BORG/MCENROE

Enfin une rivalité épique sur le milieu tennistique au cinéma. Le film fait aisément le break grâce à une réalisation efficace retranscrivant parfaitement les esprits torturés de deux grands champions entièrement dévoués à leur sport.

Réalisation : Janus Metz
Scénario : Ronnie Sandahl
Image : Niels Thastum
Production : Tre Vänner Produktion AB, SF Studios
Interprétation : Sverrir Guðnason (Björn Borg), Shia LaBeouf (John McEnroe), Stellan Skarsgård (Lennart Bergelin), Tuva Novotny (Mariana Simionescu), Ian Blackman (John McEnroe Sr), Robert Emms (Vitas Gerulaitis), Scott Arthur (Peter Fleming)…
Distributeur : Pretty Pictures
Date de sortie : 8 novembre 2017
Durée : 1h48

Un film sur l’une des plus grandes icônes du monde sportif, Björn Borg, et son principal rival, le jeune et talentueux John McEnroe, ainsi que sur leur duel légendaire durant le tournoi de Wimbledon de 1980. C’est l’histoire de deux hommes qui ont changé la face du tennis et sont entrés dans la légende, mais aussi du prix qu’ils ont dû payer.

Le monde du tennis est en effervescence dans les salles obscures en 2017, avec Battle of the sexes et une autre histoire vraie sur un duel culte de la balle jaune, entre Björn Borg et McEnroe. Les spécialistes attendaient avec impatience l’arrivée au cinéma de cette rivalité passionnante des années 80 entre le Suédois et l’Américain revèche. Le réalisateur Janus Metz a exaucé ce vœu en signant son second long métrage, sept ans après Armadillo qui lui avait valu le Grand Prix de la Semaine de la Critique à Cannes.

Le récit se concentre ici sur la finale de Wimbledon 1980 qui marque un point de césure crucial dans la carrière des deux hommes. La montée en puissance du jeune prodige McEnroe face à la fin d’un règne sans partage sur le tennis mondial du champion suédois, en proie à des doutes grandissants. Le réalisateur arrive à saisir toute la dimension psychologique de cette bataille de pouvoir entre les deux protagonistes. Les plans, souvent très serrés sur les personnages, permettent une immersion totale dans la complexité émotionnelle à laquelle sont confrontés les deux joueurs ainsi que leurs proches.

Le spectateur peut aisément se rendre compte des sacrifices d’une vie qu’un champion se doit de concéder pour atteindre le plus haut niveau. Le moins que l’on puisse dire est que les deux athlètes ne sont pas avares en ambitions, tous deux rongés par le besoin de victoires, par la peur maladive de la défaite, tout en ayant deux styles radicalement opposés pour ce qui est d’exorciser leurs démons.

Metz s’emploie, avec finesse, à démontrer les travers d’athlètes qu’il faut apprendre à gérer, avec l’art et la manière. Quelques flashbacks sur leur enfance révèlent alors les failles mais surtout les raisons qui les pousseront à devenir les deux géants que l’on connaît. Un choc des cultures et d’éducation qui va nous mener à savourer la collision entre la froideur nordiste issue d’une famille modeste et la fougue d’outre-Atlantique, venant de la haute bourgeoisie. Une évolution inversée que l’on va suivre tout au long du film jusqu’à cet affrontement ultime, en 1980, en terre britannique, qui va changer à tout jamais leurs destins.

Ce match épique, censé conclure en apothéose le récit, peut toutefois donner la migraine, par son incroyable succession de plans, peut-être trop nombreux, et ses images pas toujours très réalistes, en particulier pour les aficionados de tennis. Il est vrai qu’il est très compliqué de faire vivre de manière optimale un match de tennis aussi intense lorsque les acteurs ne jouent pas eux-mêmes à ce sport. Il est alors indispensable d’user de stratagèmes parfois un peu poussifs pour arriver à atteindre le plus grand réalisme. Cependant ce léger bémol ne suffit pas à nous faire décrocher tant l’intensité du film demeure jusqu’à la fin.

Tout ceci ne serait pas possible sans le travail remarquable des acteurs. Sverrir Gudnason est troublant dans son interprétation acerbe du suédois, alors que Shia Labeouf joue à la perfection les différentes facettes de l’extravagant américain. En ce qui concerne les seconds rôles, Stellan Skarsgård bouleverse en mentor bienveillant et Tuva Novotny est touchante en femme discrète du guerrier impassible venu du nord. La distribution arrive à transmettre les émotions contradictoires que le metteur en scène veut avancer autour de cet univers impitoyable qu’est le sport individuel de haut niveau.

Sous ses allures de biopic passe-partout sur la vie de deux figures emblématiques des années 80, ce regard sportif va puiser dans la psychologie de ses personnages toute la force de son propos. La passion d’une vie mêlée à la quête effrénée du succès, tout en passant par le besoin d’accomplissement de soi. Jeu, set et match pour cette fresque tennistique captivante dont le sujet reste peu exploité au cinéma. À quand un film Federer/Nadal ?

8,5/10

L’ANALYSE

En 1980, le tennis est roi et Wimbledon est le royaume où le Suédois Björn Borg règne sans partage. À seulement 24 ans, le joueur a déjà remporté le tournoi sur gazon à quatre reprises (en plus de ses cinq victoires à Roland-Garros) et s’apprête à remettre son titre en jeu une cinquième fois.

Rien ne semble pouvoir arrêter le jeune athlète, aussi discret et impassible que ses fans (essentiellement féminines) sont hystériques à chacune de ses apparitions. Adulé par les médias, Borg est le Yin et l’Américain John McEnroe est le Yang. On ne peut pas faire plus opposé que ces deux-là, tant dans le jeu que dans l’attitude. McEnroe, 21 ans, est l’étoile montante du tennis, celui que le monde entier adore détester.

