LE MUSÉE DES MERVEILLES

À l’image de Scorsese avec Hugo Cabret, Todd Haynes explore en fétichiste quelques trésors anciens du septième art. Un hymne à l’enfance et à la différence qui manque parfois, derrière le savoir-faire, de rythme et d’étoffe.

• Réalisation : Todd Haynes
• Scénario : Brian Resnick
• d’après : le roman Wonderstruck
• de : Brian Resnick
• Image : Edward Lachman
• Décors : Mark Friedberg
• Costumes : Sandy Powell
• Montage : Affonso Gonçalves
• Interprétation : Oakes Fegley (Ben), Julianne Moore (Lillian Mayhew / Rose âgée), Millicent Simmonds (Rose), Michelle Williams (Elaine Wilson), Jaden Michael (Jamie), Raul Torres (le père de Jamie), Tom Noonan (Walter âgé), James Urbaniak (Dr Kincaid), Amy Hargreaves (tante Jenny), Cory Michael Smith (Walter)…
• Date de sortie : 15 novembre 2017
• Durée : 1h57

« Ta chambre est un vrai musée ! » Cette réplique prononcée par la mère de Benjamin à son jeune fils annonce d’emblée la couleur si jamais quiconque avait un doute. Avec cette adaptation d’un roman pour jeunesse de Brian Selznick (déjà auteur de Hugo Cabret), Todd Haynes n’entend en rien se départir de sa fascination, confinant souvent à un fétichisme délirant, pour les maisons de poupées, maquettes et autres modèles réduits qui ont jalonné sa filmographie (de The Karen Carpenter Story – raconté uniquement avec des poupées Barbie – au magasin de jouets dans lequel travaillait Rooney Mara dans Carol).

Et le moins que l’on puisse dire, c’est que le cinéaste américain plonge cette obsession de manière inédite dans le monde de l’enfance avec ce Wonderstruck présenté en compétition officielle. Pour la première fois ? Pas vraiment. On peut se souvenir du prologue SF de Velvet Goldmine où le jeune Oscar Wilde croisait la route d’une soucoupe volante. Mais ce que Haynes entreprend ici a ceci de singulier que son nouveau film ne se déroule que du point de vue de deux enfants : le jeune Benjamin donc, et Rose.

Tous deux habitent dans deux états différents du pays (respectivement le Minnesota et le New Jersey) mais vivent surtout à 50 ans d’écart : Benjamin en 1977 et Rose en 1927. Et le film de faire constamment des allers-retours entre les deux univers qu’Haynes a circonscrits de manière radicale : puisque Rose est sourde (apparemment de naissance), son monde prendra la forme d’un film en noir et blanc muet tandis que Benjamin grandit dans un univers coloré typique des années 70 où tournent dans le salon des vinyls de David Bowie.

Cette segmentation n’étonnera pas les aficionados du réalisateur de Poison ou I’m Not There, qui modèle toujours ses films au gré de reconstitutions historiques alliées à des expérimentations formelles audacieuses qui sont moins des hommages appuyés qu’une manière de retrouver une certaine innocence du cinéma.

Par un coup du sort – ou un coup de foudre, Benjamin devient, tout comme Rose, sourd – Haynes décrivant particulièrement ici ce nouvel handicap pour le jeune homme comme une forme de marginalité qui conduit à un comportement de résistance face aux carcans de la société et entraînant de par-même une certaine vision poétique du monde, à l’instar de l’homosexualité dans Carol, l’amour interracial dans Loin du paradis ou encore le mouvement punk dans Velvet Goldmine.

Suite à ce traumatisme, Benjamin se met en route pour New York, guidé par un livre décrivant un cabinet de curiosités, afin de retrouver ce père qu’il n’a jamais connu. Faute d’amour, Rose entreprend le même périple afin de rencontrer ce qui semble être aux premiers abords une actrice qui la fascine au point de pleurer à chaudes larmes devant un de ses films muets dans une vieille salle accueillant bientôt le cinéma parlant.

