On a tous un remake que l’on déteste plus que tout, le genre de renouvellement de saga qui ne respecte guère l’esprit original et le trahit complètement. Les exemples sont si nombreux qu’il serait dur de tous les citer (Pour le fun, « Martyrs », « Old Boy » et « Carrie »). Mais d’un autre côté, il existe des remakes réussis. Ainsi, « The thing » de John Carpenter, un classique de l’horreur et de la science-fiction, n’est autre qu’un remake de « La chose d’un autre monde », film de 1951 réalisé par Christian Nyby et Howard Hawks (film qui apparaît d’ailleurs dans « Halloween, la nuit des masques »). Ainsi, il y a des remakes qui tirent leur épingle du jeu en imposant leur propre touche tout en respectant l’ADN du film refait, comme par exemple les deux « Halloween » de Rob Zombie, cohérents dans sa filmographie tout en étant parmi les meilleurs de la saga. D’où le sujet du jour : le remake de 2013 du cultissime « Evil Dead » par Fede Alvarez.

Mia est une toxicomane emmenée dans une cabane dans la forêt par deux de ses amis, son frère et la copine de celui-ci afin de la sevrer pour lui éviter une nouvelle overdose qui lui serait fatale. Malheureusement, l’un de ses amis a la bonne idée de lire les passages en latin (Bordel, si Fran Kranz l’a dit dans « La cabane dans les bois », c’est qu’il ne faut pas le faire !) d’un livre trouvé à l’intérieur, ce qui va provoquer des événements forts désastreux…

Vendu comme « Le film le plus terrifiant que vous ayez jamais vu », cette version moderne de la saga de Sam Raimi évacue tout ce qui relevait d’humoristique pour se tourner vers la violence frontale de manière sérieuse. Il n’y a rien qui relève de la blague ici, juste du gore chirurgical qui marque. La terreur se joue donc de par cette violence physique (ce qui fonctionne, notamment grâce à des effets spéciaux majoritairement sur plateau) mais aussi par des jumps scares (ce qui fonctionne là moins bien, malgré un ou deux de réussis).

Malgré ce ton fort sérieux, on retrouve de nombreux liens avec la saga. Ainsi, outre quelques clins d’œil (la Oldsmobile qui apparaît  brièvement, la scène de poursuite, les réadaptations de la scène de viol d’arbre ou de l’amputation du bras possédé), l’ambiance des deux premiers films se retrouve présente, que ce soit par un travail de lumière superbe ou certains morceaux de la bande originale, rappelant les passages « horrifiques » qui faisaient le charme des films de Sam Raimi.

Si le travail de relations dans le groupe de personnages aurait mérité d’être plus étoffé, on sent un lien fort et assez touchant entre Mia et son frère qui nous permet un meilleur attachement à ces deux personnages et aux malheurs qui leur arrivent. Impossible aussi de ne pas parler d’un climax apocalyptique et cauchemardesque se déroulant sous une pluie de sang, nouvelle preuve de l’importance de l’hémoglobine dans ce récit.

En bref, si cette nouvelle version d’Evil Dead n’est pas le film d’horreur ultime promis par la promotion, il constitue un spectacle assez divertissant, s’inscrivant pleinement dans la volonté de renouvellement entre chaque opus de la saga et fonctionnant aussi bien en tant que remake de film classique qu’en tant que « simple » film d’horreur.

Que se passerait-il si Adolf Hitler arrivait au vingt et unième siècle? C’est la question que se pose le roman de Timur Vernes en 2011 et par extension, l’adaptation cinématographique de celui-ci, sorti en Allemagne en 2015. Ainsi, le Fürher se réveille dans un parc de Berlin à notre époque. Voyant à quel point l’Allemagne s’est détourné de ses « valeurs », il décide de revenir en politique afin de sauver son pays.

