MARY

Réalisation : Marc Webb
Scénario : Tom Flynn
Image : Stuart Dryburgh
Décors : Laura Fox
Costumes : Abby O’Sullivan
Montage : Bill Pankow
Musique : Rob Simonsen
Producteur(s) : Karen Lunder, Andy Cohen, Glen Basner, Ben Browning, Molly Allen
Production : Fox Searchlight, Filmnation Entertainment, Grade A Entertainment
Interprétation : Chris Evans (Frank Adler), Mckenna Grace (Mary Adler), Lindsay Duncan (Evelyn Adler), Jenny Slate (Bonnie), Octavia Spencer (Roberta)
Distributeur : Twentieth Century Fox France
Date de sortie : 13 septembre 2017
Durée : 1h41

Un homme se bat pour obtenir la garde de sa nièce, qui témoigne d’un don hors du commun pour les mathématiques.
Chris Evans laisse au placard son costume de super-héros de Captain America pour endosser les habits ordinaires de Frank, un homme à qui sa sœur a confié la garde de sa fille Mary avant de mourir. En compagnie de l’inénarrable chat borgne et roux dénommé Fred, ils vivent chichement dans un mobile-home au confort sommaire dans cet état ensoleillé de Floride où tout n’est que gaieté et couleurs chatoyantes.

Leur voisine, une femme joviale et dévouée (la toujours parfaite Octavia Spencer) considère Mary comme sa fille et n’a de cesse de lui rendre la vie plus belle par mille attentions. Sont ainsi posées les bases d’une comédie qui, si elle n’a rien de révolutionnaire tant en ce qui concerne le sujet que la réalisation, a le bel avantage de mettre en avant la charmante complicité du duo Frank (Chris Evans)/Mary (Mckenna Grace).

La fillette, vive et à la réplique facile, est bouleversante de naturel. Si Mary est surdouée en mathématiques, Mckenna l’est tout autant dans son jeu d’actrice. La gamine est follement attachante, Chris Evans n’est pas mal non plus dans son rôle d’oncle bienveillant et maladroit à la recherche du meilleur pour cette enfant hors-norme dont il est fou. Tous les éléments semblent donc réunis pour nous offrir un spectacle de qualité. On attend maintenant tout naturellement de pouvoir bénéficier d’un éclairage intéressant sur les difficultés du système éducatif pour les enfants surdoués.

Mais patatras, l’arrivée de la grand-mère élégante et riche (l’impeccable Lindsay Duncan taillée pour le rôle) qui a d’autres ambitions pour sa petite-fille et se moque pas mal de lui voler son enfance anéantit tous nos espoirs et dévie la trajectoire amorcée. L’intérêt pour ce récit au manichéisme soudainement envahissant (les gentils pauvres qui ne peuvent que s’offrir un avocat noir sympathique mais dépourvu de tout pouvoir face aux méchants riches « armés » d’un défenseur puissant et hargneux).

L’ANALYSE
Mary, avec son rôle-titre, se présentait comme le simple portrait d’une jeune orpheline surdouée. Marc Webb prend pourtant pour acquis le fait que les capacités intellectuelles sont héréditaires (Diane, sa défunte mère, également un génie mathématiques), et préfère s’intéresser à l’entourage de son personnage principal.

Le film s’attarde notamment sur le combat de Frank, son oncle, pour préserver sa garde et maintenir (un semblant) de structure familiale, et sur Diane, pourtant quasiment absente du film. Bien que simple silhouette photographique, la figure de la défunte influence pleinement les choix de tous les personnages : Frank insiste pour que Mary ait une enfance normale afin de lui éviter le mal-être de sa mère, et Mary, au contraire, souhaite poursuivre les traces intellectuelles de Diane, encouragée par sa grand-mère maternelle, Evelyn.

Ma famille d’abord
Mary multiplie les pistes scénaristiques et thématiques, au risque de s’éparpiller, puisque le réalisateur opte pour un point de vue omniscient, passant nonchalamment d’un personnage à l’autre. Malgré son manque de responsabilité et son immaturité, Frank doit assumer son rôle paternel et enseigner un certain nombre de règles à Mary, qui rencontre des problèmes de sociabilité.

