Sortie23 février 2011
Durée 1h 34min
Genre Drame, Thriller, Aventure, Biopic
De Danny Boyle
Avec James Franco, Amber Tamblyn, Kate Mara, Clémence Poésy, Lizzy Caplan, Treat Williams…
Nationalités Américain, Britannique
Musique A.R Rahman

Des heures en enfer

Synopsis

Le 26 avril 2003, Aron Ralston, jeune homme de vingt-sept ans, se met en route pour une randonnée dans les gorges de l’Utah.
Il est seul et n’a prévenu personne de son excursion. Alpiniste expérimenté, il collectionne les plus beaux sommets de la région.
Pourtant, au fin fond d’un canyon reculé, l’impensable survient : au-dessus de lui un rocher se détache et emprisonne son bras dans le mur de rocaille. Le voilà pris au piège, menacé de déshydratation et d’hypothermie, en proie à des hallucinations…
Il parle à son ex petite amie, sa famille, et se demande si les deux filles qu’il a rencontrées dans le canyon juste avant son accident seront les dernières.
Cinq jours plus tard, comprenant que les secours n’arriveront pas, il va devoir prendre la plus grave décision de son existence…

Danny Boyle aime bien aborder tout les genres, que ce soit l’horreur avec 28 jours plus tard, ou bien les drames comme Trainspotting ou bien Slumdog Millionaire. Quoiqu’avec Trainspotting, il y ait aussi un côté humoristique. Le réalisateur aime bien aussi se pencher, sur les biopic comme Jobs avec Michael Fassbender. Le réalisateur Britannique, ne met pas tout le monde d’accord pourtant sur ce qui est de sa filmographie. L’exemple avec La Plage film avec Leonardo Dicaprio et Virginie Ledoyen, qui est pourtant loin d’être mauvais. En 2011 le réalisateur adapte l’histoire vraie d’Aron Ralston, un jeune homme de 27 ans un sportif parti faire une randonnée dans gorges de l’Utah et qui après une chute se trouve coincée le bras sous un rocher. Il resta comme ça 127 heures, une expérience horrible pour cet homme. En faire un film est pourtant un risque, car il faut arriver à captiver le spectateur. Ce n’est pas un problème pour Danny Boyle, puisque le film nous montre la difficulté qu’a rencontrée le jeune homme durant ces heures. On y voit son ex-petite amie, les erreurs qu’il a pu commise en amour. À l’affiche James Franco, joue Aron Ralston à merveille, il tient à lui seul le film même si quelques comédiens s’ajoutent vaguement au récit. Ce film de Danny Boyle, est oeuvre importante car elle montre le courage d’un homme face à une situation ou il était impossible de s’en sortir.

Aron Ralston est un alpiniste chevronné, il est très expérimenté. Ce jour-là il part, dans les gorges de l’Utah, pour une randonnée il ne prévient personne de son départ et s’en va. Il prend son vélo au matin, après avoir dormi dans sa voiture. Puis il rencontre deux jeunes femmes, qui semblent perdues Aron qui connaît bien les lieux leur montre puis il passe un moment avec elles, et pique même une tête dans une source. Puis ils se séparent et Aron continue son excursion, il laisse son vélo, et grimpe à pied. On voit que le jeune homme a l’habitude, de faire ça mais il glisse et fait une chute, entraînant un rocher qui bloque son bras contre la paroi rocheuse. Aron n’a plus aucun moyen de pouvoir sortir, d’autant plus que la douleur est immense. Il appel au secours, espérant que les jeunes filles qu’il avait rencontrées l’entendent mais rien n’y fait. La déshydratation prend le dessus, il ne reste que quelques gorgées d’eau dans sa gourde, puis l’hypothermie arrive aussi il commence à avoir des hallucinations. N’ayant plus d’eau, il sera contraint de boire son urine. Durant ses 127 heures, des souvenirs reviennent dont la liaison qu’il a eu avec Rana ainsi que sa rupture avec elle. Lors de ses hallucinations il voit sa famille, son père, sa mère et sa soeur une future mariée. Aron est persuadé qu’il va mourir, car les heures défilent sa main droite est morte le sang ne circule plus à l’intérieur. C’est alors qu’Aron va devoir prendre, une décision difficile et qui sera la seule solution pour s’en sortir. Ce qu’on connaissait d’Aron Ralston, c’est qu’il c’était coupé son bras pour pouvoir se libérer. Il aura mis quelques heures a coupé son bras, car il n’avait qu’un canif qui coupé très mal ainsi il fallait faire attention avec les tendons. Mise en scène splendide de Danny Boyle, où il filme très bien ce qu’endure Aron le temps qui passe, mais aussi la douleur qu’il ressent. La scène ou ce dernier se coupe le bras, est assez difficile car on voit l’immense douleur qu’il ressent surtout quand il touche les tendons.