Impulsif, colérique, arrogant, incontrôlable, McEnroe joue comme un dieu mais ses frasques sur les courts (il insulte copieusement à chacun de ses matchs les arbitres et le public) en font une personnalité controversée. Si Borg bénéficie d’un traitement de rock-star partout où il se déplace, McEnroe en a l’attitude. Et l’assurance effrontée : avant même le début du tournoi, il décrète qu’il renversera Borg de son trône, et les médias, trop heureux d’entretenir une juteuse querelle de champions, se délectent de rajouter de l’huile sur le feu.

La finale de Wimbledon 1980 verra effectivement s’affronter les deux joueurs, pour ce qui restera comme l’une des rencontres sportives les plus mythiques de l’histoire. Le réalisateur suédois Janus Metz tire de ce match (et des semaines qui le précèdent) un film rondement mené, qui parvient à captiver et à maintenir de bout en bout une vraie tension, même si l’on en connaît l’issue.

Le chemin pour y parvenir est parfois cousu de fil blanc : on se serait bien passé des nombreux flash-backs sur l’enfance des deux joueurs, visant à expliquer via un cheminement par trop simpliste leurs caractères respectifs – Borg le psycho-rigide a appris à canaliser son tempérament colérique et McEnroe le vilain petit canard a souffert de l’insatisfaction chronique de ses parents à son égard.

Et il faut faire abstraction de certains parti-pris esthétiques (tons sépias pour faire vintage comme si le film entier se déroulait en une succession de clichés sur Instagram, fausses images Super-8 pour la touche « souvenirs d’enfance »…) afin de se concentrer sur l’étonnante relation qui unit ces deux joueurs farouchement opposés, que le cinéaste prend soin de ne jamais confronter avant le fameux match final.

Car si Borg est le « héros » de ce film suédois qui prend fait et cause pour la fierté nationale, Janus Metz parvient à déconstruire un peu le double mythe qui consiste grossièrement à faire du Suédois un maître zen et de l’Américain un petit con arrogant (les deux acteurs, au-delà du génie du casting, sont parfaits dans leurs rôles respectifs).

Le calme apparent de Borg est ici présenté comme un écran de fumée visant à dissimuler une angoisse pathologique dont son entourage fait les frais, de sa future épouse à son entraîneur. Borg ne crie pas, ne gesticule pas, mais son comportement est tout aussi éprouvant pour ses proches que la fureur inoxydable de son concurrent. Lequel, même s’il aurait mérité ici d’être un peu plus développé, n’est pas réduit à une grossière caricature.

John McEnroe canalise son stress dans des accès de colère qui, s’ils sont souvent inexcusables, trouvent aussi leur source dans une pression insoutenable, qu’elle vienne de son entourage ou surtout des médias, qui préfèrent lui parler de son tempérament ou de son rival que de son jeu.

Le film est ainsi entièrement construit autour de la dualité de son titre, les deux joueurs étant les deux visages de ce qui pourrait en somme être le prototype du tennisman parfait, jusque dans leurs jeux radicalement opposés qui complètent la schizophrénie de l’un et l’autre : Borg le calme tape la balle en fond de court comme un bûcheron abat un arbre, quand le tennis de McEnroe le bourrin monte au filet avec finesse et agilité.

Le film est aussi très beau quand il sous-tend ce que nous savons déjà : qu’au-delà l’issue de ce match historique et de celui qui suivra en 1981, ces deux joueurs que tout oppose, rivaux absolus sur les courts pendant une brève et belle période de l’histoire du sport qui les fera rentrer dans la légende, les deux hommes deviendront par la suite des amis très proches tout au long de leur vie.

Janus Metz s’en rappelle tout au long de la scène de la finale, qui occupe le dernier tiers du film : d’une efficacité redoutable par son montage (que l’on en connaisse ou pas l’issue, le suspense est insoutenable), la scène parvient aussi à montrer, avec subtilité, ce qui se joue pour chacun des deux joueurs : le dépassement de soi pour entrer dans l’histoire du sport (pour Borg), la capacité à transformer son jeu et même sa propre image en un seul match (McEnroe) et, au-delà, la naissance d’une amitié indéfectible entre les deux hommes, ce jour-là, sur le court, sous les yeux du monde entier.

Le réalisateur imagine par la suite une scène de rencontre entre les deux joueurs à l’aéroport, drôle et émouvante, mais finalement inutile : tout s’est joué sur le gazon de Wimbledon, tant pour la légende du sport que pour ces deux personnalités que tout opposait et qui auront trouvé ce jour-là, à rebours de la rivalité entretenue par les médias, une étonnante complicité.

8,5/10

LA MONTAGNE ENTRE NOUS

Vingt ans après Titanic, Kate Winslet se heurte de nouveau à la glace dans un drame saisissant.

Réalisation : Hany Abu-Assad
Scénario : Chris Weitz, J. Mills Goodloe
d’après : le roman The Mountain Between Us
de : Charles Martin
Production : Fox 2000 Pictures, Chernin Entertainment
Interprétation : Kate Winslet (Alex Martin), Idris Elba (Ben Bass), Beau Bridges (Walter), Dermot Mulroney (Mark), Linda Sorensen (Pamela)…
Distributeur : Twentieth Century Fox France
Date de sortie : 8 novembre 2017
Durée : 1h47

Livrés à eux-mêmes après le crash de leur avion en pleine montagne, deux étrangers doivent compter l’un sur l’autre pour faire face aux conditions extrêmes. Réalisant qu’ils n’ont aucun espoir d’être secourus, ils tentent leur chance à travers des centaines de kilomètres de nature hostile, acceptant que ce n’est qu’ensemble qu’ils pourront trouver le courage de tenter de survivre.