Consciente dès son jeune âge de son potentiel, la jeune fille n’aspire, au début du film, qu’à échapper à tout obstacle social (notamment la lenteur du programme scolaire) et familial pour accélérer son apprentissage des mathématiques. Soient deux récits parallèles, l’un sur un processus d’adaptabilité aux autres et de respect des règles, l’autre sur la volonté d’émancipation d’un destin singulier (Mary et ses dons, d’où le titre original Gifted).

Pourtant, le film se saborde lui-même en finissant par faire accepter à Mary l’ordre établi. La mise en scène de Marc Webb est plate et sans surprise, en adéquation avec la trajectoire prévisible de son personnage principal, et au seul service du scénario (et aucunement le reflet de l’esprit brillant de Mary).

Non seulement le récit s’englue dans les conventions du divertissement hollywoodien (un conflit pour amplifier les caractères de chacun), mais la narration ne fait l’économie d’aucun détail sur la mise en place de ses enjeux et la transparence de ses intentions – d’où l’impression de longueur du film. Le spectacle semble plutôt calibré pour accroître la teneur dramatisante, notamment dans son utilisation un peu simpliste de l’hérédité psychologique et intellectuelle (Mary qui suivrait une lignée similaire à sa mère au risque de connaître la même issue funeste).

(D)Écrire le génie
Il y a pourtant bien une scène digne d’intérêt, où le film caresse enfin l’espoir de cerner au mieux son sujet – les itinéraires intellectuels d’êtres extraordinaires. C’est-à-dire s’appliquer à ne pas décrire ce qu’ils sont au quotidien, mais observer le chemin parcouru et le passage adulte. Evelyn découvre un carton laissé par Diane, et fond alors en larmes. Durant cette séquence, la mère tient deux dimensions de sa défunte fille : son enfance résumée en plusieurs feuilles de brouillon, et sa maturation, la consécration de son travail et de ses tâtonnements.

Si Evelyn ne parvient pas à retenir ses larmes, c’est par la pleine conscience de tenir dans ses mains les traces du prodige de sa fille, les témoignages de son parcours. Derrière les formules mathématiques compliquées et l’étalage un peu creux des talents de ses personnages (comprendre : voir Mary lire un imposant volume scientifique), Marc Webb parvient, en un simple gros plan sur des feuilles de brouillon, à débusquer – relativement – le génie caché derrière la façade (dans le cas de Diane, les photographies figées).

La peinture d’êtres extraordinaires est souvent, au cinéma, une tâche peu aisée (voir l’échec d’Une merveilleuse histoire du temps ou d’Imitation Game), mais Mary, de toute façon, s’évertue trop à sacrifier son énergie et son temps à ramener ces êtres singuliers dans un bien conventionnel schéma normalisé, le fameux happy-end de la famille apaisée.

Attachante, bouleversante, poignante … Mary ne pourra vous laisser insensible quand bien même vous auriez un cœur de pierre!

LE PRIX DU SUCCÈS

Réalisation : Teddy Lussi-Modeste
Scénario : Rebecca Zlotowski, Teddy Lussi-Modeste
Image : Julien Poupard
Décors : Chloé Cambournac
Costumes : Marité Coutard
Son : Vincent Vatoux, Sébastien Noiré, Julien Ngo Trong, Emmanuel Croset
Montage : Julien Lacheray
Musique : Rob
Producteur(s) : Jean-Christophe Reymond, Amaury Ovise
Production : Kazak Productions
Interprétation : Tahar Rahim (Brahim), Roschdy Zem (Mourad), Maïwenn (Linda), Grégoire Colin (Hervé), Sultan (Drill), Ali Marhyar (Lenny), Camille Lellouche (Camille), Saïda Bekkouche (Wassila)…
Distributeur : Ad Vitam
Date de sortie : 30 août 2017
Durée : 1h32

Avouons-le, le pitch de Le Prix du succès fait un peu penser à un reportage diffusé sur TF1 le samedi après-midi. « Stars du foot, du cinéma, de la scène : qui sont les gens qui les entourent ? Qui se cache dans l’envers du décor ? » L’idée fait un peu frémir, et le film parvient avec une élégance certaine à ne pas être tout ce que son sujet potentiellement racoleur laisse supposer. Il faut pour cela créditer le scénario, co-signé par Teddy Lussi-Modeste et Rebecca Zlotowski, et la réalisation soignée de Lussi-Modeste, dont c’est le deuxième long-métrage après Jimmy Rivière, en 2011. Il y a là une réelle volonté de ne pas faire téléfilm, d’aborder cet univers prompt au clinquant et à la caricature avec humilité et respect. Ce qui tend à faire de Le Prix du succès, sinon un grand film, tout au moins une œuvre tout à fait honorable.

