Année de sortie : 2008

Pays: Etats-Unis

Réalisatrices : Lilly et Lana Wachowski

Casting : Emile Hirsch, Matthew Fox, John Goodman, Christina Ricci, Susan Sarandon

De tout temps, le cinéma a connu des échecs financiers désastreux qui se virent réhabilités au fur et à mesure des années. Ainsi, « Blade Runner », « Le magicien d’Oz » et « Citizen Kane » sont reconnus comme des classiques du cinéma malgré des recettes fort peu élevées à l’époque. « Fight Club » fait quasiment l’objet d’un culte et « Gremlins 2 » est remis en avant par son côté cartoonesque anarchique remettant en question le statut de suite tout en étant une critique très acerbe d’une forme agressive de capitalisme. A ces titres pourraient se voir rajouter « Speed Racer » des désormais sœurs Wachowski.

Speed Racer est un jeune pilote doué marqué par le décès de son grand frère, qui était son modèle de vie. Alors que son talent commence à être remarqué sur les circuits, il va devoir faire face aux manigances d’un riche propriétaire d’équipe.

Drôle de carrière que celle des Wachowski qui, après avoir été propulsés sous le feu des projecteurs par la trilogie « Matrix », sont au volant de gros véhicules qui se crashent au box-office. Et bien que leur petit dernier, bien que tentant l’originalité dans son esthétisme, pose encore question (ceux ayant vu « Jupiter Ascending » comprendront), il faut pourtant avouer que leurs films osent sortir des pistes. Ainsi, si nous n’allons pas revenir actuellement sur le superbe « Cloud Atlas » (venez voir notre live sur le sujet pour cela 😉 ), « Speed Racer », adaptation d’un anime japonais, démontre leurs qualités visuelles et narratives.

Ainsi, sous des contours de film à la coloration saturée et aux innombrables effets spéciaux numériques destinés  à un public très jeune (le personnage du jeune frère et du singe), « Speed Racer » est un divertissement de haute volée, une folie furieuse aussi bien narrativement que visuellement. Les Wachowski n’hésitent pas par exemple à empiler les plans sans coupe aucune et à les faire suivre de manière homogène pour accélérer son rythme et ainsi plonger les spectateurs dans le même état d’esprit que nos héros. Les courses deviennent des exemples d’intensité et même des moments d’émotion (la course de départ où Speed « poursuit » le fantôme de son frère disparu). De plus, si certains effets spéciaux ont déjà un peu vieilli, leur style visuel est assez marquant (et fort inspiré de la source originale ainsi que des mangas en général, comme soulignés dans certaines séquences) pour se démarquer du simple divertissement décérébré sans oublier le travail de couleurs fulgurant dans certaines séquences (Rex Racer totalement assombri lors de son dernier moment avec son frère pour souligner la douleur que causera sa disparition dans l’esprit du héros).

Les personnages, bien que hauts en couleur (ce qui n’est pas nécessairement un défaut, cela dit), suscitent une empathie non feinte, aidée par une histoire à la sous-lecture de critique hollywoodienne. Difficile donc de rester indépendant  lorsque l’on doit se démarquer d’autres personnes talentueuses, surtout quand l’on se trouve dans un milieu composé  d’industriels véreux n’ayant comme unique but que l’obtention de revenus à tout prix… Le tout en développant des liens forts entre certains personnages (aidés par des interprètes dévoués à leurs rôles).

Ajoutez à cela une musique stimulante et tout aussi éclectique que ce film de la part d’un Michael Giacchino inspiré, et vous obtiendrez « Speed Racer », film familial de très grande qualité et fort recommandable. La preuve : lui aussi est destiné à rejoindre les titres cités plus haut au panthéon des œuvres incomprises à leur sortie mais qui marquent leurs spectateurs. Ce qu’est censé normalement faire tout film mais ça, c’est une autre histoire…

Année de sortie : 1999

Pays: Etats-Unis

Réalisateurs : Kevin Lima, Chris Buck

Casting : Tony Goldwyn, Minnie Driver, Glenn Close, Rosie O’Donnell

Alors qu’une nouvelle version live des aventures de Tarzan vient de sortir dans les salles, revenons sur l’une des plus célèbres adaptations sur grand écran avec la version animée par les studios Disney sortie en 1999.