Un homme, une femme, un chien sont dans un avion… Soudainement, un crash en haute altitude…
Adapté du roman du même titre, écrit par Charles Martin, dont il s’agit de la première publication en France, La Montagne entre nous appartient aux grandes épopées rocheuses, aux paysages époustouflants.

Tournée au Canada, dans des conditions réelles, cette tragédie humaine, bien plus qu’un film catastrophe, cherche surtout à mettre en lumière l’instinct de survie prodigieux dont est capable l’homme, devant puiser dans ses insoupçonnables ressources, lorsqu’il se retrouve seul face à la toute-puissance de la nature.

En s’appuyant sur un casting de choix, le film fait le pari de s’appuyer sur ses deux protagonistes, rescapés contraints à ne jamais relâcher leurs efforts ni leur attention s’ils ne veulent pas périr dans la minute.

L’environnement montagneux, hostile et immersif par essence, ne cesse en effet de rappeler à ses hôtes leur inadaptation face à ses éléments : bêtes sauvages, sols gelés, blizzard ou précipices dissimulés par des congèles font ainsi partie des épreuves quotidiennes auxquelles sont confrontés les personnages valeureusement incarnés par Idris Elba et Kate Winslet.

Le réalisme des situations, des décors et les prises de vue participent à faire du projet l’un des plus intéressants quand il s’agit d’aborder le thème de l’instinct de survie au cinéma, car celui-ci est débarrassé de tout emballage mélodramatique.

Au placard donc la musique larmoyante, les retournements de situation improbables, le hasard qui permettrait aux survivants de s’en sortir avec facilité… Se détournant volontairement des codes hollywoodiens, le réalisateur Hany Abu-Assad, que l’on connaissait jusqu’à présent pour ses oeuvres palestiniennes (Paradise now, Omar, Le chanteur de Gaza), répond au drame avec sa sensibilité de cinéaste du réel, et réfute les éléments farfelus qui gâcheraient une belle leçon d’humanité en haute altitude.

Pour cela, bien entendu, le duo d’acteurs vedettes a dû accepter de souffrir. Beaucoup. A l’image d’un Léonardo DiCaprio au plus proche de sa nature primitive dans The Revenant, Kate Winslet et Idris Elba ont vécu un tournage des plus éprouvants, pour accentuer la crédibilité d’un synopsis simple mais efficace. Ils sont épatants.

A priori, leur récit ne se distingue pas des autres survivals neigeux qui prennent comme point de départ un accident malheureux en terre hostile (Frozen, Le territoire des loups). Néanmoins La Montagne entre Nous tire son épingle de la neige précisément par son humanité et la chaleur qui se dégage de ses protagonistes dans l’épreuve. Kate Winslet et Idris Elba se montrent d’une sincérité à toute épreuve, se mettant à nu quant à leurs sentiments vertigineux face à cette épreuve mortelle.

Entre film d’aventure exaltant et histoire d’amour digne, avec néanmoins une touche d’humour bienvenu, ce drame s’appuie surtout sur un incroyable dépaysement, au sein de paysages somptueux et authentiques. La vérité qui se dégage de la nature, la sincérité avec laquelle les personnages se rapprochent pour survivre ensemble…, tout cela exalte des valeurs nobles que l’on a rarement vues aussi bien exposées au cinéma.

Sans tambour ni trompette, La Montagne entre nous s’inscrit parmi les grands et beaux divertissements, honnête avec son public dans son traitement non-mélodramatique, renvoyant aux rêves et peurs enfantines, comme ceux d’une aventure par-delà les montagnes aussi fascinante que dangereuse.

Reste à vous recommander de vous méfier si, un jour, vous embarquiez sur un navire ou à bord d’un avion, en compagnie d’une certaine actrice britannique. Vous seriez peut-être plus en sécurité au cinéma…

L’ANALYSE :

Ben et Alex n’auraient jamais dû se rencontrer. Coincés dans un aéroport du centre des États-Unis à cause d’une tempête de neige au cœur des Rocheuses, ils sont dans l’impossibilité d’atteindre leurs destinations respectives : elle doit rejoindre son fiancé pour son propre mariage qui a lieu le lendemain, lui doit opérer de toute urgence un de ses patients.

Sur un coup de tête, alors qu’elle vient tout juste de le croiser dans le hall, Alex propose à Ben d’embarquer à bord d’un coucou qui leur permettra de prendre un vol depuis un autre aéroport.

Sauf que rien ne se passe évidemment comme prévu et qu’ils s’écrasent sur un versant de montagne : sortis miraculeusement de cet accident et alors qu’ils n’ont prévenu personne susceptible d’envoyer des secours, nos deux protagonistes vont devoir redoubler de courage et d’inventivité pour espérer survivre dans cet environnement glacé et très hostile.

Mais qu’on ne s’y méprenne pas : si La Montagne entre nous passe rapidement du film-catastrophe (grâce à une courte scène de crash aussi ténue qu’efficace) au genre désormais bien connu du survival, le premier long-métrage américain à sortir sur nos écrans du réalisateur israélo-palestinien Hany Abu-Assad (Paradise Now) n’est en fait rien d’autre qu’une comédie romantique déguisée en film d’aventure.

Respectant scrupuleusement le cahier des charges inhérent au genre, le récit se hasarde très peu en-dehors des conventions.

Nous avons donc deux personnages que tout oppose jusque dans leur caractère (elle est photographe professionnelle : elle est forcément dans l’instinct et les émotions ; il est chirurgien : il est donc rationnel et dans le contrôle), que rien ne prédisposait à se rencontrer (une mauvaise circonstance finit par les rapprocher) et que tout oblige désormais à devoir cohabiter (se sortir vivant de cette épreuve passe par une solidarité sans faille).

Comme en plus, les deux personnages sont joués par Idris Elba et Kate Winslet au capital sympathie indéniable, on comprend rapidement que le seul suspense du film se limitera à savoir s’ils finiront ou pas par s’embrasser.