Brahim (Tahar Rahim) est une vedette montante de la scène humoristique. Le jeune comédien est à un tournant de sa carrière et de sa vie personnelle : il doit préparer un nouveau spectacle qui devrait définitivement faire de lui une star et il est très amoureux de sa compagne Linda (Maïwenn), qui met également en scène ses shows. Le problème de Brahim, c’est son frère Mourad (Roschdy Zem), qui se présente comme son manager mais duquel Brahim aimerait se démarquer professionnellement. Là où Brahim est doux, charmeur, posé et mûr, Mourad est grande gueule, agressif, intrusif et incontrôlable. Petit à petit, Mourad va de moins en moins supporter d’être mis à l’écart et les relations entre les deux frères vont se tendre… jusqu’à la rupture.

Lussi-Modeste est clairement peu intéressé par la représentation des fastes de la vie des people et beaucoup plus par ce que la fortune et la gloire imposent à des gens issus des quartiers populaires. Brahim sait apprécier sa célébrité et le confort matériel qu’elle lui apporte, pourtant il se sent redevable auprès de sa famille, et en particulier son frère. La caméra s’attache à donner un mouvement aux scènes avec Brahim mais avec douceur, sans hystérie, comme pour montrer que la vie du jeune homme est constamment portée par un double désir : celui d’aller de l’avant et celui de fuir, d’échapper à tout ce qui peut l’entraver, en particulier ce frère tant aimé mais encombrant. La seule qui parvient à le canaliser, c’est Linda, l’amante bienveillante et complice pro, celle qui incarne l’avenir, professionnel et personnel. Dans un rôle a priori plutôt impitoyable (la petite amie) mais écrit avec soin, Maïwenn apporte une grâce et une détermination bienvenues.

Les à-côtés pompeux de la célébrité, tels que le film les montre, sont plus des sources d’embarras, voire de quiproquos, que de réel plaisir. Teddy Lussi-Modeste les met en scène comme les premiers signes de la fracture qui va définitivement séparer les deux frères. C’est aussi là que Le Prix du succès est le moins convaincant. En caïd des cités trop heureux de s’accrocher aux basques de son cadet, Roschdy Zem fait ce qu’il peut pour faire exister un personnage sans relief, écrasé par des ressorts scénaristiques de plus en plus grossiers qui font basculer le film, dans son dernier quart, dans le thriller grotesque.

Le Prix du succès est plus habile lorsqu’il plonge Brahim dans une fête de famille où l’on se rend compte que toute fratrie comporte son lot de personnalités complexes, tour à tour accueillantes et perfides, généreuses et possessives. On aurait aimé que le film développe un peu plus cette veine étonnante, presque bergmanienne, et ne cède pas aux facilités du drame psychologique qui plombe un peu trop souvent le cinéma français.

ANALYSE

Brahim est un humoriste en pleine ascension. Sa réussite, il la doit à lui-même et à l’amour qu’il porte à Linda. Bon fils, il soutient les siens depuis toujours. Mais pour durer, Brahim doit sacrifier son grand frère, manager incontrôlable. Si l’échec peut coûter cher, Brahim va payer un tribut encore plus lourd au succès.

La célébrité et la gloire qui l’accompagne, bon nombre en rêvent et seraient prêts à bien des concessions pour l’atteindre. Mme de Staël nous a mis en garde La gloire est le deuil éclatant du bonheur affirme-t-elle. Car la reconnaissance perpétuelle et l’adulation publique n’ont rien d’une sinécure !

Voilà ce que tend à nous démontrer ce deuxième film de Teddy Lussi-Modeste, d’autant plus quand cette célébrité s’installe au cœur d’une famille tentaculaire où, par tradition, tout se doit d’être obligatoirement partagé et où chacun ne peut exister autrement qu’en membre indissociable du groupe, toute réussite individuelle étant jugée contre-nature.