Il faut à ce titre saluer – une fois de plus – la partition magistrale de Carter Burwell qui porte entièrement le film et semble agir comme un facteur essentiel de la mise en scène d’une inventivité constante de Todd Haynes.

Chaque étape du parcours des deux enfants, montée en parallèle, trouve son écho troublant et son alchimie mystérieuse, dans le score du musicien américain agissant comme des points de raccords invisibles permettant à Wonderstruck de tenir la barre de son histoire insensée. Ne citons que la découverte expressionniste de la ville de New-York par Rose, où les lignes de fuite des gratte-ciels plongent autant le spectateur que la jeune fille dans un état de joie et de sidération totales.

Wonderstruck trouvera sa cristallisation au Museum d’Histoire naturelle de New York, lieu où le monde est littéralement déposé et parcouru comme un terrain de jeu par Ben et Rose, toujours séparés de 50 ans. Haynes y achève sans doute sa réflexion persistante sur l’émerveillement et la fascination en s’aventurant, parfois avec tendresse et cruauté, dans la psyché de ses deux protagonistes qui finiront par se rejoindre dans un épilogue où la ville même de New York est exposée comme une maquette géante tapissant le sol du musée.

Des immeubles et autres bâtiments jalonnant cette reconstruction, Haynes ne fait qu’y cacher, lorsqu’on les soulève, les sentiments les plus enfouis et les secrets les mieux gardés. Ceux de l’enfance qui jamais ne se termine.

8/10

HAPPY BIRTH DEAD

Le producteur Jason Blum ressasse les clichés du slasher dans un thriller fun, mais poussif, à mi-chemin entre Destination finale et Un jour sans fin. Il n’égale pas ses valeureux modèles.

• Réalisation : Christopher Landon
• Scénario : Scott Lobdell
• Image : Toby Oliver
• Décors : Cece Destefano
• Costumes : Meagan McLaughlin
• Montage : Gregory Plotkin
• Musique : Bear McCreary
• Producteur(s) : Jason Blum, Ryan Turek, Phillip Dawe, Beatriz Sequeira
• Production : Blumhouse Productions, Digital Riot Media, Vesuvius Productions
• Interprétation : Jessica Rothe (Tree Gelbman), Israel Broussard (Carter Davis), Ruby Modine (Lori Spengler), Charles Aitken (Gregory Butler), Laura Clifton (Stephanie Butler)…
• Distributeur : Universal Pictures International France
• Date de sortie : 15 novembre 2017
• Durée : 1h37

Combien de fois le fan compulsif de film d’horreur peut-il regarder au cinéma une jolie actrice se faire trucider par un tueur masqué ? Le succès inépuisable du slasher (ce sous-genre du cinéma d’épouvante né avec la scène de la douche dans Psychose), jamais démenti depuis que John Carpenter en a signé le classique absolu avec Halloween, a vu passer nombre d’itérations plus ou moins réussies au gré des décennies.

Wes Craven l’a réactivé en fable méta avec le premier Scream en 1996, et même si de nombreuses variations ont permis de mettre un peu de créativité dans une machinerie de plus en plus rouillée (le plus bel exemple récent, It Follows, incarnant son versant low-fi, presque contemplatif), le genre semblait à bout de souffle.

Jason Blum, le nouveau wonder-boy du cinéma d’horreur (on lui doit le retour de Shyamalan et l’énorme succès de Get Out), vient apporter sa pierre à l’édifice avec Happy Birthdead, hélas moins enthousiasmant que ce que sa folle bande-annonce ne laissait espérer.

Prenons donc Tree, une blonde insupportable (Jessica Rothe, très drôle), étudiante superficielle et méprisante (rassurons-nous, elle souffre d’un trauma familial qui explique sa méchanceté chronique). La jeune femme se réveille dans le lit d’un garçon qui en pince pour elle, après une soirée très arrosée. Bien qu’il ne se soit rien passé entre eux, c’est suffisant pour la mettre en rogne pour le reste de la journée.