Tarzan est un enfant recueilli par des singes après la mort de ses parents, naufragés contraints de se réfugier dans la jungle avant d’être dévorés par un tigre. Il se voit élevé par Kala, une femelle gorille elle-même affectée par la mort de son bébé. Le jeune homme grandit alors au sein de la tribu, bien qu’il soit rejeté de par sa différence. C’est alors que des explorateurs arrivent dans son habitat…

Le héros créé par Edgar Rice Burroughs (aussi derrière John Carter, qui a eu une influence énorme sur les récits de science-fiction contemporains) a connu de multiples versions de ses récits, notamment les douze films avec Johnny Weissmuller de 1932 à 1948 ou encore le « Greystoke » de Hugh Hudson avec Christophe Lambert en roi de la jungle. Mais pour une certaine génération (celle de l’auteur), la version Disney a eu une influence plus forte. Reprenant la trame générale, le studio aux grandes oreilles arrive à retranscrire une histoire connue de tous en arrivant à garder son statut familial. Si certains apports auraient pu être allégés (la scène musicale,les side kicks rigolos,  certaines chansons de Phil Collins), elles n’affectent en rien le récit et font partie de l’attachement que l’on peut éprouver envers ce film. De plus, le côté tout public n’empêche pas d’aborder des sujets sérieux comme le deuil (notamment par le montage partagé entre les épreuves vécues par Tarzan et sa famille ainsi que par Kala), l’intégration et le partage entre deux origines différentes (au vu des remarques racistes de certaines personnes à l’heure actuelle concernant la bi nationalité et les religions, revoir ce film serait une piqûre de rappel fort sympathique).

La qualité de l’animation reste très bonne, en comparaison de certaines sorties de ces dernières années (quoi, vous avez pensé à « Pourquoi j’ai pas mangé mon père » ? Quel hasard…) et n’hésite pas ATTENTION SPOILER ! à montrer la mort de l’antagoniste d’une manière pouvant affecter les jeunes enfants (non, ce n’est pas du vécu…) FIN DU SPOILER ! Libéré des contraintes d’un tournage live, ce Tarzan en animation voltige et se permet des acrobaties qui pourraient sembler irréalistes avec des acteurs en chair et en os mais trouve ici une vraie liberté d’action qui sied aux mouvements acrobatiques du héros.

Bref, si vous connaissez un enfant n’ayant jamais pu voir cette version du roi de la jungle, n’hésitez pas à la lui faire découvrir tout en restant près de lui afin de réveiller l’enfant qui sommeille en vous. Et puis, ce ne sera jamais aussi mauvais que la version animée de 2013…

Année de sortie : 2002

Pays: France

Réalisateur : Alain Chabat

Casting : Christian Clavier, Gérard Depardieu, Alain Chabat, Jamel Debbouze, Monica Bellucci

L’adaptation sur grand écran d’une œuvre préexistante dans un autre milieu (comme le jeu vidéo, la littérature ou la bande dessinée) est très compliquée car il faut savoir garder l’esprit de l’œuvre originale tout en n’en faisant pas un simple copier-coller, mais également reconnaître la patte de l’auteur malgré ces conditions. Si un très grand nombre de ces adaptations n’arrivent pas à cocher toutes ces cases, il existe quand même des exemples de grande qualité comme l’excellentissime « Scott Pilgrim vs the world » d’Edgar Wright ou ce « Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre ».

Reprenant la trame de la bande dessinée d’Uderzo et Goscinny, ces nouvelles aventures d’Astérix suivent nos deux gaulois et leur druide Panoramix en Egypte, où ils vont aider l’architecte Numérobis à construire un palais pour Cléopâtre. Celle-ci a en effet parié avec César qu’elle saurait bâtir le plus beau des palais en trois mois. Mais ils devront faire face, outre les troupes romaines, au malveillant rival de Numérobis, Amonbofis…

Le succès de cette transcription sur grand écran de la fameuse bande dessinée est que son réalisateur, Alain Chabat, a rajouté son humour non sensesque dérivé de son univers Nullesque à l’intrigue d’origine, à l’opposé de certaines œuvres s’inspirant de ce succès en n’étant qu’une enfilade de (mauvaises) blagues sans histoire (pas besoin de donner d’exemple, vous pensez déjà tous et toutes aux « nouvelles aventures d’Aladin »). Ainsi, le mélange des styles d’humour d’Astérix et d’Alain Chabat donne un ensemble homogène digne de ravir n’importe quel amoureux de chimie.