Avec une efficacité dramatique qui, à défaut d’être originale, fonctionne plutôt bien, la mise en scène offre une succession de tableaux au cours desquels Ben et Alex devront déployer des efforts surhumains pour se sortir des situations dans lesquelles ils se sont mis.

Avec une certaine application, le film joue aux montagnes russes avec leurs émotions : des animaux féroces aux chutes imprévisibles, les deux protagonistes sont constamment ramenés à leur absence de perspective et la promesse d’une mort prochaine. Jouant habilement des paysages et des profondeurs de champ, la caméra parvient à donner une dimension anxiogène à la beauté des montagnes enneigées.

Mais le systématisme avec lequel le récit pose un enjeu pour le résoudre en quelques minutes trahit le manque de vision du cinéaste qui ne voit dans le calvaire de ses deux héros qu’une opportunité pour créer par à-coups leur rapprochement sentimental.

Handicapé par quelques facilités (les ellipses un peu trop vite expédiées qui étirent anormalement le temps du récit) et quelques incohérences (la barbe d’Idris Elba reste impeccable du début à la fin pour ne pas entamer son capital séduction), La Montagne entre nous se fourvoie même par moments dans un sentimentalisme bas de gamme (les flashbacks sirupeux, le discours un peu puritain surplombant qui ne met jamais en faute les deux personnages) alors que l’enjeu initial et le savoir-faire de Hany Abu-Assad à appréhender les espaces auraient pu suffire à faire du film une aventure épique.

C’est d’autant plus dommage qu’on sent le réalisateur tenté de s’affranchir par moments des règles qui lui sont imposées, entre les champs-contrechamps parfois inattendus et les dialogues ciselés qui injectent un peu d’ironie à cette histoire cousue de fil blanc.

Le résultat, loin d’être honteux, peut s’avérer plaisant par endroits : mais son manque d’audace fait de La Montagne entre nous un produit totalement anecdotique taillé sur-mesure pour ses deux acteurs.

7,5/10

JALOUSE

Un portrait tout en délicatesse sublimé par une Karin Viard au sommet de son art.

Réalisation : David Foenkinos, Stéphane Foenkinos
Scénario : David Foenkinos, Stéphane Foenkinos
Interprétation : Karine Viard (Nathalie), Anne Dorval (Sophie), Thibault de Montalembert (Jean-Pierre), Anaïs Demoustier (Mélanie), Dara Tombroff (Mathilde), Bruno Todeschini (Sébastien), Marie-Julie Baup (Isabelle), Corentin Fila (Félix)
Distributeur : StudioCanal
Date de sortie : 8 novembre 2017
Durée : 1h42

Six ans après La délicatesse, les frères Foenkinos dressent avec la finesse qui les caractérise un nouveau portrait de femme. Ils s’attaquent cette fois à la jalousie, ce sentiment d’exclusivité qui ne supporte pas le partage selon la définition du dictionnaire.

Au-delà d’être dévorée par la jalousie, Nathalie est en proie à un mal-être général, renforcé par la crise de la cinquantaine. On pourrait tout simplement la ranger dans la catégorie des « méchantes » et en rester là. Mais tout le talent des réalisateurs consiste à nous décrire un personnage complexe aux mille facettes pour lequel on finit par se prendre d’affection.

Nathalie ressent comme une agression le bonheur et la réussite des autres. L’éclosion de la beauté et de la jeunesse de sa fille lui devient insupportable à un moment où elle a le sentiment que sa vie à elle décline. De plus, alors qu’elles ont toujours été très proches, Mathilde préfère désormais sortir avec ses copains, creusant chez sa mère, femme forte et dominatrice, un sentiment d’abandon. Sans aucune gêne, elle étendra son aigreur à son entourage le plus proche.

C’est ainsi qu’elle fait remarquer à l’une de ses amies, tel un constat dont elle ne mesure pas la cruauté, combien elle a de la chance d’avoir une fille au physique ingrat. Son milieu professionnel n’échappera pas non plus à ses remarques acerbes et les scènes avec Anaïs Demoustier pétillante en jeune professeure bien déterminée à apporter des idées nouvelles au sein de l’établissement où elles exercent et se confrontent, constituent quelques uns des moments les plus vifs et les plus drôles du film. Installant un vent de suspense propre à soutenir allègrement le rythme, le récit dépeint d’abord des crises légères, puis un comportement de plus en plus imprévisible qui atteint un degré croissant de violence.

Doter ce personnage sans demi-mesure d’une redoutable inventivité face à des choix et des situations qui lui échappent la rend totalement humaine et drôle. Lui permettre de s’en prendre avec une mauvaise foi évidente à des personnes sympathiques crée une belle complicité avec le spectateur et renforce l’authenticité du personnage.

Bien sûr, le trait semble parfois poussé à la limite de l’indécence mais en privilégiant toujours un ton naturel sans emphase ni jugement, naviguant élégamment entre drame et comédie, la narration conserve un juste équilibre grâce à des situations risibles alternant avec d’autres plus graves.

Si le scénario bien écrit nous entraîne sans difficulté dans le sillage de cette despote déstabilisante et auto-destructrice néanmoins attachante, le casting sur mesure n’est pas étranger à la vivacité de ce tableau finement ciselé, à commencer par Karin Viard grâce à qui on aime l’héroïne, malgré tout. La palette de son jeu est si variée qu’elle passe avec une aisance désarmante d’une émotion à une autre à l’intérieur d’une même scène.

Soucieuse de ne jamais entraîner son personnage dans des outrances ridicules ou néfastes, elle le nourrit de mille nuances de manière à l’adoucir. Le spectateur adhère à son interprétation au point de supporter sans sourciller toutes les turpitudes dont elle peut se rendre coupable. Le duo qu’elle forme avec Anne Dorval, qui nourrit d’une merveilleuse intensité son personnage d’amie patiente et sincère, est la pièce maîtresse de ce film raconté à hauteur humaine.