« Il est de retour » (« Er ist wieder da » en langue originale) commence comme une comédie assez boufonne, plus proche du Dictateur de Sacha Baron Cohen que celui de Chaplin voir même, pour rester avec l’acteur anglais, de Borat, avec ses scènes tournées en caméra cachés avec de vraies réactions de passants croyant faire face à un humoriste. Celles-ci sont mélangées à une intrigue évidemment fausse suivant un journaliste qui cherche à aider Adolf en croyant lui aussi faire face à un imposteur. En effet, il est impossible que le dictateur soit revenu d’entre les morts pour propager à nouveau ses idées politiques, n’est ce pas?

Sous ses apparences de comédie parfois lourde (la scène recopiant « La Chute »),  il y a une véritable réflexion sur l’imagerie qu’a pris Hitler et la politique en général. Ainsi, certains sont passés d’une peur de connaître à nouveau la seconde guerre mondiale à une réutilisation à outrance de sa figure à des fins humoristiques (« Kung Fury »par exemple). Les atrocités commises sont assez souvent reléguées de côté, entre négationnistes et « Plus personne ne voterait pour un mec comme Hitler ».

Et là, « Il est de retour » prend des allures terrifiantes. En replaçant les propos d’Adolf Hitler dans notre époque et en les réajustant, on s’étonne à retrouver des similitudes avec des discours populistes (ce mot qui devrait être positif car signifiant à l’écoute du peuple mais devenu péjoratif grâce à certains politiciens extremistes). Dans un final d’un pessimisme rare, le film de David Wnendt nous interroge sur certains politiciens populaires aux discours racistes et intolérants promettant n’importe quoi au peuple pour finir au pouvoir ( #DonaldTrump).

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Au final, s’il n’est pas d’un grand intérêt cinématographique, « Il est de retour » est une bonne comédie, surpassant une bonne partie de la production française dans le domaine ( ce qui n’est pas difficile au vu de certains étrons distribués) et se révèle comme un film grand public n’hésitant pas à pousser à la réflexion politique. Car ,comme nous le rappelle la fin, les germes laissées par le dictateur ne se trouvent pas qu’en Allemagne…

Il est difficile de se lancer dans l’adaptation d’une pièce de William Shakespeare. En effet, les écrits du dramaturge anglais sont tellement reconnus qu’une transposition sur grand écran mérite une attention de tout instant afin de ne pas rebuter des spectateurs en terrain inconnu tout en respectant le matériel originel. De plus, on parle de « Macbeth », ce qui signifie passer après Orson Wells, de quoi compliquer encore plus la tâche du réalisateur Justin Kurzel, révélé en 2011 par « Les crimes de Snowtown ».

Et pourtant, sa version de « Macbeth » est un pur joyau, aussi bien de manière visuelle que narrative. On suit donc Macbeth (interprété par Michael Fassbender), chef des armées écossaises qui vient de sortir victorieux de la guerre qui ravageait son pays. Mais sur son chemin de retour, il croise des sorcières qui vont lui annoncer qu’il finira sur le trône de son pays. Sa compagne et lui vont donc ourdir un complot envers leur roi afin de prendre sa place. Tout cela les rendra fous, jusqu’au point de non retour…

Tout le film baigne dans une ambiance mortuaire, mise en place dès le début avec l’enterrement d’un enfant puis une scène de bataille âpre et crue. Tout au long de l’histoire, la mort accompagne les personnages, tels ces fantômes apparaissant par instant au malheureux Macbeth ou ce brouillard constant, se teintant par instant afin de mieux ressortir les sentiments de ses protagonistes de manière onirique(cf le brouillard orangé du combat final exprimant la rage des adversaires). Ainsi, le récit oscille entre reconstitution réaliste et onirisme macabre, ce qui sied aux écrits de William Shakespeare ici réappropriés par Kurzel.