Tout public tout en n’étant pas infantilisant (Cf « Aladin »…), « Astérix et Obélix » déploie une énergie comique de tout instant, au contraire de beaucoup de grosses productions françaises récentes préférant l’approche téléfilm que cinématographique. Chabat n’hésite ainsi pas à insérer le plus de blagues possibles au sein du même plan sans en dénaturer son histoire.

Réussissant à éviter les blagues beauf et lourdes, Alain Chabat prouve qu’une grosse comédie française peut être drôle, énergique et recherchée. Ce serait donc bien si ceux se déclarant dans la même veine que le film tentent, au lieu de photocopier l’humour anachronique jusqu’à l’écoeurement, de prendre plutôt exemple sur le fond que sur la forme, tout en respectant ses personnages et l’esprit original. Las à une époque où l’on enlève une lettre au nom d’un personnage pour aucune vraie raison et où l’on a affaire plus à des clichés têtes à claques qu’aux héros de notre enfance…

Année de sortie : 2013

Pays: Etats-Unis

Réalisateur : Don Mancini

Casting : Fiona Dourif, Brad Dourif, Danielle Bisutti, A. Martinez, Jennifer Tilly

Commençons cet article par une anecdote personnelle : Si vous suivez ma page Monsieur Popcorn, vous avez peut-être lu ma critique de « The Boy » où j’avouais ma pédiophobie, c’est-à-dire la peur des poupées. Cette peur avait commencé en voyant tout jeune une image de Chucky, la poupée interprétée vocalement par Brad Dourif et dont la première apparition remonte à 1988 avec le « Jeu d’enfant » de Tom Holland (réalisateur aussi du hautement conseillable « Vampire, vous avez dit vampire ? »). S’ensuivit quatre autres films au succès variable et adoptant de plus en plus une tournure comique avec notamment Chucky transformé en boogeyman hilare tel Freddy Krueger. C’est alors en 2013 que sortit « Curse of Chucky », réalisateur du précédent « Fils de Chucky » et scénariste de tous les volets de la saga.

« Curse of Chucky » suit Nica, une jeune femme en chaise roulante vivant encore chez sa mère. Un jour, elles reçoivent une poupée « Brave Gars » qui s’avérera être notre bon vieux Chucky. C’est alors qu’un drame survient, obligeant sa sœur, le mari de celle-ci, leur fille, la babysitter de cette dernière et un prêtre à venir dans la demeure familiale. L’occasion rêvée pour notre sympathique poupée de pratiquer son sport préféré : le meurtre en série.

Si les fans avaient peur d’un nouveau reboot à ajouter à la liste de ces sagas horrifiques recommencées à nouveau, il s’avère que ce nouveau Chucky baigne dans un esprit old school plus proche par moments d’Alfred Hitchcock que de Marcus Nispel. Ainsi, on a droit à une véritable suite arrivant à établir de nombreuses connexions aux autres films, que ce soit par son intrigue principale (pourquoi avoir choisi cette famille ?) ou encore le retour de deux personnages dont l’un par une scène post générique assez amusante.

Introduisant dès le début Chucky en véritable bombe sous la table n’attendant que le bon moment pour exploser (comme cette scène de dîner où l’on sait la présence d’une assiette empoisonnée), ce « Curse of Chucky » est purement réjouissant, que ce soit grâce à des effets gore réussis ou une poupée plus vivante que jamais (avec la preuve que les effets spéciaux physiques ont un meilleur impact sur les acteurs et les spectateurs que des effets numériques abondants qui, mal faits, peuvent faire sortir du film). Iconisé en un panoramique, la fameuse poupée redevient une figure horrifique grâce à la mise en scène de Don Mancini, utilisant de manière efficace la maison et ses recoins pour instaurer une ambiance rappelant le gothique au vu de la décoration intérieure.

