Réalisé par Abel Gance

Sorti en 1923

Avec : Séverin-Mars, Ivy Close, Gabriel de Gravone, Pierre Magnier

Genre : Drame

Le cinéma est un art qui permet de donner un poids aux images. C’est l’art de magner les images, de leur offrir un rôle narratif.
Le cinéma muet a offert cette possibilité en se servant de l’absence de son et de voix pour créer une narration purement visuelle. Un de ces plus grands narrateurs est sans aucun doute Abel Gance.

Avec la Roue, Abel Gance réalise un film d’une grandeur inimitable et monstrueuse. Ici, le drame côtoie l’ambition artistique et la démesure.
Film de quasiment 7 h, La Roue raconte la destinée tragique et mortifère de Sisif, mécanicien-chef sur un chemin de fer.
Lors d’un accident de train, il sauve une petite fille orpheline appelée Norma qu’il adoptera sans le lui révéler. Elle pensera donc être sa véritable fille et frère du fils de Sisif, Elie.
Au fur et à mesure que Norma grandit, Sisif commence à éprouver un désir pour celle-ci et va sombrer dans une folie mortifère.

Avec cette trame, Abel Gance développe une réalisation d’une grande maîtrise qui permet de donner corps au récit et d’emporter le spectateur dans cette démarche infernale sans fin. Le motif de la roue permet d’accentuer ce mécanisme.
Ce motif prend vie avec cette mise en scène parsemée de surimpressions, mouvements de caméra évoquant le mouvement de la roue, citation d’œuvres littéraires, etc.

L’utilisation de la roue permet donc d’appuyer l’aspect dramatique du film de Gance. La caméra fusionne avec la narration écrite pour créer une passerelle entre le spectateur et le médium filmique.
Les envolées lyriques sont bouleversantes et permettent une implication émotionnelle totale.

Les acteurs y sont bouleversants et totalement possédés par le film. Mention spéciale à l’immense Séverin-Mars qui incarne un Sisif absolument bouleversant. Ivy Close incarne également une Norma complètement perdue dans le mécanisme de la roue.

La Roue d’Abel Gance est un chef d’œuvre qu’il faut absolument redécouvrir ou découvrir sachant qu’il est sorti depuis le 24 juin dans une édition absolument fabuleuse éditée par Pathé distributions sachant que c’est une restauration 4k du film dans un montage qui se rapproche le plus de celui souhaité par Abel Gance. L’édition est accompagnée d’un livre sur le film et sa restauration et de nombreux bonus.

La Roue symbolise clairement un passage vers un autre type de cinéma, celui de la grandeur artistique. Il est donc nécessaire de se jeter sur ce trésor oublié qui refait surface !

Deux films de Nanni Moretti

Bianca

Réalisé par Nanni Moretti

Sorti en 1983

Avec : Nanni Moretti, Laura Morante, Claudio Bigagli, Roberto Vezzosi

Genre : Comédie Dramatique

La messe est finie

Réalisé par Nanni Moretti

Sorti en 1985

Avec : Nanni Moretti, Marco Messeri, Margarita Lozano, Ferruccio De Ceresa

Genre : Comédie Dramatique

Le cinéma italien a été particulièrement productif à une certaine époque. Il a mis en lumière d’immenses cinéastes de tout genre avec des approches variées.
Nanni Moretti en est un des représentants.

Carlotta a sorti le 1er juillet 2020 un magnifique coffret qui regroupe deux films de Nanni Moretti, Bianca et La messe est finie.
Au delà d’être un simple coffret c’est surtout un choix particulièrement cohérent de la part de l’éditeur puisque ces deux films se complètent.

En effet, les visées et thématiques de Bianca et de La messe est finie sont complémentaires. Dans les deux films on retrouve un personnage incarné par le cinéaste lui-même qui est obnubilé par la volonté de faire le « bien » selon ses propres conceptions morales.

Dans Bianca il s’agit d’un professeur de mathématiques qui possède des tics maladifs qui vont le précipiter dans une folie destructrice. Il souhaite tellement faire le bien et rendre son entourage heureux selon ses propres valeurs qu’il en vient à sombrer dans une violence profondément sauvage.
Ce personnage devient donc un misanthrope quasi justifié puisque les autres protagonistes qui le répugne sont rendus détestables.