Les personnages sont portés par une interprétation fiévreuse, que ce soit de la part d’un Michael Fassbender monstrueux en Macbeth ou de Sean Harris en Macduff. Un souffle épique se retrouve aussi lors des batailles, que ce soit dans celle ouvrant le film ou celle le clôturant, finissant dans la mort ce qui a commencé par celle-ci. Un souffle qui sera fort utile au réalisateur dans sa prochaine oeuvre, l’adaptation sur grand écran du jeu vidéo d’Ubisoft « Assassin’s creed » avec la même équipe que pour ce film.

Sombre, cruelle et adulte tel les écrits de Shakespeare, cette version de « Macbeth » s’impose comme une grande oeuvre, de celle qui assoit un réalisateur sur le trône des grands.

Le format du documentaire ainsi que celui de biopic sont assez formatés, même si certains ont osé sortir de cette même structure (notamment l’excellent « Steve Jobs » de Danny Boyle, qui ne se concentre que sur trois jours importants dans la vie du créateur d’Apple). « 20000 days on earth » est donc déjà intéressant en soi par son schéma narratif.

Le documentaire de Jane Pollard et Iain Forsyth suit ainsi Nick Cave,chanteur de « Nick Cave and the bad seeds », durant sa 20 000ème journée de son existence. De quoi plonger dans l’intimité d’une personnalité passionnante au gré de son quotidien.

Le projet aurait pu passer pour égocentrique avec comme unique but de mettre en avant le chanteur. Mais même si on sent une certaine forme de mise en scène où l’on sent le mysticisme qui entoure Nick Cave,l’essentiel de « 20000days on earth » effeuille le personnage, se dévoilant aussi bien lors d’une séance chez un psychologue que dans des trajets en voiture où se déroulent des dialogues avec Ray Winstone et Kylie Minogue qui dévoilent plus sur la psyché du personnage ou dans une salle d’archives où l’on retrouve des fragments de passé du chanteur éveillant chez lui nombreux souvenirs.

Ainsi, nous nous laissons emporter tout au long du film par les réflexions de Nick Cave sur son statut d’artiste, sur son passé et le monde en général au fur et à mesure d’anecdotes et de dialogues passionnants. Ainsi, au contraire de ces biopics cherchant à nous dévoiler l’histoire de leurs personnages en passant toute leur vie en deux heure, « 20000 days on earth » part de son point de départ (une journée normale) pour aborder divers angles de son protagoniste de manière simple et passionnante.

Si vous êtes fan du chanteur, foncez sur « 20000 days on earth ». Si vous êtes passionné(e) de musique en général, foncez. Et même si vous ne vous sentez pas touché par ce qu’aborde le film, foncez quand même car « 20000 days on earth » est une expérience qui mérite d’être tentée.

Il fut un temps où le cinéma d’aventure était prisé au cinéma. Le meilleur exemple n’est autre que la saga Indiana Jones, trilogie splendide et divertissante qui a marqué plusieurs générations, avant de tenter un come back passablement raté avec le quatrième volet sorti en 2008. Il n’est donc pas étonnant que ce soit le créateur de cette saga, monsieur Steven Spielberg, qui ait tenté de réveiller un genre assez délaissé et ce par l’adaptation des aventures dessinées de Tintin sur grand écran. Bien que ce ne soit pas ses premières aventures dans un format cinématographique (« Tintin et le mystère de la toison d’or » en 1962 et »Tintin et les oranges bleues » en 1965 tournés en prises réelles et « Tintin et le lac aux requins » en animation en 1972, entre autres), cette transposition gagne en intérêt en sachant que ce sont deux grands fans et réalisateurs reconnus qui sont derrière cette aventure : Steven Spielberg donc mais aussi Peter Jackson, qui doit se charger normalement d’une éventuelle suite du célèbre reporter.