Il convient aussi de saluer la prestation à l’élégance tant physique que morale de Dara Tombroff (Mathilde, la fille de Nathalie), ancienne danseuse de l’Opéra de Bordeaux dont c’est le premier rôle au cinéma, sans oublier les rôles dits secondaires qui forment un kaléidoscope coloré et complémentaire autour de cet être mi-ange, mi-démon mais finalement terriblement humain.

L’ANALYSE :

Pimpante quadragénaire, Nathalie Pêcheux a tout pour être heureuse : brillante professeure de lettres en khâgne, mère d’une adolescente de dix-huit ans au caractère facile, elle est bien entourée et a su même rester en bons termes avec son ex-mari qui l’a quittée pour une femme plus jeune et plus écervelée qu’elle.

Mais Nathalie va vite comprendre qu’elle est à une période critique de son existence : à l’approche de la ménopause (parce qu’il faut toujours une explication hormonale à l’hystérie), frustrée sexuellement (parce que c’est forcément là que l’aigreur vient trouver son terreau), elle perd peu à peu le contrôle de son existence.

Tout semble commencer le soir de la fête-surprise d’anniversaire de sa famille : sa jalousie à l’égard des autres (sa fille qui bénéficie de l’amour indéfectible de son petit ami, sa meilleure amie toujours heureuse après vingt ans de mariage, etc.) se manifeste sans le moindre filtre.

De plus en plus irritable, manipulatrice, culpabilisante mais toujours sûre de son bon droit, Nathalie commence à faire vivre un enfer à sa famille, ses amis et ses collègues qui finissent progressivement par lui tourner le dos.

Il est difficile de ne pas être interpelé par l’argument comique un peu douteux sur lequel repose la nouvelle comédie de David et Stéphane Foenkinos : garce en puissance que l’on adore détester, le personnage de Nathalie confirme à peu près tous les stéréotypes misogynes qui font légion.

Incapable de contrôler ses émotions et totalement dépassée par la puissance de son inconscient, elle fait en revanche face à des hommes (son ex-mari, un homme qu’on vient de lui présenter, le mari de sa meilleure amie, le proviseur) qui, eux, restent imperturbables face à ses excès et finissent toujours par la ramener à la raison.

Dans une drôle de scène où la professeure fait face à une nouvelle recrue qui lui fait concurrence (Anaïs Demoustier), le dialogue vachard qui se met rapidement en place (à coups de vannes bien balancées sur l’état de frustration de notre héroïne) laisse presque entendre que chaque femme de pouvoir se prédestinera à un moment à cet état borderline, incapable de trouver un équilibre entre son appétit dévorant et ce que la vie est en mesure de lui donner.

On pourra en tous cas aisément comprendre que certains grincent des dents face à ce portrait de femme qui ne fait pas dans la dentelle.

En dépit de toutes ses limites, Jalouse n’est pas totalement dépourvu de qualités. Si la mise en scène ne brille d’aucun génie particulier et semble être entièrement mise au service de l’actrice principale, c’est plutôt du côté de l’écriture qu’on pourra trouver quelque chose à se mettre sous la dent.

Le scénario, plutôt bien ficelé malgré une première partie poussive, et les dialogues, toujours alertes, se gardent bien de sombrer dans le sentimentalisme facile ou de résoudre d’un coup de baguette magique les enjeux amorcés par les dérives de Nathalie.

Plutôt bien dessinés et évitant de peu la caricature (notamment la seconde épouse un peu idiote), les personnages secondaires permettent au film de bénéficier de quelques appels d’air et d’offrir quelques contrechamps à ce qui constitue la trop omniprésente colonne vertébrale du film.

Une jolie parenthèse se dessine même dans le dernier quart du film : alors qu’elle semble avoir atteint un point de non-retour, la protagoniste fait la connaissance d’une vieille femme bienveillante auprès de laquelle elle s’épanche sur son mal-être. Dans ce court instant, le récit emprunte un chemin de traverse bienvenu, ne faisant plus de l’abattage – d’une efficacité redoutable, il faut le reconnaître – de Karin Viard le seul argument du film.

L’actrice parvient toutefois à s’affranchir d’un dispositif filmique trop recroquevillé sur lui-même en jouant habilement de son corps, capable de passer en un quart de seconde de la séduction assurée à l’embarras. C’est dire si Jalouse lui doit beaucoup.

9/10

THOR RAGNAROK

Une comédie fantaisiste égayante, mais au script léger, dont on peut relever le goût coloré d’une esthétique kitsch qui lui octroie une place à part dans la constellation Marvel.

Réalisation : Taika Waititi
Scénario : Eric Pearson, Craig Kyle, Christopher Yost, Stephany Folsom
Image : Javier Aguirresarobe
Décors : Dan Hennah, Ra Vincent, Beverley Dunn
Costumes : Mayes C. Rubeo
Montage : Joel Negron, Zene Baker
Musique : Mark Mothersbaugh
Producteur(s) : Kevin Feige
Production : Marvel Studios
Interprétation : Chris Hemsworth (Thor), Tom Hiddleston (Loki), Cate Blanchett (Hela), Idris Elba (Heimdall), Jeff Goldblum (Le Grand Maître), Tessa Thompson (Valkyrie), Karl Urban (Skurge), Mark Ruffalo (Bruce Banner / Hulk)…
Distributeur : The Walt Disney Company France
Date de sortie : 25 octobre 2017
Durée : 2h11

Privé de son puissant marteau, Thor est retenu prisonnier sur une lointaine planète aux confins de l’univers. Pour sauver Asgard, il va devoir lutter contre le temps afin d’empêcher l’impitoyable Hela d’accomplir le Ragnarök – la destruction de son monde et la fin de la civilisation asgardienne. Mais pour y parvenir, il va d’abord devoir mener un combat titanesque de gladiateurs contre celui qui était autrefois son allié au sein des Avengers : l’incroyable Hulk…

La succession des produits Marvel, à raison de deux ou trois par an, ne laisse que peu de place à l’originalité. A l’image des feuilletons télévisés, increvables et inlassablement identiques, les Avengers tissent leur toile avec le désir de satisfaire les spectateurs peu adeptes des tumultes du changement. Aussi, l’on se rend à la troisième aventure solo de Thor persuadé que le script sera forcément peu ou prou similaire aux prédécesseurs. Et il en sera ainsi.