Laquelle s’annonce chargée : entre son amant (qui est accessoirement aussi son prof), ses « copines » mauvaises à souhait et sa coloc un peu nunuche, elle en oublierait presque que c’est le jour de son anniversaire. Une fête est prévue le soir-même, mais en s’y rendant, Tree tombe nez à nez avec un tueur masqué qui lui règle son compte.

C’est déjà fini ? Et non : à peine la lame du couteau de son agresseur a-t-elle transpercé le corps de notre héroïne que celle-ci se réveille… dans le même lit que le matin. C’est donc reparti pour un tour, et tel Bill Murray dans Un jour sans fin, Tree est condamnée à revivre la même journée et à mourir sous les coups du mystérieux serial-killer à l’infini. À moins qu’elle ne trouve qui la traque, et pourquoi.

Dead again

Reprendre le concept de l’une des meilleures comédies de ces trente dernières années n’est pas une nouveauté : Doug Liman l’a merveilleusement soumis au traitement SF dans Edge of Tomorrow, où Tom Cruise affrontait des extra-terrestres en étant enfermé dans une boucle temporelle lui permettant de revenir ad nauseam.

Mais l’approche de Liman rapprochait plus le film du jeu vidéo (mourir et ressusciter pour mieux maîtriser une technique guerrière et gagner la partie), là où le film de Harold Ramis soumettait Bill Murray à une crise existentielle doublée d’un fantasme universel : et s’il était possible de tout recommencer, que ferions-nous différemment ?

Happy Birthdead reprend les enjeux ludiques de Edge of Tomorrow en les transformant en Cluedo géant : Tree doit trouver l’identité du psychopathe qui veut sa peau et le tuer avant qu’il ne le fasse, et son enquête la mènera forcément à réévaluer sa vie, son attitude et ses erreurs.

C’était déjà le sujet d’Un jour sans fin, qui passait l’esprit de Capra à la moulinette de l’humour du Saturday Night Live. Dans Happy Birthdead, Capra a disparu pour laisser place à une succession de blagues potaches et d’une morale gentiment convenue qui colle aux attentes d’un public adolescent biberonné à des séries comme Pretty Little Liars ou Riverdale.

Les péripéties répétées de Tree se laissent regarder sans déplaisir mais sont totalement dénuées de toute ambition esthétique ou même narrative. Il s’agit moins ici de livrer un commentaire sur le genre (à la façon des Scream) que d’affirmer la coolitude du film de façon entendue et détachée, comme si pour le réalisateur (un tâcheron de l’écurie Blum, aux manettes de trois Paranormal Activity) la répétition absurde des scènes s’apparentait à remonter dans un train-fantôme duquel on vient juste de descendre.

L’effet est le même : plus Tree revit sa journée et avance dans son enquête, moins les multiples variantes de sa mort ne provoquent de frissons – le film assurant, dès sa première scène, un minimum syndical qui se transforme progressivement en ennui pur et simple.

Ne reste plus à Happy Birthdead qu’à être une simple comédie (comme si rires et frissons étaient incompatibles – Wes Craven doit se retourner dans sa tombe) et à jouer la surenchère sans la moindre conviction.

Il faut bien tout l’abattage de Jessica Roth, dont le joli minois archi-expressif offre au film ses moments les plus délicieusement burlesques, pour ne pas totalement oublier ce ratage après visionnage.

4/10

MARYLINE

Le métacinéma comme dispositif vertigineux pour une belle histoire de femme qui dépasse les clichés des couches sociales habituelles, avec une galerie de personnages généreux, traversée par la luminosité de Vanessa Paradis.