Le film qui nous intéresse ici reprend plusieurs bandes dessinées d’Hergé et raconte comment Tintin (incarné par Jamie Bell) part à la recherche du secret de la Licorne, un bateau du XVIIème siècle dont il a acquis une maquette qui attire bien des convoitises. Il devra faire face au professeur Sakharine (Daniel Craig) avec l’aide de son futur ami, le capitaine Archibald Haddock (Andy Serkis) afin de découvrir les mystères que recèle ce fameux paquebot…

Tourné en motion capture, « Le secret de la Licorne » essaie de transposer de manière « réaliste » les personnages dessinés naguère par Georges Remi. Ainsi, après un générique animé de plus bel effet, la première séquence est un hommage au fameux dessinateur et montre les intentions du réalisateur de « Rencontres du troisième type » : se réapproprier Tintin et ses compagnons de manière respectueuse (beaucoup de références aux diverses aventures dessinées sont faites, notamment dans le bureau du jeune reporter)  tout en marquant de sa patte son film (on peut sentir de nombreuses réminiscences aux aventures d’un certain professeur d’archéologie…).

Il y a aussi une manière pour Spielberg de s’affranchir par cette technique de tournage des contraintes physiques, particulièrement dans un plan séquence de génie lors d’une poursuite à Bagghar, où s’accumulent personnages et « rebondissements » à un point atteignant le jamais vu et affectant légèrement un climax bien moins marquant. Ainsi, on sent le plaisir que prend le réalisateur avec sa mise en scène, notamment une scène alternant hallucination et réalité où le Capitaine Haddock révèle le passé de la Licorne tout en revivant les aventures de son ancêtre, un aïeul tellement réputé que les membres de sa famille ne sauront jamais atteindre le niveau et les pousseront tous au même désespoir,dont l’amour de l’alcool que porte le capitaine. Et même si l’on se pose question sur l’utilité et « l’humour » de la scène où Haddock « rote » dans un moteur d’avion pour le faire redémarrer, le travail d’écriture du trio magique Edgar »Hot Fuzz » Wright, Steven »Doctor Who » Moffat et Joe »Attack the block » Cornish arrive à rendre justice à l’oeuvre d’Hergé tout en permettant à un certain public de le découvrir (essentiellement pour une audience américaine ne connaissant que très peu la bande dessinée, ce qui expliquera l’échec dans ce pays, contrebalancé par un certain succès dans le reste du monde).

Au final, « Le secret de la Licorne » est respectueux de l’oeuvre originale,fournit un spectacle divertissant pour toute la famille et prouve une nouvelle fois que Steven Spielberg est et restera un réalisateur de renom. Bref, n’hésitez sous aucun prétexte,mille milliards de mille sabords!

Pauvre, pauvre Ash… A peine a t-il réussi à survivre aux créatures qu’il a malencontreusement libéré qu’il se retrouve coincé en l’an 1300. Pour pouvoir rentrer à son époque, il devra prouver sa bravoure au roi Arthur et récupérer le Nécronomicon ex mortis, le tout en causant le moins de dégâts possibles sur son chemin…

La saga « Evil Dead » est en soi assez particulière car elle évolue au fil de chacun de ses volets pour donner des oeuvres à l’adn semblable mais différentes dans leur façon d’être. Ainsi, si le premier « Evil Dead » se voulait sérieux mais devint drôle dans son outrance, sa suite/remake » Evil Dead 2″ embrase son humour cartoonesque pour virer vers le gore potache et en allant plus loin dans sa mise en scène déjà remarquable (la poursuite de Ash par le démon dans la cabane en est un parfait exemple). Pour cette « Armée des ténèbres », « Evil Dead 3 » continue dans sa volonté humoristique en abordant le thème de la quête chevaleresque.

Empli de gags en tout genres transformant notre héros en punching ball humain, « Evil Dead3 » prolonge sa veine comique mais limite son gore à quelques saillies afin de mieux aborder son histoire dans le domaine de l’aventure presque familiale. On sent un profond amour de Raimi dans ces récits de chevaliers ainsi que dans le stop motion à la Ray Harryhausen (ce qui était aussi le cas dans « Evil dead 2 »).