Extinction des civilisations, problématique familiale qui inclut désormais une déesse maléfique, références mythologiques transposées dans l’espace… tout ce qui est raconté dans Thor a déjà été évoqué dans les autres films Marvel ou DC Comic avec plus ou moins de bonheur. Peu importe, l’on savoure le retour à la SF du super-héros au marteau, qui était devenu un balourd terrestre dans des décors urbains tout juste bons à souffler du building.

Ici point de centre-ville à démolir, le décor d’heroic fantasy spatial, aux proportions loin d’être épiques mais toujours savoureusement cinégénique, compense le manque de bonheur du script. Le cinéaste Taika Waititi a une vision globalement enthousiasmante, qui l’emporte sur l’esthétique générique des Marvel, à savoir insuffler une identité visuelle, notamment dans le choix douteux, quoique référentiel (Flash Gordon, le naveton eighties, vous remettez ?), d’une esthétique kitsch qui surprend, mais aussi ravi.

Dans ce spectacle pétaradant au goût prononcé pour les couleurs criardes, l’empreinte de Thor 3 à la décennie flash se retrouve aussi dans l’appareillage musical, comme la bande-annonce le laissait entendre. On retrouve bien là l’univers de Waititi qui provient du documenteur hilarant, Vampires en toute intimité, trouvant matière à étancher sa passion pour la grosse déconne qui tache. Le Néo-Zélandais parvient à imposer une dose de délire atypique dans ses excès, mais qui compense avec saveur les rebondissements narratifs ronflants.

Prévu comme étant les retrouvailles avec le personnage de Hulk, que l’on avait perdu de vue dans les derniers Avengers, ce nouveau chapitre de l’univers cinématique Marvel a beau insérer une séquence avec Doctor Strange et mentionner l’action des super-héros sur Terre, Ragnarok s’offre en priorité aux vrais fans de la divinité blonde, quand Captain America : Civil War apparaissait comme une extension évidente des deux Avengers.

Un vrai film de Thor, chez lui à Asgard, ou prisonnier sur une autre planète extra-terrestre, tel est ce nouvel épisode. Donc évidemment, l’on retrouve un Thor humoriste, toujours prêt à foudroyer l’audience de son tonnerre comique, plutôt déplacé par moment, car Waititi n’est pas là pour émousser les propos et lisser l’incorrection virile.

La comédie va bien au frère de Loki, notamment dans le binôme inattendu qu’il incarne avec The Hulk/Bruce Banner. Si ce dernier, baudruche pas toujours au point dans les FX,ne nous passionne toujours pas après des tonnes d’apparitions ratées au cinéma, dans le cadre d’un buddy movie extra-terrestre, on peut lui reconnaître être à l’origine de quelques moments salvateurs, bien plus en tout cas que ce qu’apporte l’affluence de guest-stars luxueuses.

De nombreux grands noms sont venus se greffer au programme pour un bon chèque : Idris Elba, inutile et mal grimé (on est quand même pas loin de Battlefield Earth), Cate Blanchett en grande méchante loin du panthéon des Nicholson et Heath Ledger, Anthony Hopkins hors de son élément grandiose, Karl Urban cabotin, et Jeff Goldblum badin, mais qui a prouvé depuis des décennies ses limites en tant que comédien.

Accroché à son humour, Thor Ragnarok égaie l’écran avec une parenté recherchée du côté des Gardiens de la Galaxie plutôt que des sempiternels Avengers. Pour son refus du sérieux et son traitement avéré contre la morosité, on ne le déconseillera pas. On n’en fera pas non plus un impératif de consommation. En creusant bien, il y a toujours bien mieux à voir.

L’ANALYSE :  Thor Ragnarok : du fun avant tout – Le blockbuster de Taika Waititi est aussi drôle qu’il est creux.

Chris Hemsworth revient dans le costume de Thor après deux opus en solo et deux épisodes d’Avengers sortis entre 2011 et 2015. Aux dernières nouvelles, son frère Loki (Tom Hiddleston) avait pris l’apparence de leur père Odin (Anthony Hopkins) pour s’emparer du trône d’Asgard, et le Dieu du Tonnerre avait vu son pote Hulk (Mark Ruffalo) s’envoler dans l’espace à la fin de L’Ere d’Ultron. Ragnarok reprend exactement là : le faux Odin continue à duper son monde et les retrouvailles entre Thor et son copain colérique sont au cœur de cette suite. L’arrivée d’Hela, la déesse de la mort (Cate Blanchett), va obliger le héros à défendre à nouveau son royaume.

Taika Waititi, révélé par d’excellentes comédies, notamment son faux documentaire Vampires en toute intimité, a été choisi pour boucler la trilogie du plus mal aimé des Avengers. Les deux premiers opus de Thor contenaient de bonnes idées mais ne respectaient jamais totalement leurs promesses : le côté shakespearien du film de Kenneth Branagh n’était pas tellement creusé et les prouesses visuelles du Monde des ténèbres ne suffisaient pas à construire une saga cohérente.