La messe est finie repose aussi sur le même concept en choisissant comme protagoniste un prêtre qui revient dans sa ville natale et va découvrir que son entourage est dominé par le « mal » et la douleur. Contrairement au professeur il ne sombrera pas dans la violence mais la subira. Le spectateur sera témoin d’un prêtre qui n’arrive plus à sauver les gens et les remettre dans un droit chemin. Le prêtre sera maîtrisé, violenté , torturé moralement et physiquement.
La figure du prêtre permet donc de livrer un constat particulièrement dur de la société italienne moderne. Il filme l’échec du socialisme et se permet d’osciller entre la tragédie et la comédie comme avec Bianca.

Il y aurait tant à dire sur ces deux œuvres fabuleuses et profondément bouleversantes. L’auteur de ces lignes ne peut que vous inviter à se procurer cette magnifique édition parsemée de bonus très intéressants et proposant une très belle restauration.

Donc, Viva Nanni !

Réalisé par Sydney Pollack 

Sorti en 1982

Avec : Dustin Hoffman, Jessica Lange, Teri Garr, Dabney Coleman

Genre : Comédie

Michael Dorsey est un bon comédien, cependant il s’avère être au chômage. Son exigence a tendance à jouer contre lui et ne lui permet pas l’accès à de bons rôles.
Après avoir accompagnée une amie à une audition pour jouer un rôle féminin qui y sera refusée, il se rend chez son agent qui lui reproche son manque d’indulgence et sa volonté de faire des mauvais choix. C’est ainsi que Michael va décider de se travestir et ainsi devenir Dorothy Michaels pour passer l’audition et démontrer qu’il sait tout faire. Il est engagé et deviens très vite, à travers son personnage, une célébrité.

Ce qui frappe de suite avec le film de Sydney Pollack est la force évocatrice qui se dégage de cet essai à la comédie. Il réalise une œuvre particulièrement réussite que ce soit pour sa façon de penser le gag ou l’extravagance du personnage incarné par Dustin Hoffman. Pollack gère très bien l’atmosphère décomplexée de Tootsie mais se permet également de créer une certaine gravité en ajoutant une approche politique très fine.

En effet, Tootsie traite à la fois de la place de l’acteur et celle des femmes dans le milieu artistique . D’ailleurs le personnage que va incarner Dorsey est très émouvant et rempli d’humanité ce qui est tout le contraire de lui-même. Ce travestissement va donc créer une dualité qui apportera beaucoup à Michael.
Sa vie se verra donc chamboulée. Il sera finalement prisonnier de son propre piège au moment où il fera la rencontre d’une collègue de tournage dont il tombera amoureux.
Le mensonge ne sera donc pas éternel et il faudra forcément révéler sa véritable identité. En cela Pollack arrive très bien à rendre compte du poids de la manœuvre de Michael.
Il se servira également de ce mensonge pour être très critique envers le milieu du show-business.

Tootsie est ressorti chez Carlotta le 17 juin 2020 dans dans des éditions « simples » Blu Ray et DVD mais également en coffret ultra collector. L’ultra collector est composée d’un livre inédit de 160 pages incluant 50 photos d’archives. Les bonus sont très variés puisqu’il y a le making off de Tootsie, des scènes coupées, des essais vidéos de Dustin Hoffman (making off et scènes coupées exclusifs à l’édition blue-ray) et 3 bandes annonces.

Il faut absolument se jeter sur Tootsie qui est une très belle œuvre de la part d’un cinéaste hollywoodien très important.

Réalisé par John Hough

Avec : John Cassavetes, John Ireland, Kerrie Keane, Erin Noble

Sorti en 1982

Genre, Thriller, Horreur 

Le cinéma d’horreur regorge d’œuvres fascinantes dont les approches sont particulièrement variées.
C’est le cas d’Incubus sorti en 1982 et réalisé par John Hough déjà derrière l’excellent La Maison des Damnées.

Incubus raconte l’enquête menée par un médecin et un shérif sur d’étranges meurtres et viols sur de jeunes femmes. Cette affaire s’aventurera dans les limbes du fantastique qui dépassent les protagonistes.

Le fantastique va s’immiscer de manière intrusive pour dévoiler un final d’un grande ampleur visuelle. Le film change donc de genre puisqu’il passe du thriller policier pour aller vers un pur film d’horreur.