Constituant encore un bricolage tels ses oeuvres précédentes au vu d’un budget trop limité pour son imagination débordante, « L’armée des ténèbres » accumule les scènes cultes et hilarantes (le « boomstick », l’affrontement de Ash et de ses clones de petites tailles, sa lutte contre le Evil Ash) tout en permettant à Raimi de faire un spectacle pouvant toucher un public que le gore des deux volets précédents pourrait repousser. Il réarrange ainsi sa saga pour apporter une touche « mythologique » tout en gardant ce qui faisait le charme des mésaventures de notre héros maladroit.Cette maladresse légendaire  est accentuée par une fin alternative préférée par son créateur qui l’abandonnera néanmoins dès la conception de l’assez bonne série « Ash vs Evil Dead » pour lui préférer son final d’origine.

Bref, si certains effets spéciaux ont légèrement vieillis, cela n’empêche pas « L’armée des ténèbres » d’être, comme tout les volets d’Evil Dead (remake sérieux compris), hautement recommandable. Il n’y a qu’un mot pour résumer tout cela: Groovy…

Jimbo Farrar travaille à la fondation Killian afin de chercher de futurs jeunes génies . Un jour, il découvre cinq jeunes partageant avec lui une intelligence rare et des capacités hors normes. Ceux-ci vont malheureusement se faire agresser à Central Park, ce qui exacerbera leur soif de vengeance déjà forte envers le monde. Est-ce que Jimbo saura les arrêter ou finira t-il par se joindre à leur cause ?

Adaptation en image de synthèse du roman de Bernard Lentéric « La nuit des enfants rois », « The prodigies » est l’exemple type de l’adaptation reprenant l’esprit de son oeuvre originale tout en la trahissant de multiples manières. On passe donc de petits génies à un récit proche d’une certaine manière à Furie, Akira ainsi que tout ces récits où de jeunes personnes se trouvent douées de capacités extra ordinaires aux conséquences violentes.

D’abord utilisé pour « adoucir » le contenu du livre, la technique de motion capture permet aussi au récit de s’affranchir de la physique au moment même où l’esprit des protagonistes s’affranchit de la réalité (justifiant aussi une utilisation de la 3D qui se trouve poussée dans ces instants tout en permettant d’approfondir le champ spatial). Les graphismes se trouvent par moments épurés et à d’autres assez réalistes, si l’on excepte des personnages néanmoins bien animés.

Comprenant des scènes relativement choquantes pour un jeune public (la mort des parents de Jimbo,le viol d’un personnage, le sort réservé à ses agresseurs), le film regorge d’une certaine brutalité qui aurait mérité néanmoins d’être plus exacerbée. Peut-être est-ce dû à la volonté de toucher un public plus jeune et plus large (notamment en adoptant un nom américanisant). Le récit reste solide et si l’on pourrait peut être reprocher l’inutilité de certains personnages, le parcours émotionnel traversé par certains est intéressant, tout en critiquant légèrement le concept des jeux télévisés.

Si à l’époque, « The prodigies » a été un échec commercial, il mérite largement d’être réhabilité au vu de son travail de mise en scène, l’effort mené sur l’animation et une volonté de fournir aux jeunes spectateurs un spectacle à la fois divertissant et dur tout en prônant une confiance envers le monde et le futur. Impossible de dire lequel du roman ou du film est le meilleur tant leurs récits divergent dans des horizons différents malgré une base identique mais les deux constituent des oeuvres jeunesses fortes qui osent faire preuve de confiance envers leur intellect, à l’opposé de beaucoup de films leur étant destiné sortis ces dernières années…

Imaginez-vous en train de préparer un plat. Vous décidez de cuisiner quelque chose d’original mais prometteur. Vous décidez donc de prendre deux ingrédients assez opposés l’un à l’autre mais que vous appréciez grandement. Vous les mélangez puis vous décidez de goûter le résultat. Résultat : Amer (non, je ne parle pas du film d’Hélène Cattet et Bruno Forzani) avec un arrière-goût intéressant mais pas assez fort pour compenser l’échec de votre plat. Cette allégorie correspond tout à fait à « Freddy contre Jason ».