Vous êtes à la recherche d’un bon film d’horreur efficace aussi rouge que la chevelure d’un diabolique petit rouquin et rêvez de mettre cette foutue Annabelle au feu ? Allumez votre télévision, mettez « Curse of Chucky », éteignez la lumière et laissez Chucky s’occuper de vous. Après tout, il est notre ami pour la vie…

Année de sortie : 2006

Pays: Espagne

Réalisateur : Guillermo Del Toro

Casting : Ivana Baquero, Doug Jones, Sergi López, Maribel Verdù, Ariadna Gil

Si Guillermo Del Toro est désormais reconnu en tant que l’un des maîtres du cinéma fantastique actuel, il lui a fallu du temps pour atteindre cette position. Et bien qu’il ait dirigé plusieurs films de grande qualité, on peut qualifier « Le labyrinthe de Pan » comme l’œuvre l’ayant installé à sa position actuelle.

1944, dans l’Espagne Franquiste. La jeune Ofelia emménage avec sa mère enceinte chez le nouveau mari de celle-ci, un militaire sévère et violent prénommé Vidal. Un soir, elle rencontre un Faune, qui lui déclare qu’elle est en réalité la princesse d’un monde souterrain et que pour prouver son sang royal, elle doit passer trois épreuves …

L’amour du réalisateur des « Hellboy » pour les créatures fantastiques est bien connu (il suffit de voir les films constituant sa carrière pour le remarquer) mais celui-ci transparaît encore ici, en les ajoutant à une intrigue mélangeant conte féérique (l’histoire d’Ofelia) et film de guerre (l’histoire de Mercedes). Ainsi, le fantastique influence la réalité et inversement, se contre balançant dans une harmonie parfaite comme par exemple les trajets narratifs communs d’Ofelia et Mercedes, chacune dans leur « réalité » respective.

Replaçant son récit dans une cruauté digne des contes classiques originaux (la terrifiante scène du Pale Man), Del Toro nous plonge dans une histoire aux relents oniriques (les apparitions du faune) en traitant ses personnages avec respect. Ainsi, le monstrueux Vidal est un homme cruel mais aussi marqué par un passé qui l’enferme dans un même engrenage duquel il ne peut s’échapper (l’utilisation de la montre et du moulin dans lequel il s’enferme).  N’hésitant pas à jouer aussi bien avec la violence hors (l’amputation de la jambe, annoncée et finalement non montrée bien que l’on sente la douleur du geste) que plein champ (plusieurs scènes teintées d’un rouge hémoglobine, l’occasion de rappeler le superbe travail fait sur les couleurs), le célèbre mexicain arrive à terminer le tout sur une note douce-amère que le spectateur décryptera comme il le souhaite, tout en ne cachant pas une seconde son interprétation personnelle.

Grosse production espagnole, les effets spéciaux ne se trouvent jamais négligés et permettent de se plonger plus encore dans le monde créé par Guillermo Del Toro, notamment des créatures semblant totalement vivantes (exploit qu’il faut également attribuer à Doug Jones, expert dans ce domaine et fidèle du réalisateur), tout en étant de meilleure qualité que des productions françaises aux portefeuilles plus pourvus.

En plus de son statut de conte, « Le labyrinthe de Pan » est une histoire de lutte et de révolte, où l’héroïne se permet des incartades aux règles qui lui sont dictées et où des hommes et des femmes préfèrent se battre et mourir pour la liberté plutôt que de vivre sous la botte de la tyrannie, l’imposant comme un chef d’œuvre magistral bouleversant et marquant qui mérite d’être vu et revu encore et encore aussi bien par toute la famille. En effet, quand un film censé être familial arrive à être cruel et magique tout en respectant l’intelligence de ses spectateurs, il ne faut surtout pas passer à côté.