• Réalisation : Guillaume Gallienne
• Scénario : Guillaume Gallienne
• Image : Christophe Beaucarne
• Décors : Sylvie Olivé
• Costumes : Caroline de Vivaise
• Son : Rémy Daru
• Montage : Valérie Deseine
• Interprétation : Adeline d’Hermy (Maryline), Vanessa Paradis (Jeanne Desmarais), Alice Pol (Alexane), Éric Ruf (François Louis), Xavier Beauvois (Michel Roche), Lars Eidinger (Ilan Kafman), Pascale Arbillot (Betty Brant), Clotilde Mollet (la mère de Maryline), Florence Viala (la buraliste)
• Distributeur : Gaumont Distribution
• Date de sortie : 15 novembre 2017
• Durée : 1h47

M

Pour son premier film en tant que réalisatrice, l’actrice Sara Forestier semble avoir voulu s’inscrire dans le sillage d’Abdellatif Kechiche, son mentor qui l’avait révélée auprès du grand public avec L’Esquive en 2003. 

• Réalisation : Sara Forestier
• Scénario : Sara Forestier
• Image : Guillaume Schiffman
• Décors : Thierry François
• Costumes : Catherine Baba
• Son : Nicolas Provost, Jérôme Chenevoy
• Musique : Christophe
• Producteur(s) : Hugo Sélignac, Vincent Mazel, Denis Freyd
• Production : Chi-Fou-Mi Productions, Archipel 35, France 3 Cinéma
• Interprétation : Sara Forestier (Lila), Redouanne Harjane (Mo)
• Distributeur : Ad Vitam
• Date de sortie : 15 novembre 2017
• Durée : 1h38

M revendique cet héritage du cinéma-vérité où le parti-pris naturaliste est amplifié par une volonté (pour ne pas dire complaisance) de montrer les aspects les moins reluisants de notre monde : toute en lumières blafardes et décors décrépis, la mise en scène confronte deux personnages à un environnement vaguement hostile qui ne leur donne jamais la possibilité de trouver cette estime d’eux-mêmes dont ils ont pourtant tant besoin pour avancer. Ces deux personnages, ce sont Lila et Mo.

La première est une lycéenne qui se prépare à passer le bac français (passons sur le fait qu’elle est interprétée par la réalisatrice elle-même, déjà trentenaire) et doit surmonter pour cela un handicap qui fait d’elle la risée de ses camarades et le bouc-émissaire de son père : elle est bègue, panique dès qu’elle doit prendre la parole en public ou devant un inconnu, alors qu’elle obtient par ailleurs des notes brillantes. Le second est un baroudeur trentenaire qui traîne avec la racaille du coin et se risque à des concours de dérapages en voiture pour mieux taire sa mélancolie.

Mais derrière son air assuré, le jeune homme a lui aussi un complexe qui l’empêche aussi d’avoir une relation apaisée au monde : il ne sait ni lire, ni écrire. Lorsque ces deux-là se rencontrent par hasard à un arrêt d’autobus, le défi qui se pose à eux du fait de leurs limites respectives (elle ne peut s’exprimer que par écrit, ce qui le renvoie lui à son illettrisme) vient paradoxalement cimenter leur relation. Ensemble, ils vont devoir surmonter une somme de tabous et leur propre honte pour espérer construire quelque chose de durable ensemble.

Jeux d’acteurs

On devine facilement ce qui a pu attirer Sara Forestier dans ce double portrait de deux individus à la marge qui ne visent qu’à passer de chenille à papillon pour peu que quelqu’un leur offre cette chance.

Le complexe – le bégaiement pour elle, l’illettrisme pour lui – n’est pas pour autant abordé par un biais psychologique (tout au plus émettra-t-on l’hypothèse qu’elle en souffre depuis la mort de sa mère) ou bien social (on ne sait pas pas comment Mo a pu arriver jusque là sans être même capable de lire la moindre lettre – d’où le titre) : il donne surtout l’impression d’être exploité pour son seul potentiel dramatique et sa capacité à provoquer l’empathie chez le spectateur.