Freddy Krueger ne peut plus agir dans le monde réel car les jeunes l’ont oublié. Il décide donc de faire revenir à la vie Jason Voorhees pour commettre des meurtres et rappeler aux adolescents du quartier son existence. Malheureusement pour lui, alors qu’il revient en service, Jason se met à le précéder dans l’équarissage de jeunes abrutis, ce qui va mener à une lutte entre ces deux monstres sacrés du cinéma fantastique.

Annoncé par le plan final de « Jason va en enfer » (si vous n’avez pas vu celui-ci, RATTRAPEZ VOTRE ERREUR TOUT DE SUITE !), la réunion de  Freddy Krueger et Jason Voorhees relevait autant de l’idée de génie que du projet à problèmes. Certes, voir s’affronter deux monstres célèbres dans le domaine horrifique donne envie mais de l’autre côté, ceux-ci sont totalement opposés avec d’un côté, un croquemitaine bavard et vanneur, prompt à rire de ses victimes et de l’autre, un tueur muet et implacable ne prêtant que peu d’intérêt à la manière tant que l’efficacité y est. Les réunir dans un même film avait quand même quelques aléas. Mais qu’importe, tant qu’on a un duel s’annonçant graphique et pop cornesque à souhait.

Mauvaise pioche : nous passerons une plus grosse partie du temps avec des personnages têtes à claques et mal écrits. L’idée aurait pu être intéressante si plus de soin avait été apportée aux protagonistes mais quelle est l’utilité de rester avec des stéréotypes ambulants ? Autant apporter de l’intérêt à ses héros, même si leur unique but n’est que de finir en chair à pâté, si c’est pour passer l’essentiel du film en leur compagnie. Tout y passe entre l’héroïne au passé « douloureux », son amour de jeunesse « mystérieux », l’amie confiante, le drogué de service et le type amoureux dont tout le monde se fout. Nous sommes plongés au milieu d’un concours pour déterminer qui est le plus fade et les résultats sont serrés. Tout cela relève donc de la perte de temps, surtout avec un récit balisé à souhait fourré aux scènes débiles (L’amie qui critique Freddy sur la taille de ses griffes…)

En ce qui concerne nos deux méchants de service, nous sommes moins dans un « Freddy contre Jason » qu’un « Freddy featuring Jason ». Le meurtrier de Crystal Lake est souvent mis de côté, servant plus d’acolyte qu’autre chose au croque mitaine d’Elm Street. Tout le film semble tourner autour de Freddy, se moquant souvent de son compagnon de meurtre, pantin au service d’un récit centré sur la figure crée par le regretté Wes Craven. Rapide comparaison avec les ignobles « Alien Vs Predator » : bien que d’une qualité exécrable, ceux-ci équilibraient au moins la présence des deux extra-terrestres. Rien de tel ici : Jason n’est qu’un jouet utile quand le scénario le demande, au point de devenir vers la fin un anti héros de service.

Est-ce que la catastrophe est complète ? Pas entièrement. En effet, les meurtres qui essaiment le récit relèvent l’intérêt de tout spectateur en quête d’hémoglobine. On peut même apprécier la lutte finale entre les deux personnages, assez plaisante même si n’atteignant que rarement le potentiel épique qui devrait advenir de l’union de ces deux monstres sacrés du cinéma d’horreur.

Pour revenir à notre début d’article, ce qu’il aurait convenu pour réussir la recette aurait été un meilleur dosage des ingrédients principaux et peut être aller plus dans l’originalité en rajoutant quelques épices afin de rehausser le plat. Au final, « Freddy contre Jason » laisse un goût bien amer et relève plus du film de fond pour une soirée bière-pizza entre potes qu’en divertissement gore de qualité.