Hough choisit de ne pas dévoiler tout de suite le tueur et se sert de la caméra subjective pour créer un sentiment de malaise. Le spectateur se retrouve dans les yeux du tueur sans savoir qui il est vraiment. Son identité est dissimulé, au point de refuser de filmer ses mains.
Ce processus rappel d’une certaine manière le travail de Dario Argento qui avait aussi tendance à utiliser la caméra subjective pour créer une interaction avec le spectateur.

Avec Incubus, le spectateur s’avère donc prisonnier d’une infernale tourmente qui ne prendra fin qu’au dénouement du film. Hough jouera sur une forme de subtilité pour donner de la force à son long-métrage.

L’utilisation du thriller permet donc de créer une mensonge sur le déroulement du film qui commence comme un pur film de traque du meurtrier pour se conclure sur une note horrifique surpuissante et dérangeante. L’apport fantastique pourrait d’ailleurs être pris comme une métaphore qui collerait au visage du meurtrier et ses intentions.

Le casting est en plus très bon sachant que John Cassavetes incarne avec brio le médecin lancé à la poursuite de l’horrible assassin. Il joue avec son physique pour créer un personnage inquiétant voir repoussant mais aussi émouvant.

 Rimini sort le film dans une belle édition restaurée le 26 juin accompagnée de multiples bonus dont des interviews des membres de l’équipe qui a tournée le film et en plus de cela un livret.

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                             Incubus est un film qui vaut largement la découverte que ce soit pour son ambiance ou son approche du genre horrifique.

Réalisé par Saul Bass

Pays États-Unis

Année 1974

Casting  Nigel Davenport, Michael Murphy, Wesley Jonathan

Genre Science-fiction

L’avis de Liam :

Carlotta nous propose de découvrir l’unique réalisation de Saul Bass, artiste derrière des génériques de films mythiques .

Ernest Hubbs, un biologiste anglais, observe un dérèglement du comportement des fourmis dans une vallée de l’Arizona. Des espèces autrefois en conflit se mettent à communiquer entre elles, tandis que les prédateurs habituels disparaissent de façon inquiétante. Le professeur recrute le scientifique J.R. Lesko, spécialiste du langage, pour étudier ce curieux phénomène. Ce qu’ils vont bientôt observer sur place dépasse l’entendement…

Saul Bass est ainsi plus connu pour des génériques que pour son seul passage derrière la caméra et c’est bien regrettable tant son Phase IV est passionnant. On pourrait ainsi souligner « l’horreur » de l’ouverture, se concentrant sur le fonctionnement de réelles fourmis, nous introduisant ainsi aux événements qui vont suivre par un regard documentaire qui fait doucement frissonner. Nous ne sommes pas ainsi dans le film de créatures à la « Arac Attack » ou autres jouant plus sur de la série Z rigolarde mais sur une vraie dimension tendue par la gestion de ses fourmis.

Ainsi, on pourrait parler d’une absence tangible d’action et d’une concentration dans la narration sur la partie scientifique et la crainte de la menace à venir. On sent ainsi que le budget étriqué a été mis à profit plus pour une menace anti spectaculaire mais néanmoins visuellement forte. La mise en scène de Saul Bass est loin de la froideur de ses personnages principaux, dont la nature scientifique met bien à distanciation tout rapport émotionnel quant à une future extermination par une intelligence collective.

Carlotta sort ce film aussi bien dans des éditions « simples » Blu Ray et DVD mais également dans ses fameux coffrets ultra collectors que l’on ne peut que recommander à chaque fois par leurs qualités remarquables, que ce soit la technique ou les suppléments. Ceux-ci sont ici une fin alternative originalement prévue par Saul Bass, un entretien avec Jasper Sharp et Sean Hogan, des courts-métrages de son réalisateur et un livret de 200 pages pour accompagner la (re)découverte du long-métrage.

On regrette donc de ne pas avoir pu découvrir plus de travail de Saul Bass en tant que metteur en scène tant son « Phase IV » parvient à être doucement et purement inquiétant. De quoi nous faire regarder les fourmis d’un autre œil par la crainte peu à peu grandissante que le film parvient à nous faire partager sans moyen possible d’y échapper…

L’avis de Nicolas :

Des fourmis, des scientifiques,une invasion.
Voici ce qui caractérise la trame de l’unique film du grand graphiste Saul Bass.
Saul Bass est connu pour être à l’origine de plusieurs affiches et génériques de films connus.
Il a beaucoup travaillé pour Alfred Hitchcock et est à l’origine du mythique générique de Psychose.

