans un polar sans concession, au sujet assez casse-gueule, on peut s’attendre à tirer à pile ou face sur le résultat.

Coup de bol, le film qui en résulte est, à mon sens, l’un des meilleurs de leur filmographie respective.

8mm est donc un polar vraiment méchant (dans le fond plus que dans la forme, même si le film comporte son lot de passage gratinés), sec et sobre, et disposant d’un casting quatre étoiles : Nicolas Cage, donc, mais également Joaquin Phœnix (Joker, Gladiator…), James Gandolfini (Les Sopranos), Peter Stormare (Fargo, Prison Break) et même un  Norman Reedus dans un tout petit rôle.

Le film nous raconte donc l’histoire de Tom Welles, détective privé, qui se voit offrir une coquette somme d’argent par la fraîchement veuve Mme Christian pour enquêter sur un film en 8mm trouvé dans le coffre fort de son mari après sa mort. Sur le film, on voit une jeune fille se faire massacrer au couteau par un homme masqué. Mme Christian veut savoir si le film en question est une fiction ou une réalité.

Tom Welles décide donc de partir à la recherche des identités de la jeune fille et de celle de son bourreau. Pour cela, il plonge dans le monde sordide de la pornographie amatrice, hardcore, et se frotte à la légende urbaine des « snuff movies », film dans lesquels des personnes sont réellement tuées…

Ce film est un très bon polar hard boiled, passionnant et que je recommande,  bien que sa dureté n’en fasse pas un objet à mettre devant tous les yeux. En effet, bien que vraiment excellent, le film est également assez déprimant de par son nihilisme et le propos du film reste vraiment choquant. Je préfère prévenir.

En fait, plus que déprimant, le film est surtout incroyablement triste. Tout dans le film nous ramène à une certaine forme d’ordinarité pour ne pas dire médiocrité. Le message du film pourrait être : la vie est pourrie et elle va vous en faire baver.

On apprend assez vite qui sont les différents protagonistes derrière le film notamment la jeune fille, Mary Ann, et son bourreau, acteur surnommé Machine. Et bien que le monde dépeint jusque là est sinistre et glauque, une part de nous veut croire à la mise en scène, encore plus après la vision de deux prétendus snuff par Tom et Max (Joaquin Phœnix, dans le rôle d’un jeune vendeur de produits érotiques et allié de circonstances pour Tom). Les films sont extrêmement violents et montre le meurtre sauvage d’une jeune femme, jusqu’à ce que Tom remarque que la victime est toujours interprété par la même actrice. Tom et Max sont soulagés et le spectateur aussi. Si ça se trouve Mary Ann, pour laquelle on s’est beaucoup attaché au fil de l’enquête, n’est peut être qu’une actrice dans une performance…

Sauf que non, Mary Ann est bien morte. Et Tom comme le spectateur, découvre ça, en même temps que le mobile assez ignoble

par sa simplicité : M Christian était suffisamment riche pour se le permettre. C’est tout. L’homme s’est offert un meurtre. Et aucune des personnes impliquées ne risquent rien, légalement, puisqu’il n’y a plus aucune preuve.
Dans une scène assez effroyable dans le traitement, Tom appelle alors la mère de la victime et lui demande la permission de tuer les responsables restant. Pour que justice soit faite.
Et si au final, il tue le directeur de casting pervers, le réalisateur, médiocre tâcheron qui se croit le Orson Wells du porno, mais ne réalise que des films porno underground lamentable, et Machine, (qui est lui aussi affligeant de banalité sans son masque. On est loin en le découvrant de la figure quasi monolithique à la Michael Myers, vendue tout le long du film, mais on se retrouve face à un M Tout le monde, quinquagénaire, bedonnant, myope et à la calvitie naissante.) le vrai responsable derrière tout ça, M Christian, s’est éteint paisiblement et Mary Ann n’aura jamais justice. Elle ne sera qu’une victime sacrifiée et anonyme.

Dans la dernière scène Tom rejoint sa femme et la supplie de le sauver en pleurant. Mais peut elle le sauver du monde ?

A noter qu’il existe une suite, toute nulle et qui n’a rien à voir !

Réalisateurs : Stanley Donen, Gene Kelly
Genre : Comédie Musicale
Durée : 103 minutes
Sortie : 11 Avril 1952
Origine : États Unis
Distribution : Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell…

La comédie musicale ne manque pas d’excellents représentants, et même si le genre a tendance à se raréfier, nos salles obscures continuent malgré tout de nous sortir de temps en temps de très bons opus, sans compter toutes les comédies « live ».

