Dragons 2 de Dean Deblois

Fiche Technique:

Réalisateur: Dean Deblois

Casting: Jay Baruchel, Cate Blanchett, Gerard Butler, Craig Fergusson, America Ferrera, Jonath Hill, Christopher Mintz-Plasse ,T.J Miller, Kit Arington et Djimon Honsou

Budget: 145 000 000$

Date de sortie cinéma: 2 juillet 2014

Genre: Animation, Aventure, Famille

Nationalité: Américain

Durée: 1h43 min

Synopsis: Tandis qu’Astrid, Rustik et le reste de la bande se défient durant des courses sportives de dragons devenues populaires sur l’île, notre duo désormais inséparable parcourt les cieux, à la découverte de territoires inconnus et de nouveaux mondes. Au cours de l’une de leurs aventures, ils découvrent une grotte secrète qui abrite des centaines de dragons sauvages, dont le mystérieux Dragon Rider. Les deux amis se retrouvent alors au centre d’une lutte visant à maintenir la paix. Harold et Krokmou vont se battre pour défendre leurs valeurs et préserver le destin des hommes et des dragons.

4 ans après le chef d’œuvre  » Dragons  », la suite pointe le bout de son nez. Cette suite avait généré beaucoup d’attentes, car au vu de l’excellence du premier volet, cette suite se devait d’être au moins du même niveau et apporter de nouvelles thématiques pour enrichir celles du précédent film. Tout le casting vocal original est son retour, quelques petits nouveaux pointent le bout de leur nez. Kit Arington et Djimon Honsou rejoignent le casting, ainsi que la grande Cate Blanchett pour incarner la mère d’Harold. Au niveau de la réalisation Chris Sanders laisse le soin à Dean Debloirs (l’un des deux réalisateurs du premier long-métrage) de réaliser le film pour devenir seulement un des producteurs exécutifs du film.

Au final que vaut ce Dragons 2 ? Dean Deblois se débrouille-t-il bien en solo derrière la caméra ?

Le film de la maturité pour Dreamworks

Comme vous avez pu le constater, j’ai grandement apprécié Dragons 2, je le considère même comme un chef d’œuvre du film d’animation c’est pour dire l’impact qu’a eu le film sur moi. Tout d’abord ce que l’on constate en regardant ce long-métrage, c’est la puissance de la mise en scène de Dean Deblois. Le réalisateur québécois nous offre un plan iconique presque toutes les cinq minutes. Le metteur en scène laisse les plans se dérouler sans avoir recours à un montage rapide, ce qui nous permet d’apprécier la beauté des plans. Les scènes de vols entre Kromou et Harold en plus d’être vraiment touchantes à suivre, sont d’une virtuosité à couper le souffle. Les scènes mettant en valeur nos deux héros sont d’ailleurs vraiment plaisantes à suivre. Nous prenons du plaisir et de l’attachement dans leur quête de découverte au-delà du village de Beurk.

La beauté de Dragons 2 est tout d’abord, assez logiquement, purement visuelle. Le film est une merveille de chaque instant, développant une palette de couleurs qui semble inépuisable. Dès la première séquence, qui reprend la construction du premier film en présentant le village viking ayant légèrement évolué en 5 ans et avec la vie en communauté avec des dragons, c’est tout simplement magnifique. Les mouvements de caméra se font virevoltants, le bond technologique repousse encore les limites du photoréalisme des différents décors. Le long-métrage possède aussi de très beaux jeux de lumières sous la supervision de Roger Dikins.

En ce qui concerne les scènes d’action, c’est simple, elles sont maitrisées de bout en bout par la caméra de Deblois. Elles sont percutantes, épiques, dantesques, choisissez l’adjectif qui vous conviendra le mieux. Tout ceci est sublimé par l’incroyable beauté graphique du long-métrage. L’autre aspect du film qui est très réussi, c’est biensûr ses décors. On sent que le village de Beurk a une histoire derrière elle, toute la ville fourmille de vie. Le film pérennise très bien l’un des thèmes principaux du premier  film, à savoir l’union des deux espèces. Dans cette suite, nous voyons les dragons et les vikings vivre en harmonie: aide à la construction et aux rénovations des bâtiments grâce aux dragons, des tournois sportifs, etc… Cette union est riche symboliquement car elle fait appel aux qualités des deux espèces pour qu’elles vivent toutes les deux en harmonie.

Comme le montre l’image ci-dessus, on voit que notre maitre dragonnier a grandi, il a murit. La maturité est d’ailleurs l’un des thèmes principaux du film de Dean Deblois. Tout le long du film on nous montre un Harold en plein doute, il esquive volontairement son père Stoik qui veux que son fils sois son successeur en temps que chef de Beurk. Malgré que quelques années se soient passées Harold n’est pas sur de vouloir être chef du village, car à cause des responsabilités qu’entraine se rôle, son envie de découvrir le monde qui entoure Beurk serait à abandonner définitivement. Notre héros subit tout au long du film une sorte de transformation, car si au début toutes les responsabilités de chef sont un poids pour lui, elles deviendront une obligation pour lui suite à un événement tragique qui le poussera à prendre ses responsabilités.