Des nombreuses adaptations de jeux vidéos sur grand écran que l’on a connu ces dernières années , il y en a une qui a réussi à retranscrire l’ambiance de son média originel sans trahir sa source (Ah que coucou saga « Resident evil »!) tout en étant également un (très) bon film : le « Silent Hill » de Christophe Gans. Il y a tellement de choses à dire sur ce film qu’il sera sans aucun doute abordé sur ce site prochainement mais pour vite résumer, on peut clairement le qualifier de franche réussite. Alors même si l’annonce d’une suite avait de quoi inquiéter certains, on tenait là une promesse d’oeuvre horrifique marquante prolongeant les idées de Gans et reposant sur une base de qualité.

Malheureusement, « Silent Hill: Revelations » est une grosse déception, ce genre de films nous laissant un goût amer en bouche car il n’est même pas totalement mauvais. Ainsi, le design des créatures est intéressant (notamment l’araignée mannequin, qui nous offre sans aucun doute la meilleure scène du long métrage) et la recréation de l’univers de Silent Hill est splendide. Tout cela n’occulte néanmoins pas les (nombreux) défauts que regorge cette suite.

Pour commencer, le scénario est lourd, confus et au final assez rebutant. Bien qu’apparemment rempli de références au jeu « Silent Hill 3 » (auquel il emprunterait beaucoup comme les personnages), il n’y a rien de réellement effrayant dans le film malgré les qualités dites plus hautes et des tentatives de jump scares absolument ratés, là où le précédent film se reposait essentiellement sur son ambiance. En envoyant Heather ( Adelaide Clemens) à la recherche de son père (Sean Bean, qui SPOILER ne meurt bizarrement pas dans ce film FIN DU SPOILER), l’intrigue perd sa touche maternelle et même l’ambiance « dominée » par les femmes qui avait été instaurée auparavant pour dévier vers la quête McGuffinesque mal maîtrisée .

Aucunement aidé par sa mise en scène plate excepté quelques touches se voulant originales mais bien loin d’un Sam Raimi « Evil Deadesque », un montage assez embarrassant ( l’héroïne qui se dit folle suivi directement par un type bizarre qui rit dans un bus…), certains effets spéciaux numériques extrêmement raté et des acteurs à la masse (Mais que fait Kit Harington du charisme qu’il donne à Jon Snow quand il arrive sur un plateau de cinéma?), « Silent Hill: Revelation » est un échec rageant, surtout quand l’on voit à quel point le spectacle proposé visuellement est prometteur.

Beau gâchis donc pour ce film qui ne joue même pas à la photocopie facile et presque nanardesque de son camarade zombiesque mais qui prouve qu’un mauvais scénario surexpliqué par son casting pour être sûr d’être compris par le spectateur n’aide pas à l’élaboration d’une oeuvre marquante. Le statut de train fantôme de mauvais manège ne sied ainsi guère à la saga « Silent Hill », plus à l’aise dans l’ambiance terrifiante que les jumps scares gratuits. En tout cas, ce n’est pas le dernier plan, clin d’oeil à « Silent Hill Downpour » sorti la même année, qui donnera l’envie de retourner dans cette ville de cauchemar et de terreur…

Il existe de ces films qui ne vous lâchent pas, ce genre d’oeuvres au plan final saisissant et trottant dans votre esprit un long moment après son visionnage. Et si il y a un réalisateur actuel qui sait s’y faire, c’est bien Denis Villeneuve, sans aucun doute le seul homme à pouvoir rendre excitant la perspective d’une suite à l’intouchable « Blade Runner ».

« Prisoners » suit Keller (Hugh Jackman), un père de famille qui voit la plus grande hantise qu’un parent puisse avoir lui tomber dessus. En effet, sa fille, ainsi que celle de son voisin et ami, ont disparues et tout porte à croire qu’elles auraient été enlevées. Le détective Loki (Jake Gyllenhaal), chargé de l’affaire, arrête rapidement un suspect(Paul Dano) mais le relâche quelques jours plus tard, faute de preuves. C’est à ce moment précis que Keller, excédé, va tout faire basculer…

Bien que « Prisoners » ne soit pas un thriller à twist, en dire plus en serait presque criminel. C’est même pour cela qu’il vaut mieux avoir vu le film avant de lire cette critique.