Il s’attaque donc à la réalisation après quelques courts métrages. Avec Phase IV il offre un film de science-fiction particulièrement passionnant et fascinant.
Il s’empare d’un sujet et d’une histoire qui pourrait paraître grotesque puisque celui-ci ce concentre sur un long processus d’invasion de l’espèce humaine par des fourmis.
Avec un résumé pareil Saul Bass aurait pu tomber dans une illustration limitée et boursouflée du concept.

Ce n’est pas le cas, au contraire Bass s’intéresse vraiment au concept de l’invasion et va filmer de face les fourmis à l’aide d’un procédé de caméra. Il ancre donc le film dans le quasi-réel en lui ajoutant une forme documentaire. Le film s’ouvrira donc sur des fourmis et la voix d’un narrateur décrivant leur processus d’invasion ainsi que leur fonctionnement militaire.

Bass choisira de construire le film comme un huis-clos où deux scientifiques reclus dans un bâtiment vont étudier et lutter contre l’avancée des insectes. Il construira des personnages intéressant et attachants mais se permettra également de créer un lien entre le spectateur et les fourmis. Il filmera par exemple de manière dramatique une séquence où une fourmi disposera les cadavres de ses sœurs de manière solennelle et émouvante après que celles-ci se soient faites anéantir par une attaque de la part des scientifiques.

Au delà des barrières du genre, Bass réalise un film qui aura le même parti pris que le 2001 de Kubrick ou encore le Stalker de Tarkovski. Il fait d’un film à l’ambition totale une aventure fantastique et mystique qui se construit autour de la mise et scène.

Bass livre un film particulièrement solide et inspirant. La seule déception qui en ressort est le fait que ce soit l’unique long-métrage de son auteur.
L’existence de ce film est donc précieuse.

Saul Bass livre un film d’une beauté plastique époustouflante accentuée par la fin originale présente dans les bonus du coffret de Carlotta qui est sorti le 17 juin 2020. La restauration du film est ici exceptionnelle et permet d’apprécier le film à sa juste valeur. Elle met en valeur le sens artistique de Bass et confirme son talent de graphiste.
Ainsi cette fin originelle non montée est une accumulation de concepts visuels profondément marquants.

Carlotta sort ce film dans des éditions « simples » Blu Ray et DVD mais aussi en coffret ultra collector fortement recommandé puisqu’il s’avère absolument remarquable. Les bonus sont foisonnants. Il y a bien sûr la alternative originalement prévue par Saul Bass, un entretien avec Jasper Sharp et Sean Hogan, des courts-métrages de son réalisateur et un livret de 200 pour la version collector.

Phase IV est donc un véritable cadeau de la part de l’éditeur qu’il faut absolument découvrir !

Réalisé par Sydney Lumet

Pays États-Unis

Année 1964

Casting Henry Fonda, Walter Matthau, Fritz Weaver

Genre Thriller

La critique de Liam :

Quand Rimini propose un film de Sidney Lumet, il est impossible de passer à côté.

La défaillance d’un minuscule transistor provoque l’alarme au Strategic Air Command où sont surveillés les mouvements de tous les avions du monde. Cette défaillance fait croire à l’existence d’un engin non identifié. Une escadrille de bombardiers atomiques est envoyée en direction de Moscou.

Sidney Lumet fait partie sans conteste des maîtres étalons du cinéma américain, notamment par le biais de plusieurs œuvres cultes, tel que son indispensable « Douze Hommes en colère ». Le voir s’attaquer aux dangers de la Guerre Froide, avec cette crainte perpétuelle d’une troisième guerre mondiale ne pouvait donc que s’avérer passionnant mais surtout grinçant. Il met donc en exergue toute la peur engendrée par cette menace sourde avec un film brillant par sa tension permanente. Lumet enferme ainsi ses protagonistes américains dans des architectures étouffantes par leur isolation par rapport au monde extérieur, prêts à brûler d’un instant à l’autre.