En ce qui concerne la musique, James Powell nous signe des compositions vraiment poignantes et qui accompagne parfaitement l’action en fonction du contexte de la scène. Mention spéciale à la musique qui accompagne la scène des funérailles viking.

Comme le montre l’image ci-dessus, on voit que notre maitre dragonnier a grandi, il a mûri. La maturité est d’ailleurs l’un des thèmes principaux du film de Dean Deblois. Tout au long du film on nous montre un Harold en plein doute, il esquive volontairement son père Stoik qui veut que son fils soit son successeur en tant que chef de Beurk. Malgré les quelques années passées Harold n’est pas sûr de vouloir être chef du village, à cause des responsabilités de ce rôle, son envie de découvrir le monde qui entoure Beurk serait abandonnée à tout jamais. Notre héros subit tout au long du film une sorte de transformation car, si au début toutes les tâches de chef sont un poids pour lui, elles deviendront une obligation pour lui suite à un événement tragique qui le poussera à prendre ses responsabilités.

En ce qui concerne la musique, James Powell nous signe des compositions vraiment poignantes et qui accompagnent parfaitement l’action en fonction du contexte de la scène. Mention spéciale à la musique de la scène des funérailles viking.

Conclusion:

Dragons 2 est donc une excellente réussite tout cela, couplé à des valeurs fortes comme l’unité au fait de protéger les siens (son peuple, sa famille), à la richesse visuelle de l’ensemble, à la dose d’héroïsme nécessaire et à une poignée de séquences pendant lesquelles le temps semble s’arrêter, purs moments de contemplation à travers des plans magnifiques (un duel des 2 dragons Alpha, un homme qui retrouve sa femme…), mais également à la compréhension totale des étapes qui forment un être vivant (le deuil par exemple), tout cela fait de Dragons 2 une véritable merveille.

Premier Contact de Denis Villeneuve

Fiche Technique:

Réalisateur: Denis Villeneuve

Casting: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’brien et Tzi Ma

Budget: 50 000 000$

Date de sortie cinéma: 7  décembre 2016

Genre: Science-Fiction

Nationalité: Américain

Durée: 1h56 min

Synopsis: Lorsque de mystérieux vaisseaux venus du fond de l’espace surgissent un peu partout sur Terre, une équipe d’experts est rassemblée sous la direction de la linguiste Louise Banks afin de tenter de comprendre leurs intentions.

Premier Contact ou Arrival dans sa version originale est l’adaptation de la nouvelle de Ted Chiang: « l’Histoire de la vie ». Le long-métrage est réalisé par le très talentueux réalisateur canadien: Denis Villeneuve. Le cinéaste nous revient donc un an après l’anxiogène Sicario et trois ans après le très haletant et suffocant Prisonners, le réalisateur s’essaye à la science-fiction pour la première fois. Car Villeneuve est un réalisateur éclectique qui aime toucher à tout type de film, que ce soit un thriller avec Prisonners ou un policier comme Sicario. Pour mettre tout ce projet ambitieux en place, le metteur en scène canadien s’entoure d’Amy Adams (Batman V Superman, American Bluff) dans le rôle de Louise Banks, Jeremy Renner (Avengers, the Town) pour jouer Ian Donnelly, ainsi que Forest Whitaker (le dernier roi d’Ecosse, Zulu) pour interpréter le colonel Weber. Eric Heisserer est chargé d’adapter la nouvelle de Ted Chiang, Bradford Young succède après Roger Deakins au poste de directeur de la photographie. Le tournage du film commença au début du mois de juin 2015 pour s’achever 2 mois plus tard fin août 2015.

Le film sorti sur nos écrans le 7 décembre 2016, a reçu de nombreuses critiques élogieuses, mais au final il vaut quoi ce Premier Contact ?

Enfin un film de SF original et marquant

Premier Contact mérite totalement les critiques élogieuses à son encontre, et ce pour plusieurs raisons. Tout d’abord la grande qualité du film réside dans son scénario. Le film propose une approche différente des extraterrestres qui débarquent sur Terre, car dans la majorité des films de SF moderne, les aliens sont justes là pour nous exterminer. Ce qui donne lieu à de la destruction à grande échelle dans la joie et la bonne humeur pour notre plus grand bonheur. Pour une fois, enfin un film qui propose une approche beaucoup plus intimiste vis-à-vis des OVNI. Premier contact fait partie de ces films de SF qui privilégient le côté humain au spectaculaire, les réflexions et les questionnements par rapport à l’action et les émotions aux effets spéciaux.