Le thème abordé n’est pas sans rappeler le parcours de Jamel Debbouze évoqué dans le documentaire Jamel en vrai en 2002. Mais le réalisateur s’appuie sur sa propre expérience. Issu de la communauté des gens du voyage, il n’a pas oublié la violence qui s’est abattue sur lui dès lors que ses aspirations l’ont incité à entamer une carrière cinématographique. Il y a six ans il avait déjà consacré son premier long-métrage, Jimmy Rivière, aux difficultés rencontrées par un jeune homme appartenant à cette même communauté dont il souhaitait s’affranchir.

Quand le film démarre, Brahim est déjà au sommet de son succès. Tout semble lui sourire : il a de l’argent, il aide les siens, il vit une belle histoire d’amour. Dans la rue, on le reconnaît, on le sollicite et parfois on le harcèle. C’est alors qu’intervient son grand frère qui, à coup de méthodes peu recommandables, remet les opportuns à leur place quitte à écorner quelque peu l’image de la vedette en pleine ascension.

Brahim prépare son deuxième spectacle et a bien conscience qu’il n’a droit à aucune erreur. Il sait qu’il va devoir choisir entre sa famille et sa carrière. D’ailleurs si Mourad considère que c’est à lui que Brahim doit son succès, c’est bien à Linda que Brahim adresse ses remerciements sur scène. La tendresse fraternelle du début va se muer petit à petit en drame filial nourri de fiel, de rancœur et de menaces jusqu’à nous mener aux portes du polar.

La narration nous promène habilement entre la fausse magnificence de la réussite et la mélancolie qu’elle entraîne face à la difficulté de conserver une quelconque authenticité, tout en se préservant de privilégier un choix de vie plutôt qu’un autre. Dans ce film léger et sombre à la fois, le réalisateur le clame haut et fort : les requins les plus dangereux ne nagent pas dans les eaux du show-business mais bien au cœur de la famille.

C’est en effet là que les attentes sont les plus grandes, les rouages les plus pervers. La dégradation de la relation entre les deux frères n’est qu’un prétexte à nous démontrer avec finesse l’incompatibilité universelle entre le strass et les paillettes due à la célébrité et les habitudes quotidiennes pour ne pas dire ancestrales d’une famille modeste. L’avoir installée au sein d’une famille maghrébine où la vie du groupe prévaut sur celle de l’individu et où l’entraide et la solidarité sont obligatoires sous peine de passer pour un traître donne une dimension supplémentaire à ce conflit intérieur.

Le personnage de Linda (brillamment interprétée par Maïwenn auréolée d’une douceur qu’on lui avait encore peu vue au cinéma) se fait l’arbitre de la relation entre Brahim et sa famille. Lucide et forte, elle comprend très vite que Mourad tire son frère vers le bas et qu’il faut l’écarter. En lui présentant Hervé (Grégoire Colin au jeu tout en subtilité) pour booster sa carrière, elle sait qu’elle va créer une scission au sein de la famille dont elle sera la première victime. Si le rôle de Linda est essentiel pour la bonne compréhension du récit, c’est bien sur la totale osmose du duo Brahim (Tahar Rahim)/Mourad (Roschdy Zem) que repose toute l’aura du film.

Si le charisme discret de Tahar Rahim habille d’une intense sensibilité ce personnage d’artiste en proie à des tourments insolubles, Roschdy Zem, casquette vissée sur la tête et chaîne en or autour du cou, se glisse avec une réelle sincérité dans la peau de ce Mourad, plus attachant qu’il n’y paraît, empêtré dans ses failles et ses blessures et dont la violence ne trahit que la frustration de ne pas posséder les bons codes pour parvenir là où il rêve d’aller. On ne regrette pas d’avoir assisté à cet affrontement subtil et habilement mené qui a, en plus, l’élégance de ne laisser sur le terrain ni vaincu, ni vainqueur.

BONNE POMME

Réalisateur : Florence Quentin
Acteurs : Gérard Depardieu, Catherine Deneuve, Chantal Ladesou, Guillaume de Tonquédec
Genre : Comédie
Nationalité : Français
Distributeur : ARP Sélection
Date de sortie : 30 août 2017
Durée : 1h41mn
Festival : Festival d’Angoulême 2017
Festival Francophone du Film d’Angoulême 2017.