Compte tenu du nombre de monteurs qui ont travaillé pour aboutir au résultat final, on peut se demander si le sujet ne s’est pas imposé par défaut au dérushage pour permettre à la réalisatrice de tenir une ligne claire vers un objectif identifié : celui de la réconciliation (de l’image de soi puis dans la relation à l’autre) et donc de l’apaisement.

C’est un beau terreau que la réalisatrice offre à elle-même et à son acolyte en termes de performances : elle est dans le rôle de composition qui lui va un peu trop à ravir (dans la lignée de ce qu’elle réalisait dans Suzanne et La Tête haute), ce qui lui permet de rappeler qu’elle a toujours une excellente technique de jeu à la limite du cabotinage (le regard fuyant lorsque la scène l’exige, la bouche qui se déforme sous l’angoisse au moment opportun), quitte à donner l’impression d’avoir mis le film au service d’elle-même ; Redouanne Harjane, quant à lui connu pour ses performances de stand-up, est dans le contre-emploi rêvé, jouant avec une certaine subtilité des obstacles qui se mettent en travers de son chemin pour mieux matérialiser son mal-être.

Dans cette continuité, on aurait bien aimé que Sara Forestier fasse preuve de la même générosité à l’égard de Jean-Pierre Léaud qui hérite ici d’un rôle de père fouettard caricatural.

De la matière

Là où le film devient plus intéressant, c’est quand il tente d’envisager un rapport plus frontal au corps et à la matière : l’angoisse qui se traduit par une culotte souillée, une dent brutalement arrachée pour obliger la petite sœur trop intrusive à taire le secret qu’elle vient de découvrir. C’est même autour de ce personnage que la réalisatrice parvient à faire exister la perversité qui peut parcourir le film par endroits (elle adopte un comportement étrangement lascif pour son âge à l’égard de Mo, se rend complice de son illettrisme en improvisant des cours d’alphabétisation).

Malheureusement, ces pistes sont assez rapidement neutralisées par un récit qui en revient toujours à sa trame principale et n’emprunte finalement jamais les possibles chemins de traverse qui s’offrent à lui. On en vient alors à se demander ce que le régime d’images voulu par Sara Forestier cherche à produire, si ce n’est de traquer la frontalité pour indisposer et choquer tout en s’inscrivant dans un environnement qui veut faire ostensiblement « peuple », encore une fois à la manière d’un Abdellatif Kechiche qui ne recule jamais devant le manichéisme social.

Trop cousu de fil blanc dans sa progression narrative, peu aventureux en termes de mise en scène, le film finit même par se convertir aux conventions les plus attendues (en l’occurrence un happy end complètement à côté de la plaque) qu’il prétendait pourtant conspuer dans sa première partie en adoptant une posture volontairement disgracieuse : c’est peu dire si M s’effondre rapidement comme un soufflé, se délestant de l’ambiguïté et de l’esprit de fatalité qui pouvaient potentiellement l’irriguer. En somme, beaucoup de bruit pour rien.

5/10

DIANE A LES ÉPAULES

• Réalisation : Fabien Gorgeart
• Scénario : Fabien Gorgeart
• Image : Thomas Bataille
• Décors : Cyril Gomez-Mathieu
• Costumes : Céline Brelaud
• Son : Mathieu Descamps
• Montage : Damien Maestraggi
• Producteur(s) : Jean des Forêts
• Production : Petit Film
• Interprétation : Clotilde Hesme (Diane), Fabrizio Rongione (Fabrizio), Thomas Suire (Thomas), Grégory Montel (Jacques)…
• Distributeur : Haut et Court
• Date de sortie : 15 novembre 2017
• Durée : 1h27

Diane a les épaules : en voilà, un joli titre… Diane est une femme indépendante, bordélique, grande gueule et têtue, mais que ce soit pour retaper une maison ou assumer une grossesse pour son meilleur ami et son compagnon, elle semble en effet être suffisamment solide pour savoir ce qu’elle fait.