Le film est porteur d’un message vraiment fort qui est celui de l’unification de l’humanité. Ce message prend vraiment sens lorsque l’on constate que tous les gouvernements concernés par le cas des aliens se partagent les données récoltées lors des tentatives de communications avec les extraterrestres. Biensur ce fameux moment qui a tout d’un rêve utopiste que l’on espérerait dans le monde réel est de courte durée car chaque pays va interpréter différemment le langage de ces ovnis.

Premier Contact aborde aussi un thème très intéressant qui est celui de la compréhension par le langage via les différents langages. Le film aborde une théorie intéressante qui est celle de Sapir-Whorf. Cette fameuse théorie expliquerait le fait que les représentations mentales dépendent des catégories linguistiques, autrement dit que la façon dont on perçoit le monde dépend du langage. Le film traite vraiment très bien cette théorie car les pays qui étudient et essayent d’établir un premier contact (tu as vu le jeu de mot, hein tu l’as vu ^^) avec ces formes de vies extraterrestres perçoivent différemment le message que veulent diffuser les aliens. Le film épouse donc bien cette théorie et l’exploite vraiment de fort belle manière et cela reste raccord avec le propos du film.

Pour une fois les extraterrestres ont un design original, ils ne sont pas humanoïdes. On sent l’inspiration sur certains animaux qui peuplent la Terre comme le calamar et la pieuvre. Vu que ces aliens n’ont pas une forme humanoïde, leur seul moyen de communication avec la race humaine passe par le langage écrit à l’aide d’une sorte d’encre noire même si sa composition reste inconnue et cette fameuse encre se matérialise sous la forme de représentations graphiques. Et là où cela devient encore plus intéressant c’est que leur orthographe est non linéaire. C’est-à-dire que leurs représentations graphiques pour communiquer peuvent se lire dans n’importe quel sens. Exemple: je m’appelle Valentin, selon le langage des heptapodes cette phrase peut se lire dans plusieurs sens. Ces aliens ne perçoivent pas le temps de la même manière que nous, c’est comme leur langage, le temps est perçu de manière non linéaire par les heptapodes.

Là où le film arrive à nous surprendre, c’est dans la manière avec laquelle l’histoire se déroule. Dans tous les genres de films ou du moins la plupart,  le récit suit un déroulement linéaire. C’est-à-dire qu’il va d’un point A à un point B. Sauf que dans ce film on se pose beaucoup la question s’il adopte un déroulement linéaire ou non-linéaire, car le personnage de Louise Banks se met à avoir des visions mais l’on ne sait pas si ce sont des flashbacks ou des flashforwards.

Denis Villeneuve: un virtuose de la mise en scène

Comme dans tous ses films, Villeneuve nous propose de suivre ses longs-métrages du point de vue du personnage principal et Premier Contact ne déroge pas à la règle. Villeneuve nous offre aussi des visuels tout simplement bluffants, la photographie du film est vraiment magnifique et renforce l’immersion du spectateur dans le long métrage. Denis Villeneuve gère aussi très bien ses effets spéciaux, mention spéciale aux vaisseaux de heptapodes qui sont sidérants de réalisme alors que le film n’a coûté que 50 millions de dollars, il utilise aussi beaucoup le plan-séquence lorsque l’on voit nos personnages se déplacer dans les locaux logistiques autour du vaisseau.

La musique composée par Johann Johannsson est vraiment transcendante, elle accompagne très bien le film et surtout, elle renforce la tension tout au long du film, car la terre est au bord de l’implosion à cause de l’arrivée des aliens.

Au niveau du casting c’est un sans-faute. Amy Adams crève littéralement l’écran et vole la vedette aux deux autres acteurs que sont Jeremy Renner et Forest Whitaker. Les deux acteurs sont vraiment très bien dirigés, ce qui renforce l’attachement vis-à-vis d’eux. Mais comme il est dit plus haut, c’est clairement Amy Adams qui porte le film sur ses épaules à elle toute seule.

Conclusion:

En bref Premier Contact de Denis Villeneuve est un véritable chef d’œuvre du 7ème art et tout particulièrement dans le genre de la science-fiction. Denis Villeneuve maitrise son film de A à Z, le rythme est une des grandes qualités du film, il n’y a aucun temps mort mais le film prend suffisamment son temps pour que l’histoire se déroule correctement. Le casting est vraiment excellent, les compositions de Johann Johannsson ainsi que la photographie de Bradford Young font partie aussi des grandes qualités du long métrage.

Pour conclure Blade Runner 2049 qui est prévu pour le 6 octobre 2017 est entre de très bonnes mains.