Gérard en a marre d’être pris pour une bonne pomme par sa belle-famille. Il quitte tout et part reprendre un garage dans un village niché au fin fond du Gâtinais. En face du garage, il y a une ravissante auberge tenue par Barbara : une femme magnifique, déconcertante, mystérieuse, imprévisible. Leur rencontre fera des étincelles.

Deneuve, Depardieu, de Tonquédec, Ladesou : voilà une affiche qui met l’eau à la bouche. Pourtant, l’aspect bancal de ce quatrième long-métrage de Florence Quentin nous le prouve : il ne suffit pas de rassembler les noms les plus en vue du cinéma français pour faire un bon film. Encore faut-il les nourrir d’un scénario consistant. Et là, on reste sur notre faim.

Dans les années 80 et 90, Florence Quentin participe à l’écriture de plusieurs scénarios avec Etienne Chatilliez, dont celui de La vie est un long fleuve tranquille qui obtient les César du meilleur scénario et du meilleur premier film en 1989, puis poursuit sa collaboration avec Tatie Danielle en 1990 et Le bonheur est dans le pré en 1995. En 2001, elle se lance seule dans l’aventure (J’ai faim !!!) et peine alors à convaincre un public souvent mitigé. Il est fort à parier que Bonne pomme ne changera pas la donne.

Sous prétexte de reconstituer une dixième fois le couple star qui a transformé Le dernier métro de François Truffaut en film culte et fait les beaux jours de Potiche de François Ozon, la réalisatrice s’engouffre dans une comédie prétendument tendre aux nombreuses invraisemblances scénaristiques et aux personnages ô combien caricaturaux.

Même le toujours excellent Guillaume de Tonquédec finit par s’empêtrer dans les circonvolutions ridicules de son personnage moitié maire, moitié curé. On n’échappe pas au cabotinage outrancier d’une Chantal Ladesou usant et abusant de son phrasé mitrailleur. Elle hérite du rôle bien improbable de Mémé Morillon, première mécanicienne de France désormais en chaise roulante (mais qui n’hésite pas à en bondir quand la situation l’exige), de surcroît belle-mère d’un Gérard qui ne semble guère plus jeune qu’elle.

Une réalisation maladroite nous entraîne dans une succession de gags et de situations à l’humour contestable dans lesquelles se glisse notre Gégé national avec la force qu’on lui connaît. « Gérard est un vrai gentil », martèle la réalisatrice. Pour nous en persuader, il aurait été souhaitable de ne pas forcer le trait au point d’en faire un benêt qui semble prendre plaisir à se faire flouer alors que par ailleurs, il affirme s’être réfugié dans ce village du bout du monde pour fuir une femme qui l’a humilié pendant vingt ans. Se laisser embobiner par une Barbara (Catherine Deneuve) peu aimable et aussi peu séductrice ne peut constituer une explication satisfaisante. La fin qui tente une soudaine incursion vers le polar nous confirme l’impression de gâchis qui nous taraude depuis le début.

Ces dernières années, la grande Catherine a judicieusement su caler son image de femme mûre dans des rôles à l’humour et à l’auto-dérision assumés sans porter atteinte à sa réputation glamour et à sa stature de star. Face au malaise distillé par son interprétation d’une Barbara brutale, on s’interroge sur les motivations qui ont bien pu inciter cette comédienne à l’élégance légendaire à se couler dans ce personnage aux frontières de la vulgarité.

Gérard Depardieu, fidèle à lui-même, parvient, grâce à son allure chaloupée de gros bébé et à sa nonchalance coutumière, à envelopper de sympathie -à défaut de crédibilité- ce personnage de gentil naïf même si on l’a connu mieux inspiré dans La tête en friche aux côtés de Gisèle Casadesus. Il n’est d’ailleurs pas le seul à tirer son épingle du jeu. La spontanéité et le naturel de Benjamin Voisin (Thomas, l’assistant de Rico, le garagiste ripoux incarné par Grégoire Ludig) dont c’est la première expérience devant les caméra, éclairent d’une lueur positive ce simulacre de comédie.