Suite à cette création plutôt bancale, le réalisateur réussit sans mal à offrir à Thor son meilleur film en misant tout sur l’humour. Thor 3 est fun. Les scénaristes piochent dans les opus précédents de leur Marvel Cinematic Universe, d’Iron Man aux Gardiens de la Galaxie en passant par Doctor Strange, pour lui offrir un ton plus léger. Cela marche d’autant plus que des séquences entières sont construites dans le seul but de faire rire.

Dès le début du film, la pièce de théâtre qui parodie le meilleur et le pire des comics Thor (la transformation en grenouille !) est là pour plaire aux fans de la première heure. Les retrouvailles entre le héros et Hulk dans une arène de gladiateurs donne lieu à une séquence hilarante, à condition d’avoir vu Avengers, car elle fonctionne surtout à travers les réactions des différents protagonistes (Hulk énervé, Thor ravi, Loki apeuré et le Grand Maître qui ne comprend rien à ce qui est en train de se dérouler sous ses yeux).

Les présentations de Valkyrie (Tessa Thompson), Korg (Taika Waititi) et du Grand Maître (Jeff Goldblum) sont également pensées comme de véritables scènes de comédie -qui seront sans aucun doute une excellente source de gif. Les acteurs s’éclatent et leur plaisir est absolument communicatif. Idem pour les deux héros : la relation entre les deux frères ennemis est toujours aussi croustillante, Hiddleston et Hemsworth prenant visiblement un malin plaisir à s’envoyer des piques.

Visuellement, la promesse d’une aventure colorée, inspirée des années 1980, est elle aussi respectée. Le design de la planète du Grand Maître est soigné, la musique au synthé de Mark Mothersbaugh (compositeur entre autres pour Wes Anderson sur La Famille Tenenbaum, La Vie aquatique…) est amusante et tranche avec l’ambiance des précédents Marvel. L’utilisation du morceau culte de Led Zeppelin « Immigrant Song » sur les scènes d’action fonctionne bien, à défaut d’être originale : le titre, souvent utilisé dans des bandes-annonces, est répété deux fois dans le film. Enfin, bien qu’appuyées, les références aux jeux vidéo (le combat contre le Dieu Surtur semble tout droit tiré de God of War, le final avec Karl Urban est emprunté à Doom) sont assez drôles pour être appréciées par les gamers.

Une fois l’euphorie passée, se pose la question du fond. Et c’est là que Thor Ragnarok vacille. Le film est aussi drôle qu’il est creux. A force d’enchaîner les blagues, l’intrigue brise un à un tous les enjeux dramatiques. Même si Cate Blanchett s’amuse comme une folle dans le rôle d’Hela, la menace de son personnage perd en puissance à force d’être moquée/détournée par les dialogues comiques. Le sort d’Odin n’a pas de retombée dramatique, il ne sert qu’à raviver la guéguerre entre ses fils, qui se seraient de toute façon chamaillés quoi qu’il arrive. La perte de Mjolnir n’a aucun impact sur les combats de Thor. Pire, le héros se bat mieux sans !

La question de la destruction, le « Ragnarok » qui donne son titre au film, est traitée, et intéressante sur le papier, mais la tension n’est finalement jamais vraiment présente. Le blockbuster fonctionne en tant que pure comédie, marche bien quand il référence Avengers, mais ne colle jamais à la mythologie de Thor. Tout ce qui avait commencé à être construit dans les deux premiers films (Asgard, la puissance d’Odin, la relation amoureuse entre Jane Foster –Natalie Portman- et Thor, le soutien de ses amis guerriers…) est balayé par des vannes.

Thor Ragnarok rappelle ainsi une autre fin de trilogie, Iron Man 3, qui reposait énormément sur l’humour mais ne faisait pas réellement évoluer le super-héros. C’est d’autant plus marquant qu’il y a quelques mois seulement, James Gunn parvenait à émouvoir au sein d’une autre superproduction Marvel, Les Gardiens de la Galaxie 2, qui, en plus de respecter la promesse de comédie, parvenait à traiter pleinement la thématique père-fils en lui donnant une certaine gravité, et offrait à –au moins une partie de- ses héros la possibilité d’évoluer.

POUR ALLER PLUS LOIN :

C’est le quotidien des super-héros. Asgard, la planète de Thor, est menacé par l’apocalypse – “Ragnarök”, selon l’appellation mythologique. Problème, le dieu du Tonnerre est coincé sur une planète-poubelle où il a été réduit à l’état d’esclave -gladiateur. Et son premier adversaire est un vieux copain du boulot : Hulk…

Autant régler la question d’emblée : “Thor : Ragnarok” est le meilleur des trois opus consacrés au dieu nordique, version Marvel. Pas difficile direz-vous. Dans sa colossale entreprise, la franchise super-héros n’a jamais su vraiment quoi faire du grand blond avec un marteau gris. Tragédie cosmico-shakespearienne coincé dans une comédie-romantique sous la direction de Kenneth Branagh d’abord, la série a voulu avec son deuxième épisode recréer l’ambiance sombre de “Game of Thrones” en embauchant l’un de ses réalisateurs, Alan Taylor.

Le résultat, standard au possible, pour ne pas dire fadasse, avait achevé de placer le personnage tout en bas de la hiérarchie Marvel. Alors, comment sauver le soldat Thor, mission capitale à moins d’un an de la réunion des Avengers ? En jouant le contre-pied, ce que Marvel a souvent su faire avec talent sans jamais bouleverser sa formule : “Ragnarok” est ainsi un blockbuster coloré et joyeux, joué sur une note musicale et visuelle très années 1980, rempli d’action et surtout d’humour.