13 Hours de Michael Bay

Fiche technique:

Réalisateur: Michael Bay

Casting: John Krasinski, James Badge Dale, Max Martini, Pablo Schreiber, David Denman, Dominic Fumasa, Toby Stephens, Alexia Barlier et David Costabile

Budget: 50 000 000$

Date de sortie cinéma: 30 mars 2016

Genre: Biopic, Action, Guerre

Nationalité: américain

Durée: 2h25 min

Synopsis: Benghazi (Libye), 11 septembre 2012. Face à des assaillants sur-armés et bien supérieurs en nombre, six hommes ont eu le courage de tenter l’impossible. Leur combat a duré 13 heures. Ceci est une histoire vraie.

Quand on évoque Michael Bay, on pense tout de suite à la saga Transformers, son patriotisme exagéré, son amour ou son respect pour l’armée américaine (à vous de voir quel adjectif lui convient le mieux). Bay est un réalisateur qui ne cesse de diviser le public et les critiques. 2 ans après Transformers 4: l’Age de l’extinction, le metteur en scène américain revient sur le devant de la scène avec ce 13 Hours. Le long métrage nous raconte l’histoire vraie de six agents de sécurité qui durent défendre un centre d’information secret de la C.I.A tel château fort contre un très grand nombre d’assaillants non identifiés à Benghazi en Libye, peu de temps après le renversement du dictateur Khadafi . On pouvait penser que le réalisateur allait revenir à ses premiers amours en nous faisant un film patriote, et bien figurez-vous que le film est très loin de ce postulat et que Michael Bay pourrait bien vous surprendre. Michael Bay prouve que quand il a de plus petits budgets que les gros blockbusters qu’il a l’habitude de réaliser, il nous livre de bons films, voir de très bons films comme Pain and Gain et ce fameux 13 Hours. Comme je le précise précédemment, Bay nous livre de meilleurs films quand il dispose d’un plus faible budget. 13 Hours en est le parfait exemple, pour plusieurs raisons.

Un visage de l’Amérique que l’on ne voit pas souvent dans les films de guerres

Tout d’abord ce que l’on constate avec ce 13 Hours, c’est la façon avec laquelle est montrée les États-Unis. Contrairement à ce que l’on peut penser, le long métrage ne nous montre pas l’état américain comme un sauveur. L’Amérique est clairement montrée comme un invité illicite et surtout des invités malvenus dans ce pays, nos personnages le disent d’ailleurs à plusieurs reprises. La C.I.A apparait clairement un charognard faisant commerce d’informations et surtout d’intérêts avec un groupe de combattants libyens: le  »17 Février » (en référence au jour de la destitution du dictateur). La C.I.A et ce fameux groupe de combattants cherchent avant tout à récupérer les vestiges de Khadafi, car bien sûr les américains préfèrent avoir ce surplus d’armes entre leurs mains, que entre celles d’autres milices armées. La ville Benghazi se taille une atmosphère presque pesante, car le côté urbain de la ville apparait comme une sorte de spectre tapit dans l’ombre près à frapper à tous moments. Cette ville, sans loi ou presque, devient alors une inéluctable escalade à la violence que Bay prend un plaisir à mettre en scène tout en rendant hommage aux corps armés qui est une pierre angulaire de son cinéma.

Là est la complexité du long métrage : dans un chapeau nous avons un groupe de soldats surentrainés luttant héroïquement pour défendre une poignée d’Américains sans défense dans ce pays en proie à la guerre civile avec les différentes milices de la ville qui se disputent les restes du pouvoir de l’ex dictateur déchu, et dans l’autre, le fait qu’ils soient abandonnés à leur sort par le propre gouvernement qu’ils servent aveuglément. Mais c’est bien connu, l’Amérique aime autant ses héros déchus ou non reconnus. Michael Bay en devient presque complexe sur le plan politique, cela donne du fond à son film et ne le fait pas se contenter d’un exercice de style hommage aux classiques du genre.

Des antagonistes très bien traités et bien illustrés

L’autre atout de 13 Hours est sans aucun doute, la façon dont le film nous présente ses antagonistes. Ces fameux assaillants sont constamment montrés dans l’ombre (Ils sont en réalité le fameux spectre de la ville qui peut surgir à n’importe quel instant). Là où n’importe quel film de guerre américain nous aurait montré ces antagonistes comme de simples terroristes, Bay fait le choix de ne pas nous montrer dans quel camp se trouve ces personnes. Michael Bay nous les montres presque comme des combattants avec des motivations louables, car ils considèrent les États-Unis comme une plaie pour la reconstruction de leur pays et ils ne veulent évidemment pas que le gouvernement américain s’immisce dans leurs affaires. D’ailleurs dans tout le long métrage, l’Amérique est montrée comme un parasite en Libye, chaque symbole représentant les États-Unis est brûlé ou criblé de balles comme chaque drapeaux américains présents dans le film.