Pour moi, la meilleure comédie musicale est Chantons sous la pluie. Quand je l’ai découverte, je m’attendais à quelque chose de gentiment ringard, ayant mal vieilli et dont la chanson éponyme me terrifiait car l’ayant découverte avec Orange Mécanique.

C’est donc un peu circonspect, mais voulant compléter ma culture cinématographique, que j’ai un jour lancé le film, m’attendant plus ou moins à m’ennuyer copieusement.

Je dois avouer, le rouge au front et bien humblement, que je m’étais planté sur toute la ligne. Non seulement, le film est excellent mais et surtout, c’est clairement une de mes comédies préférées. Contrairement à ce que je croyais, le terme comédie ici, n’est absolument pas galvaudé : le film est hilarant.

L’histoire prend place dans les années 20, au moment de la transition entre le cinéma muet et parlant. On suit un couple star (juste pour la presse), Don Lockwood (Gene Kelly – Un Américain à Paris, Xanadu…) et Lina Lamont (Jean Hagen – Quand la ville dort), excellant dans de multiples films muets mais qui en réalité ne se supportent pas, Lina étant absolument détestable et possédant malgré une plastique avantageuse, une voix de crécelle. Pour pouvoir continuer leur vie de star, les deux doivent s’adapter à ce nouvel exercice. Le meilleur ami de Don,  Cosmo Brown (Donald O’Connor – La joyeuse Parade) lui suggère alors de trouver une comédienne pour doubler Lina. Le choix de Don se porte vite sur une jeune comédienne insolente, Kathy Selden (Debbie Reynolds – La conquête de l’Ouest et accessoirement mère de Carrie Fisher).

Le film est excellent de bout en bout. Et surtout comme dit précédemment incroyablement drôle. Du début à la fin, l’humour est omniprésent. Que se soit la vie fantasmée que s’invente Don Lockwood, les répliques de Cosmo, le fameux passage du film muet au film parlant, avec tout ce que cela implique de cafouillage technique (jeu d’acteur déplorable, post synchronisation lamentable, faux raccord, dialogues minables…).

Le film dispose d’une bande originale exceptionnelle, avec des chansons qui restent en tête telles que Make ‘em laugh, Good morning et bien évidemment le classique Singing in the rain.

De plus on peut compter sur d’incroyables chorégraphies, à base de ciné dance, claquettes, acrobaties…

Au niveau des défauts, il y en a très peu, mais il faut cependant noter quelques cassures de rythme, la faute à quelques scènes un peu trop longues. ( La scène avec Cyd Charisse par exemple, qui dure une plombe et qui n’apporte vraiment pas grand-chose à l’intrigue).

Mais ce qu’on retient in fine, c’est la bouffée d’air frais qu’on se prend, grâce à de parfaits acteurs et une bonne humeur quasi permanente. En effet, les personnages ont une grande complicité ce qui se ressent pour les spectateurs.

 Et c’est carrément un exploit, vu l’ambiance absolument épouvantable qu’il régnait sur le plateau de tournage. Gene Kelly, perfectionniste de l’extrême, a complètement démoli la pauvre Debbie Reynolds pendant tout le tournage, lui imposant des entraînements quotidiens ultra draconiens, l’engueulant sans vergogne, lui pourrissant le moral au point qu’elle finissait en pleurs à la fin de chaque scène… Et comme Kelly n’était pas sectaire, le pauvre Donald O’Connor en prenait aussi régulièrement pour son grade, malgré sa bonne volonté permanente et sa gentillesse.

Pour l’anecdote, un jour où Debbie Reynolds était encore une fois en larmes sur le plateau, celle-ci fut consoler par nul autre que Fred Astaire, grand rival de Gene Kelly, qui l’aida à répéter ses chorégraphies.

C’est un peu dommage de finir sur une note si sombre pour un film qui est absolument charmant, mais, cela démontre (sans l’excuser une seule seconde) qu’à l’instar du Shining de Stanley Kubrick, un tournage épouvantable peut donner un chef d’œuvre du cinéma. Ou comment une rose peut s’épanouir sur un tas de fumier.

Bref. Si vous aimez les comédies musicales, et les comédies vraiment drôles, le cinéma, jetez vous sur ce classique, qui inspira beaucoup de films après lui, à commencer par notre The Artist national.