Le minimalisme visuel est au service d’une intrigue tendue en permanence, questionnant la nature belliciste et autodestructrice de l’être humain. Derrière les fonctions de pouvoir se dessinent alors des portraits d’hommes complètement perdus dans cette situation incontrôlable et terrifiés des conséquences d’un malheureux accident. Lumet capte cela notamment par ces gros plans sur le visage rempli de peur d’Henry Fonda, toujours aussi impeccable en président des États-Unis prêt à tout pour éviter la catastrophe.

Dès lors, le film se pare d’un message clairement anti-belliciste, attaquant à charge l’inhumanité de l’armée responsable d’une potentielle destruction de l’Humanité. Les ordres dépassent la logique et le cœur, et tant pis si cela conduit au feu et à la fureur. Chacun est nerveux, confronté à ses propres contradictions, notamment un aveuglement patriotique difficile à mettre de côté, tel un ego national que l’on ne peut ranger.

Rimini propose une édition hautement recommandable, notamment pour la copie du film venant d’une restauration 4K, ce qui met encore plus en exergue la résonance de son contenu avec l’actualité. Au niveau des suppléments, on retrouve un commentaire audio du réalisateur, deux entretiens avec Jean-Baptiste Thoret ainsi qu’un documentaire.

Aussi imprévisible que la nature humaine, « Point Limite » constitue une œuvre toujours aussi forte et menée d’une main de maître par un Sidney Lumet aussi humaniste qu’anti-belliciste. De quoi rester silencieux un bon moment après son visionnage tout en s’interrogeant sur la nature toujours autant au bord de l’annihilation de l’être humain…

La critique de Nicolas :

Sydney Lumet fait partie de ces réalisateurs qui possèdent un style d’une impressionnante précision. Il maîtrise d’une manière à la fois ludique et quasi-parfaite la narration cinématographique pour offrir des œuvres puissantes.

Point Limite, sorti en 1964 est un film qui traite de l’angoisse nucléaire.
Causé par la défaillance d’un système de défense américain, une erreur va provoquer l’ordre de bombarder Moscou et pousser les instances militaires à tenter de stopper l’avion.

Ce qui est intéressant avec Point Limite est toute la tension qui s’en dégage. Lumet conceptualise un décors plongé dans un noir et blanc anxiogène où l’urgence devient obsédante. Il créé à l’avance un sentiment de malaise constant avec en ouverture de film un cauchemar représentant une scène corrida particulièrement violente. Cette violence provient également du son qui s’étendra sur tout le film.

Lumet choisira l’absence totale de musique et préférera travailler l’aspect sonore de son œuvre. Ainsi le spectateur entendra des sons insupportablement aigus évoquant la catastrophe à venir ou appuiera également le silence de la salle de commande de l’ordinateur de défense où l’on entendra uniquement le grésillement de l’écran.

Ainsi, le son participe à cette angoisse montante en lien avec la course folle que poursuivent les militaires pour arrêter l’avion qui va bombarder Moscou. Cette tension se manifeste également par le long processus qui entoure cette tentative de réussite.
L’erreur commencera pas une inquiétude au niveau zéro et s’étendra jusqu’à l’intervention du Président des États-Unis en personne magistralement interprété par Henry Fonda .
Il appellera le président de la Russie pour le prévenir de l’erreur et essaiera d’obtenir son aide dans cette crise. Lumet filmera de long échanges téléphoniques accompagnés d’une mise en scène d’une très grande maîtrise.

Lumet réalise donc un film très à charge envers la nature paranoïaque des États-Unis et son obsession de contrôle du monde. C’est avec cette défaillance que le réalisateur se permet de dresser un portrait très sombre d’un peuple qui se perd.
Cette critique sera appuyée avec la séquence de fin qui apparaîtra comme la destruction du film lui-même. Avec cette guerre d’une apparence plutôt douce en ressortira une violence absolue, celle de la destruction de l’humanité et de l’art lui-même.

Rimini ressort le film dans une restauration 4K d’une qualité assez incroyable. Avec celle-ci l’œuvre paraît encore plus actuelle. Elle sort le 16 juin 2020 accompagnée de nombreux bonus comme un commentaire audio du réalisateur, deux entretiens avec Jean-Baptiste Thoret et un documentaire.

Il faut absolument se jeter sur ce film qui résonne encore avec notre monde actuel et au delà de ces aspects, il s’agira d’une expérience profondément violente et d’une grande qualité cinématographique.