Bay se régale au niveau de la réalisation

Qui dit film d’action réalisé par Bay, dit forcément action testostéronée mais dans ce film l’action est testostéronnée dans le bon sens du terme. On retrouve beaucoup de mimiques du réalisateur, comme son fameux plan circulaire, ses ralentis et sa caméra qui aime se faufilée et rentrer dans des petits espaces. Bay nous propose aussi un joli Money Shot, qui nous montre le départ d’un mortier de son chargement dans l’arme jusqu’à son impact au sol qui est vraiment superbe et qui n’est pas sans nous rappeler le fameux plan du missile dans Pearl Harbor. Le montage est vraiment très bien découpé, l’utilisation de la caméra à l’épaule est utilisée judicieusement. Les scènes d’action sont toutes très bien filmées et lisibles, tout ceci est aidé par le montage du film qui est irréprochable pour le coup. On retrouve aussi un très bon jeu des couleurs et des lumières, on peut voir différents types d’éclairages qui virent du bleu au vert etc.. Le côté sombre du film sert à nous montrer les antagonistes et le côté lumineux pour nos héros.

Pour conclure 13 Hours est une belle réussite de son réalisateur: Michael Bay. Ce long-métrage vient sans problème se hisser sur le podium de ses meilleurs films à côté de Pain and Gain et The Island. Le film nous montre un visage différent de l’Amérique, les antagonistes sont très bien traités, les scènes d’action sont percutantes, en bref un film d’action de divertissement intelligent que nous signe Michael Bay (le film s’est d’ailleurs classé dans mon top de l’année 2016).

Rush de Ron Howard 

Fiche Technique:

Réalisateur: Ron Howard

Casting: Chris Hemsworth, Daniel Bruhl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara, Pierfrancesco Favino, Nathalie Dormer, Christian McKay et Stephen Mangan

Budget: 38 000 000$

Date de sortie cinéma: 25 septembre 2013

Genre: Biopic, Drame

Nationalité: Américain, Allemande, Britannique

Durée: 2h03 min

Synopsis: RUSH retrace le passionnant et haletant combat entre deux des plus grands rivaux que l’histoire de la Formule 1 ait jamais connus, celui de James Hunt et Niki Lauda concourant pour les illustres écuries McLaren et Ferrari. Issu de la haute bourgeoisie, charismatique et beau garçon, tout oppose le play-boy anglais James Hunt à Niki Lauda, son adversaire autrichien, réservé et méthodique. RUSH suit la vie frénétique de ces deux pilotes, sur les circuits et en dehors, et retrace la rivalité depuis leurs tout débuts.

                                                                                                                                             Un long métrage lancé à plus de 200 km/h

Rush était sans aucun doute l’un des meilleurs films de l’année 2013, dépassant sa seule condition de biopic sur la rivalité entre deux sportifs de légende du monde de la Formule 1, pour pouvoir embrasser des thématiques bien plus grandes sur l’homme, sur sa folie, sur le dépassement de soi, sur l’expérience du flirter avec la mort et de voir l’intensité qu’il peut s’en dégager. Le film est intense, angoissant, poignant, spectaculaire et viscéral. Le long métrage permet aux acteurs Chris Hemsworth et Daniel Bruhl de livrer leur meilleure performance à l’écran. Le film est aussi une claque visuelle et sonore.

Ce que l’on constate en regardant ce long-métrage, c’est son ambiance. L’ambiance de la Formule 1 des années 70 et fin 70 est très bien retranscrite. Que ce soit sur la piste avec les pilotes et leurs monoplaces et en dehors. C’est-à-dire que même aux stands, nous avons l’impression d’être plongé dans cet univers, l’immersion est totale. Le bruit des moteurs sont sidérants de réalisme. Pour les possesseurs de gros systèmes home-cinéma: mettez le son à fond car le bruit que produisent les F1 est monstrueux. Les scènes de courses sont vraiment bluffantes, le montage de ces dites scènes est très bien découpé, on passe à plusieurs points de vue, que ce soit celui de James Hunt ou Nikki Lauda. La caméra est elle aussi très bien positionnée, car on alterne beaucoup avec différents plans sur la F1. Parfois, la caméra est placée sur l’aileron avant ou arrière, dans l’habitacle entourant la partie mécanique, ainsi que des plans serrés sur le casque de nos deux pilotes principaux.