En revanche, Diane n’avait pas prévu de rencontrer un mec qui serait autre chose qu’un plan cul. Et encore moins de se poser les questions que lui se pose à sa place : qu’attend-elle de l’amour et de l’avenir ? et cet enfant qu’elle porte, est-elle bien sûre qu’elle pourra en faire don aussi facilement qu’elle le prétend ? Diane a en effet de belles épaules, à la fois solides et délicates, mais qui peuvent se bloquer et parler à sa place quand les certitudes vacillent.

Il ne s’agit pas pour Fabien Gorgeart, dont c’est le premier long métrage, de dresser un énième portrait de femme des années 2010 en proie à des questionnements existentiels. Au contraire, l’intérêt de Diane a les épaules réside précisément dans le déni de l’héroïne face aux nombreux bouleversements qui viennent chambouler sa vie, et dont l’apparente nonchalance cache, on le devine, une grande fragilité. D’où vient, alors, ce sentiment que le film bégaye et ne sait pas dans quelle direction aller ?

Sur le papier, les sautes d’humeur et l’intransigeance de Diane avaient peut-être du sens mais, à l’écran, les intentions du réalisateur se retournent contre son film. Diane apparaît moins comme un personnage en bute contre toute forme d’ordre qui pourrait lui apporter, paradoxalement, bonheur et apaisement, que comme une agaçante ado attardée dont les bouderies et les colères perpétuelles finissent par la rendre franchement irritante.

À tel point que l’on en vient à questionner les motivations des personnages qui l’entourent, de son petit ami qui s’accroche à elle quand bien même elle le traite comme un chien, au couple d’amis gays qui l’ont choisie pour porter leur enfant alors qu’elle est d’emblée présentée comme l’antithèse du confort bourgeois qu’ils incarnent. Le film semble ainsi osciller en permanence entre plusieurs aspirations : la comédie dramatique, la satire, la rom-com, la chronique sociale… sans que ces pièces semblant provenir de plusieurs puzzles différents ne réussissent à s’assembler de façon convaincante.

Une autre femme

On sent bien une double volonté chez le jeune réalisateur. D’abord, croquer un personnage féminin très fort, reposant entièrement sur son épatante comédienne (Clotilde Hesme), qui parvient parfois à emmener le film vers une zone d’inconfort que ni le scénario, ni la mise en scène n’arrivent vraiment à exploiter. Mais aussi évoquer, par petites touches, un nouvel ordre du monde en questionnant les rôles traditionnellement dévolus aux futurs parents. L’ambition est louable, mais Fabien Gorgeart semble ne jamais vraiment savoir quoi faire de ses intuitions.

Le déni de Diane sur ce que son geste peut potentiellement impliquer pour elle après l’accouchement est un sujet passionnant, que le réalisateur ne traite véritablement qu’à la toute fin, lors de deux très jolies scènes qui laissent entrevoir ce que le film aurait pu être s’il s’était un peu moins attardé sur les atermoiements amoureux de son personnage principal.

Autour de Diane/Clotilde Hesme, les seconds rôles peinent à exister : le film cultive une forme de hors-champ (plus la grossesse de Diane avance, moins le monde autour d’elle existe) qui est intéressant mais n’est pas suffisamment travaillé. Diane a les épaules semble être entièrement dicté par les errances de son personnage principal, et le réalisateur semble ne pas plus savoir qu’elle où il va.

C’est d’autant plus dommage que l’excellent Fabrizio Rongione, dans le rôle du soupirant aussi sage et patient que Diane est capricieuse et agaçante, forme avec Clotilde Hesme un couple à la fois dépareillé et harmonieux, auquel le film, ambitieux mais brouillon, ne parvient jamais à rendre justice.

4/10