Ce troisième volet s’aventure dans le genre buddy movie, fait de duos mal assortis et d’amitiés (presque) inattendues, en flanquant Thor d’un autre personnage en mauvaise position, Hulk, ce héros sans film fixe. Après un premier acte à la mécanique un peu forcée (comme souvent dans les derniers Marvel), le dieu du Tonnerre retrouve le géant vert, disparu au combat depuis la fin d’”Avengers 2”. Hulk a laissé Bruce Banner derrière lui pour s’établir comme gladiateur sur Sakaar, cité-déchèterie dont le bric-à-brac et le bestiaire rappellent tout à la fois « Wall-E », « Star Wars » et « les Gardiens de la Galaxie » – le succès de ce dernier semble avoir largement inspiré la renaissance de Thor.

Avant de renouer, les deux titans vont logiquement s’affronter dans l’arène, opposition qui évitera de trop s’attarder sur la vraie méchante du film, la déesse de la mort Hela – qui n’a d’autre intérêt que la prestation honorable de Cate Blanchett. L’intrigue s’efface -et s’oublie- assez rapidement derrière l’histoire des deux benêts, sympathique duo à la dynamique efficace, entre réparties fulgurantes, rivalité balourde et complicité charmante.

Bien qu’assez conventionnelles, les scènes d’action impressionnent certainement, mais la bonne humeur et l’humour potache sont le cœur du film. Plus que l’évolution réussie de Hulk, c’est le passage de Chris Hemsworth au registre comique qui séduit, registre dans lequel l’acteur semble lui-même plus à l’aise que dans la gravité un rien ridicule des deux précédents films. Tandis que Loki donne un peu dans le déjà-vu, Jeff Goldblum fait du bon Jeff Goldblum en extravagant “Grand Maître” de cérémonie, mais se fait vite voler la vedette chez les seconds rôles par Tessa Thompson, cette “Valkyrie” rebelle à qui seul l’alcool donne encore des ailes.

La meilleure trouvaille du producteur Kevin Feige, chef d’orchestre du “Marvel Cinematic Universe”, reste le réalisateur, Taika Waititi. Connu pour ses jolies comédies excentriques (“What we do in the shadows”, “Hunt for the Wilderpeople”), le Néo-Zélandais a gardé sa patte dans cette grande entreprise où (très) peu d’auteurs ont su se faire remarquer. Une patte que l’on retrouve dans l’absurde et délicieux personnage de Korg, interprété par Taika Waititi lui-même.

EN CONCLUSION :

Si Thor : Ragnarok ne rompt pas la monotonie des productions Marvel, il a le mérite de mettre en exergue ce qui anime aujourd’hui le projet de la franchise Avengers. Dès ses premières minutes, Ragnarok donne pourtant des gages de rupture : d’un côté la tragédie shakespearienne du premier volet fait place nette à la farce et l’autodérision, de l’autre la lancée du récit formule la promesse d’une dislocation de la mécanique qui structure en filigrane les récits de super-héros.

La mise en place du feuilleté narratif repose ainsi sur une série de trouées qui prennent littéralement la forme de différents portails permettant de passer d’une couche à une autre : le Bifröst d’Asgard, les cercles magiques du Docteur Strange, ou encore la porte verdâtre d’où s’échappe la grande méchante du film, campée par une Cate Blanchett en roue libre. Où mène cette porosité des pixels ? La réponse qu’apporte le film n’est d’abord pas sans intriguer : dans une décharge à ciel ouvert, ciel creusé de différents trous d’où tombent les rebuts perdus du cosmos.

Qui règne en maître sur cette décharge en dehors du temps et de l’espace où les choses ne vieillissent pas ? Un tyran cabotin joué par Jeff Goldblum, « Le Grand Maître, « l’Originel ». Le choix de l’acteur n’est bien entendu pas anodin : Goldblum est l’emblème de deux blockbusters des 1990 qui ont posé les jalons (la destruction massive dans Independence Day, le recours aux CGI dans Jurassic Park) des divertissements hollywoodiens d’aujourd’hui (il n’est d’ailleurs pas le seul acteur venu de Jurassic Park – son compère Sam Neill y apparaît aussi le temps d’une scène).

La décharge où se croisent le nouveau et l’ancien, une imagerie kitsch et la sophistication des effets numériques, se présente ainsi autant comme un terrain de jeu forain qu’un retour à l’origine – et il est en cela logique que s’y terre Hulk, être de pulsions qui refoule dans ce paradis du divertissement les traumas de son alter ego raisonné, Bruce Banner.

L’obsession du film pour les trous a d’ailleurs quelque chose d’ouvertement régressif – Thor et ses compères quitteront la dite décharge en empruntant un autre trou/portail spatio-temporel désigné par le nom « d’Anus de Satan » –, mais sa signification profonde est à rebours des pistes lancées initialement. Non seulement Ragnarok ne fait de cette décharge qu’une parenthèse dans un récit qui finit là où il a commencé (même la scène d’ouverture, apparemment autonome, a une fonction dans la résolution finale), mais de plus le chaos du décor révèle in fine sa dimension mécanique – chaque personnage rencontré constituant la pièce d’une narration peu surprenante et au fond bien huilée, ce dont le film a conscience, en témoignent les gags qui tentent de désamorcer, par l’autodérision, la nature prévisible et répétitive des rebondissements.

C’est un autre trou qui donne la clef qui manquait pour comprendre où allait le film depuis le début : le trou qui se creuse sur le visage même de Thor, énucléé au cours de la bataille finale. Ce trou n’est pas la marque d’une transformation profonde mais constitue l’accomplissement de la destinée tracée dès le premier épisode des aventures du Dieu nordique : désormais semblable à son père Odin, Thor peut enfin devenir roi et boucler ainsi le programme narratif, que chaque film Marvel semble désormais masquer par une fausse singularité (ici, le détour pop) à même de le distinguer de ses cousins. En donnant l’impression d’emprunter des chemins de traverse, Ragnarok ne faisait en vérité qu’avancer tout droit.

14/20