Comme il est dit ci-dessus, le film est bien plus qu’un simple biopic sur deux pilotes de F1. C’est un long métrage qui aborde des thématiques vraiment intéressantes et qui font clairement écho à ce que vivent les pilotes lors des grand prix. Le thème de la folie est aussi abordée. Là où ce thème est intéressant et bien traité, c’est que la folie est vue différemment par nos deux personnages principaux. Nikki Lauda est quant à lui très mesuré sur la folie, car c’était un pilote voulant prendre le moins de risque possible et perfectionne sa monoplace dans les moindres détails. C’est tout le contraire du côté de James Hunt, qui est un fonceur qui ne se pose aucune question. Pour lui seul compte la victoire, peu importe le prix à payer et peu importe à quel point il peut frôler la mort. « Rush » traite aussi du dépassement de soi, le dernier grand prix qui se déroule au Japon où nous suivons Hunt luttant de toutes ses forces pour pouvoir être champion du monde en est le parfait exemple. Car tout le long de cette séquence, le personnage prend des risques inconsidérés tout en faisant abstraction du mauvais temps qui rend la course encore plus dangereuse, quitte à en frôler la mort. C’est tout le contraire de Nikki Lauda qui préfère abandonner la course pour ne pas revivre le terrible accident qu’il avait subi sur le circuit allemand du : » Nurburgring  » aussi surnommé  »le cimetière de pilotes ». Car quand le personnage de Lauda subit son fameux accident, on pense que le personnage va mourir. Mais c’est sans compter sur la ténacité dont fait preuve le personnage pour pouvoir reprendre le volant, alors qu’il est brulé sur une grande partie de son visage et qu’il subit quotidiennement des lavages de poumons qui sont encore plein de substances dangereuses.

La rivalité entre les deux pilotes est sans aucun doute l’une des principales qualités du film. Car là où cette rivalité est intéressante et plaisante à suivre, c’est que ces deux adversaires se respectaient mutuellement. Quand l’un faisait un meilleur résultat que l’autre, l’un des deux devait repousser ses limites pour faire encore mieux. Et comme le dit si bien Nikki Lauda en fin de film, Hunt était le seul pilote qu’il respectait car comme lui, il vivait à 100% sa passion et tout ce qui en découle.

Au niveau de sa mise en scène, Ron Howard nous offre un film vraiment léché visuellement. C’est-à-dire que le film prend place dans des décors qui nous donnent vraiment l’impression d’être à l’époque où ces deux légendes de la Formule 1 se battaient pour le titre de champion du monde. Tout est lisible dans ce long métrage, les différents angles de caméras nous permettent de suivre les courses avec une très grande lisibilité. Même les scènes de dialogues sont très bien écrites, mention spéciale aux textes que doit jouer Daniel Bruhl qui sont d’une grande subtilité qui correspondent très bien au personnage de Lauda, quant à Chris Hemsworth, les dialogues cherchent avant tout à mettre l’acteur en valeur au vue de sa carrure imposante et qui collent eux aussi très bien à son personnage qui est extrêmement arrogant. Le film possède aussi d’excellents jeux de couleurs et de lumières, notamment lorsque l’on alterne entre les grands prix que les deux pilotes ont disputé.

Du côté de la musique, c’est simple, Hans Zimmer= le nouveau John Williams. Le compositeur, déjà à l’œuvre sur des bandes originales telles que celles de  »The Dark Knight »,  »Inception », nous signe des compositions vraiment très entrainantes qui font comme-ci le spectateur était happé dans cet univers.

En ce qui concerne le casting, aucune fausse note à déplorer. La palme de la meilleure performance revient à Chris Hemsworth et Daniel Bruhl qui viennent sûrement de nous livrer leurs meilleures performances à l’écran. Chris Hemsworth conserve les mimiques qui faisaient tout son charme dans les films Marvel dans le rôle de Thor, en effet l’acteur en imposait beaucoup à l’écran. Mais dans Rush son jeu est plus en subtilité et porté sur l’émotion notamment la scène où son personnage se soûle pour oublier sa fin de carrière dans la F1 suite à la fermeture de son écurie. Daniel Bruhl est également tout en subtulité, l’accent allemand de l’acteur donne un charme authentique à son personnage qui est de base autrichien. Les acteurs et actrices dans des rôles secondaires sont eux aussi excellent. je retiendrais surtout trois acteurs, dont deux actrices et un acteur. Olivia Wilde qui joue l’épouse de Hunt, Alexandra Maria Lara qui est vraiment très touchante dans le rôle de l’épouse de Lauda et l’acteur Christian McKay qui interprète le chef de la première écurie de Hunt. L’acteur possède quelques dialogues vraiment savoureux, ainsi qu’un jeu typiquement British qui fonctionne du tonnerre dans le film.

Pour conclure, Rush est une véritable réussite de son metteur en scène Ron Howard, qui aura su très bien diriger ses acteurs, gérer sa mise en scène et aussi apporter des thématiques vraiment intéressantes qui sont en lien avec le propos du film. Hans Zimmer nous signe une excellente composition, Anthony Dot Mantle nous livre une photographie sidérante de réalisme qui rappelle très bien les années 70. Bien sûr, le long métrage ne serait rien sans son casting tout simplement magistral, Hemsworth et Bruhl sont en  »pôle position »(désolé pour le jeu de mot ^^). En bref, une réussite totale qui vient s’inscrire parmi les meilleurs biopics réalisés à ce jour.