ATTENTION! CETTE CRITIQUE CONTIENT DES SPOILERS SUR LE SUPERBE « PRISONERS »! REGARDEZ LE DONC AVANT DE LIRE CETTE CRITIQUE!

« Prisoners » commence dans une ambiance déjà mature avec la mise à mort d’un cerf lors d’une partie de chasse après une prière. On peut retrouver dans cette scène aussi plusieurs thématiques entourant le film comme l’utilisation de la violence à des fins expliquées (le cerf est tué pour être mangé, Alex est torturé pour retrouver Anna et Joy) et aussi la pensée religieuse derrière ces actes. Ainsi, alors que Keller commet un acte mauvais pour des raisons compréhensibles, on révèle plus tard qu’un prêtre a tué un homme qui se vantait d’être un tueur d’enfants. Il y a une certaine symétrie dans les relations des personnages, une partie aidant à la réflexion de l’autre. Outre l’exemple donné plus haut, on peut retrouver les deux familles affectées ainsi que leurs réactions (notamment celle du personnage de Terrence Howard envers les actes de Keller) ou encore le chemin de croix des deux « stars » du film. Il se trouve ainsi comme un phénomène de résonance, un détail anodin mis en place au début du film revenant pour être tour à tour poignant puis une note d’espoir douce (le sifflet d’Anna). On pourrait même disserter à propos de certains objets tels que ce collier du labyrinthe, pouvant servir de plan de cachettes d’enfants kidnappés ou une confirmation de la volonté du réalisateur de plonger au sein de l’esprit tortueux de l’être humain ainsi que ses sombres recoins.

Se permettant de lancer des pistes sur le passé des personnages tout en conservant une part d’interrogations(selon une ligne de dialogue, Loki aurait été abusé dans son enfance, ce qui expliquerait son implication forte dans cette affaire), « Prisoners » est aussi bien être vu comme une réflexion sur l’obscurité que peut atteindre l’être humain (la responsable du kidnapping se révélant d’une inhumanité profonde) que comme une critique politique (les tortures infructueuses menées par Keller peuvent être vus comme semblables à l’échec de Guantanamo). Loin d’être un « Seven like » comme on en a tant vu depuis la sortie du superbe film de David Fincher, le thriller de Denis Villeneuve apporte sa propre touche à un genre que l’on pourrait penser vidé de sa substance par des récits interchangeables et une mise en scène plus proche des « Experts » que du « Seigneur des anneaux ». On pourrait même le comparer à ce dernier car, tel le film de Jonathan Demme, il est bien parti pour devenir un nouveau mètre étalon dans le domaine.

Difficile de ne pas parler des acteurs avec notamment l’état de grâce atteint par Hugh Jackman et Jake Gyllenhaal, dans ce qui est sans conteste l’un des meilleurs rôles de leur carrière. Absolument monstrueux, ils permettent tout deux l’implication en leurs personnages, même dans des scènes où l’on ne devrait pas (la visite de la seconde propriété de Keller par Loki, rappelant ces scènes de « Psychose » où l’on s’inquiète pour Norman Bates). Bâti sur un scénario solide, la mise en scène de Denis Villeneuve nous achève et confirme que « Prisoners » est le thriller le plus sombre que l’on ait vu depuis un moment mais aussi le plus humain, s’achevant par une note d’espoir avec ce sifflement  à briser le coeur. Et si c’était ça, ce qui manquait à ce grand nombre de thrillers aseptisés qui sortent à la pelle: du coeur?

Nous sommes en 2003. « Le retour du roi » assoit Peter Jackson au sommet du box-office et des Oscars, Quentin Tarantino nous électrise avec « Kill Bill », Park Chan Wook nous claque avec « Old Boy », Pixar nous émeut avec « Le monde de Nemo » et « Matrix » sort ses suites. Pendant ce temps-là, en France, on a droit à « Taxi3 », « Le cœur des hommes 2 » et aux « Triplettes de Belleville ». Mais 2003 a surtout fourni un film hors du commun qui lancera la vague des « French Frayeurs » extrêmes tels que « Martyrs » de Pascal Laugier (déjà chroniqué sur ce site par notre chère Laetitia), « A l’intérieur » d’Alexandre Bustillo et Julien Maury (aussi chroniqué sur le site par votre serviteur) ou encore « Frontière(s) » de Xavier Gens (là aussi…ah bah non tiens, mais ça ne devrait pas tarder.) Ce film, qui va révéler aussi un auteur très doué dans le genre, s’appelle « Haute tension ».