L’interview qui tue de Seth Rogen et Evan Coldberg 

Fiche Technique:

Réalisateur(s): Seth Rogen et Evan Coldberg

Casting: Seth Rogen, James Franco, Lizzy Caplan, Randall Park et Diana Bang

Budget: 44 000 000$

Date de sortie cinéma: 28 Janvier 2015

Genre: Comédie, Action

Nationalité: Américain

Durée: 1h52 min

Synopsis: Un animateur de talk show et son producteur se retrouvent impliqués dans un complot meurtrier à l’échelle internationale.

Dieu que j’adore Seth Rogen et Evan Coldberg, ils ont un humour qui me parle, et qui me touche à chaque film. Donc quand ces deux messieurs ont annoncé vouloir faire un long métrage se moquant du dirigeant de la Corée du Nord, j’ai tout de suite été hypé par le projet. En plus quand on confirme James Franco et Lizzy Caplan au casting, j’étais tout simplement aux anges. C’est Randall Park qui fut choisi pour jouer le rôle fatidique du film: incarner le dirigeant Kim-Jong Un. Malheureusement le film a connu quelques petites mésaventures et pas des moindres. Apprenant cette nouvelle, le régime nord-coréen a tout de suite mis la pression pour que le film soit annulé, car selon eux le long métrage portait atteinte à l’image du guide suprême. Pour ne pas arranger les choses, Sony (producteurs du film) ont subi une attaque de leurs bases de données, ce qui poussa Sony a distribué le film dans peu de salles. 

Mais au final, malgré tout ce remue-ménage que vaut le film ? Est-ce la comédie irrévérencieuse et critique que l’on attendait ? 

Mettons donc tout l’aspect « scandaleux » de côté, pour nous intéresser au film lui-même.

« L’Interview qui tue », avec son outrance totalement assumée, ainsi que son humour riche en référence, s’inscrit dans la pure tradition des films avec (ou de) Seth Rogen. Dès le début, avec une fausse interview d’Eminem, célèbre rappeur américain, le long-métrage donne déjà le ton et jamais il ne déviera de son cahier des charges de toute façon fait pour ne pas plaire à tout le monde. Le film est clairement destiné aux personnes aimant l’humour de Seth Rogen et Evan Goldberg.

« L’Interview qui tue » part dans tous les sens, et ne recule devant aucune blague bien grasse. Mais s’il manie avec brio un humour qui tâche, le film de Seth Rogen et d’Evan Goldberg, à l’instar de leur précédent et excellent « C’est la Fin », axe aussi sa dynamique sur l’amitié qui unit les deux héros joués par James Franco et Seth Rogen. Les films de cette génération de comédiens cherchent à retranscrire à l’écran une émotion inhérente à l’attachement entre des acteurs qui évoluent et progressent ensemble hors caméra. Seth Rogen et James Franco, mais aussi Lizzy Caplan, se connaissent bien et offrent à cette œuvre frondeuse un naturel qui va au-delà de l’histoire qu’elle raconte. On peut y être allergique mais on peut aussi apprécier le fait que quoi qu’ils jouent, ces acteurs ne font jamais semblant de bien s’entendre, conférant du même coup à leurs films, une authenticité désuette des plus appréciables.

De quoi y aller franco quand il s’agit d’exploiter les moindres pistes d’un script assez souple. Celui-ci s’autorise tous les excès, qu’ils se situent dans les dialogues ou dans l’action. Là encore, le film peut s’avérer vraiment rejetant quand on n’apprécie pas particulièrement l’humour inhérent des deux metteurs en scène, mais aussi et surtout spécialement jubilatoire quand on aime. Du côté de l’action pure et dure, le délire aussi est de mise, avec un dernier quart complètement what the fuck, durant lequel tous les enjeux explosent. Au propre comme au figuré.

Cloud Atlas des soeurs Wachowski et Tom Tykwer

Fiche Technique:

Réalisateurs ou réalisatrices: Les soeurs Wachowski et Tom Tykwer

Casting: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Whishaw, Keith David et Hugh Grant

Budget: 100 000 00$

Date de sortie cinéma: 13 mars 2013

Genre: Science-Fiction, Drame, Thriller

Nationalité: Américain, Allemand, Hong-Kongais, Singapourien

Durée: 2h45 min

Synopsis: À travers une histoire qui se déroule sur cinq siècles dans plusieurs espaces temps, des êtres se croisent et se retrouvent d’une vie à l’autre, naissant et renaissant successivement… Tandis que leurs décisions ont des conséquences sur leur parcours, dans le passé, le présent et l’avenir lointain, un tueur devient un héros et un seul acte de générosité suffit à entraîner des répercussions pendant plusieurs siècles et à provoquer une révolution. Tout, absolument tout, est lié.