Marie (Cécile De France) part à la campagne avec son amie Alex (Maïwenn) rejoindre les parents de celle-ci. C’est alors qu’elles se voient attaquées par un mystérieux agresseur, adepte de plaisirs buccaux prodigués par les têtes de jeunes demoiselles. Marie va alors tout faire pour sauver Alex, au péril de sa vie…

ATTENTION! CETTE CRITIQUE CONTIENT DES SPOILERS SUR « HAUTE TENSION »! IL VAUT MIEUX LIRE CELLE-CI APRES AVOIR VU LE FILM (QUI EST BIEN, RASSUREZ VOUS)!

Il se dégage du film d’Alexandre Aja une rage bouillonnante et violente se concrétisant à l’écran par une violence frontale encore marquante (notamment une décapitation dans des escaliers entrée dans les annales du gore). Mais cette rage, pas seulement issue de l’esprit d’un jeune réalisateur influencé avec son ami Grégory Levasseur par les films d’horreur des années 80, est aussi la thématique même du film avec le personnage de Marie, luttant tout le récit contre cette rancœur intérieure due à son insatisfaction sexuelle. Celle-ci se voit transposée en une figure mâle violente et étouffante qui finira par exploser au contact d’une famille « proprette » l’ayant déjà inscrite dans leur structure schématique qu’approuverait « le mariage pour tous » en tant qu’amie de la famille alors que Marie souhaite bien plus.

Marie affronte donc son propre subconscient (ce qui est déjà annoncé par son rêve au début du film) afin de montrer à l’être qu’elle aime sa valeur et la force de son amour. Si ce twist a déjà été vu dans d’autres récits, il trouve ici un sens particulier que beaucoup de personnes ont vite critiqué en le qualifiant d’inconsistant lors d’une seconde vision, notamment ces scènes où Marie et le tueur sont ensemble. Or il est évident que leur présence commune n’est qu’un outil cinématographique déjà utilisé par d’autres afin de camoufler ce retournement de situation, mais aussi pour bien mettre à l’écran cette confrontation psychique dans l’esprit de Marie tout en étant annoncé (est-ce qu’Alex semble réellement regarder Marie quand celle-ci tente à plusieurs reprises de la libérer alors que le tueur est là ? ) Quant à la scène de la « fellation », elle est simplement annonciatrice du cauchemar qui va s’abattre sur Alex et sa famille.

Ainsi, bien que « Haute Tension » fonctionne en tant que film d’horreur gore divertissant, il porte en lui un amour sincère et fou tel que peu de réalisateurs l’ont retranscrit à l’écran (le seul exemple venant en tête de votre critique étant le superbe « Alleluia » de Fabrice Du Welz, déjà chroniqué sur le site), préférant représenter ce sentiment de manière bien lisse et propre (pas besoin de donner d’exemples, il y a déjà assez de films confondant romantisme et overdose d’eau de rose fanée).

Rempli de scènes superbes (ah cette séquence en voiture avec « New born » de Muse en fond…) et une interprétation forte de la part de ses acteurs (peut-on parler de meilleur rôle de Cécile De France ? C’est à vous de juger), « Haute Tension » est un grand film de la part d’un réalisateur trop sous-estimé de la part d’un milieu où le cinéma de genre n’a aucune valeur (CF cette polémique que les Césars ne récompensent que trop rarement les comédies françaises alors que le cinéma de genre ne se voit quasiment jamais représenté dans les compétitions de ce style). Ce à quoi il faut répondre que « Haute Tension » a bien plus de cœur et de tripes que des films à plus gros budgets et certaines œuvres prétentieuses n’étant créées que pour les récompenses. Mais bon, il semble qu’il faudra encore attendre pour que ce genre de films soient vus à leur réelle valeur…