Peu de réalisateurs et réalisatrices peuvent se vanter d’avoir marqués le cinéma, d’être en avance sur leur temps. Ces fameux visionnaires sont peu présents dans l’industrie du cinéma. Aujourd’hui avec Cloud Atlas, les Watchoswki sont entrées dans ce club très fermé. Après le chef d’œuvre qu’était la Trilogie Matrix et après le très sous-estimé Speed Racer, les deux sœurs, cette fois accompagnées de Tom Tykwer viennent de nous livrer l’une des œuvres les plus haletantes, l’une des œuvres les plus maitrisées qu’il m’ait été donné de voir. Cloud Atlas est sans aucun doute ce qui qualifie le mieux le cinéma de Wacthowksi et qui pourtant vient d’un récit qui n’est pas le fruit de leur imagination. Avec la Trilogie du Seigneur des Anneaux de Peter Jackson, Cloud Atlas est un des exemples de comment adapter un roman sur grand écran. Le long métrage est sans doute l’un des films les plus fous, les plus ambitieux et les plus maitrisés qu’on est vu au cinéma depuis belle lurette.

Il y a des films qui vous marquent dès le premier visionnage, que ce soit par leur ampleur, par une certaine forme de perfection, par la justesse de leur propos et ce qui parviennent à toucher au plus profond du cœur du spectateur. Cloud Atlas fait clairement partie de ces types de longs métrages. Des films devant lesquels les plus cyniques d’entre nous doivent s’avouer vaincu et reconnaitre la maestria du long métrage. Des films qui nécessitent un revisionnage pour en capter toute l’essence, mais qui malgré ça restent toujours inépuisables. Cloud Atlas, de la même façon que l’était la trilogie Matrix, est de cette race de films rares, comme on en croise un part décennie, avec un peu de chance. Sur le fond, le film n’est pas un projet original car il s’agit d’une adaptation du roman déjà exceptionnel de David Mitchell « Cartographie des nuages ». Pourtant, à la lecture du pavé, en abordant une structure et un propos multiple, il était donc évident que ce roman allait être adapté en film tôt au tard, mais qu’il prenne forme sur le grand écran derrière la caméra des sœurs Wacthwoski était définitivement la meilleure chose qu’il pouvait arriver à ce roman. Absolument tout le cinéma des deux sœurs est présent, mais également leur histoire personnelle.

Dans Cloud Atlas, les différentes strates du récit se répondent en permanence, les barrières entre chaque époque tombent sont extrêmement bien gérées, un personnage d’un récit et d’une époque différente peut intervenir pour faire avancer la trame d’un autre récit et ainsi de suite. Au niveau du casting c’est un sans-faute, tout simplement un sans-faute. Les deux réalisatrices ont très bien dirigé les acteurs et actrices. La palme revient à un Tom Hanks des grands jours, une Halle Berry pleine d’énergie, une Doona Bae totalement envoûtante, un Jim Broadbent vraiment très drôle et surtout un Ben Whishaw tout bonnement magistral.

Il interprète très bien les différents personnages qu’il doit jouer. Que ce soit Mr Ewing à l’époque coloniale quand il fait preuve de clémence envers l’esclave clandestin du navire. Mais là où sa performance est la plus brillante et maîtrisée reste celle où il joue Robert Frobisher dans les années 1930. On sent le dilemme qui habite le personnage entre son rêve de composer le morceau parfait et le fait d’avoir une vie normale avec Rufus Sixsmith car les deux hommes partagent une relation, mais à cette époque les mentalités n’étaient pas très évoluées et le fait d’être homosexuel été très mal vu. La dernière scène mettant en scène ces deux personnages est d’ailleurs bouleversante. Tous les autres personnages sont écrits avec une réelle finesse, mais tellement qu’ils sont nombreux à différentes époques, je ne pourrais tous vous les citer.

Les sœurs Watchowski et Tom Tykwer nous offre une mise en scène vraiment léchée visuellement (la marque de fabrique des deux sœurs). Les deux réalisatrices nous offre des plans de toute beauté, alternant entre plans réels (notamment les plans sur l’île) et des plans entièrement numériques surtout quand l’action se déroule à Néo-Séoul qui respire le cyberpunk inspiré de Blade Runner quand nous sommes dans les bas-fonds de la ville qui rappelle Coruscant quand nous avons des plans aériens de la ville.

La musique signée par Tom Tykwer, Johnny Klimek et Reinhold Heil est à l’image du personnage joué par Doona Bae: envoûtante. Les compositions réalisées accompagnent très nos personnages, et sont à chaque fois en raccord avec l’époque dans laquelle nos personnages se trouvent.

Pour conclure, Cloud Atlas est une œuvre majeure du cinéma qu’il faut avoir vu. Les Watchowski nous signent une nouvelle réussite digne de la trilogie Matrix. Le film ne serait rien sans ses acteurs tout simplement magistraux dans leurs rôles, ainsi que les musiques qui vous entraîneront dans ces univers tout bonnement magiques et très riches de détail. En bref une réussite totale.