Danny Boyle joue beaucoup avec le son, dans son film surtout d’ailleurs dans cette scène ou il se coupe le bras. Car dès qu’il touche un tendon, un crissement se fait entendre pour faire ressentir aux spectateurs la douleur que ressent le jeune homme. Une bonne idée qu’a eue le réalisateur, en introduisant ce son car on est en quelque sorte en immersion avec Aron. Le scénario de Danny Boyle et Simon Beaufoy, se concentre sur le passé d’Aron mais aussi sur ce qu’il a vécu durant les 127 heures, dans ce trou, avec des hallucinations en plus. Les thèmes du film sont intéressants, comme la peur de mourir, sentiment que ressent Aron durant son calvaire. Mais il y a aussi des remises en question, sur sa vie propre vie. On pourra saluer la photographie d’Enrique Chediak, qui offre des plans de toute beauté sur les gorges de l’Utah. 127 heures, est une oeuvre sincère, qui permet de comprendre ce qu’a vécu cet homme, qui eut un courage incroyable, un film important dans la carrière de ce réalisateur admirable.

Bande annonce

Sortie 24 mai 2006
Durée 2h 03min
Genre Historique, Biopic, Drame
De Sofia Coppola
Avec Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Rip Torn, Tom Hardy, Rose Byrne, Jamie Dorman, Guillaume Gallienne…
Nationalités Français, Américain, Japonais
Musique Air, Kevin Shields, Phoenix…

La vie d’une reine

Synopsis

Évocation de la vie de la reine d’origine autrichienne, épouse mal-aimée de Louis XVI, guillotinée en 1793.
Au sortir de l’adolescence, une jeune fille découvre un monde hostile et codifié, un univers frivole où chacun observe et juge l’autre sans aménité.
Mariée à un homme maladroit qui la délaisse, elle est rapidement lassée par les devoirs de représentation qu’on lui impose.
Elle s’évade dans l’ivresse de la fête et les plaisirs des sens pour réinventer un monde à elle.
Y a-t-il un prix à payer à chercher le bonheur que certains vous refusent ?

Sofia Coppola est la digne fille de son père, elle ne fait pas le même genre de film que lui mais le talent y est. Ses films mettent souvent en scène des femmes, Virgin Suicides, son premier film fut un succès. Mais son meilleur à mes yeux restera Lost In Translation, avec un Bill Murray incroyable et une éblouissante Scarlett Johansson. Il eut plus tard Somewhere où elle dirigeait, pour la première fois Elle Fanning puis The Bling Ring ou encore Les Proies remake du film avec Clint Eastwood. Dans Marie-Antoinette en 2006, c’est une femme qui prend place dans un film historique cette fois-ci ou elle retrace la vie de la reine. Les décors sont somptueux, mais la particularité du film, c’est d’ailleurs ce qui séduit beaucoup c’est son originalité, en mettant de la musique rock un mélange savoureux qui donne au film un style vraiment agréable. Cependant le film s’attarde tout de même sur les choses importantes, sur le vécu de cette reine dépensière qui dépensait à tour de bras l’argent du peuple. Qu’on aime ou pas la réalisatrice, la réalisation est magnifique et pourtant à sa sortie, ce n’est pas franchement une époque à laquelle je m’intéressais. Mais avec Sofia Coppola a la réalisation, on ne peut être que séduit. Dans le rôle de Marie-Antoinette, Kirsten Dunst est majestueuse une oeuvre historique pleine d’originalité qui ne peut que passionner.

Marie Antoinette quitta l’autriche afin de renconter son fiancé qui réside à Versailles, Louis XVI qui n’est alors pas encore roi. La jeune femme doit alors tout quitter, pour toujours amis et famille. Sa rencontre avec Louis XVI se fait timidement, puis à Versailles la jeune femme a du mal à trouver sa place, d’autant plus que le prince ne se préoccupe que très peu d’elle. Alors qu’on n’attend d’eux qu’il fasse un enfant, Louis XVI n’est jamais prêt puis s’éloigne d’elle. Afin de mettre un peu plus d’énergie dans cette ennuyeuse vie, elle organise alors des fêtes et dépense l’argent sans s’en soucier. Mais le prince en faisant les comptes avec Vergennes s’inquiète des dépenses que cela engendre, car en effet la France commence à se révolté. Le film se concentre sur les choses essentielles aussi, comme le décès du roi XV, trône dont hérita Louis et ainsi Marie Antoinette devint reine. Ce n’est pas pour ça, qu’elle deviendra plus heureuse, même si ce dernier arriva à lui faire un enfant et même un deuxième plus tard. Un troisième qui mourut, peu après sa naissance. On voit que la révolte gronde, tandis que cette dernière se fait plaisir, et trompe même le roi avec Axel von Fersen. Sofia Coppola prend quelques libertés sur cette adaptation de Marie Antoinette, car il est peu probable qu’ils dansaient sur de la musique rock. Mais cela reste intéressant, les libertés artistiques que prend la réalisatrice. La mise en scène de Coppola, nous séduit puis elle est tellement ambitieuse que c’est aussi beaucoup pour ça que cela plaît.

Cette jeune femme ayant tout quitté,  pour vivre avec ce prince qui au final la délaisse pour des parties de chasse entre familles et amis. Mais aussi un prince, qui n’ose approcher sa fiancée pour lui faire un enfant. Sofia Coppola au scénario adapte l’oeuvre d’Antonia Fraser. Mais avec son style propre bien à elle, car elle fait de Marie Antoinette une femme qui a besoin de liberté, qui prend d’ailleurs des décisions qui ne plaisent pas à tout le monde. Elle y décrit un futur roi Louis XVI, maladroit délaissant sa femme et peut-être aussi un peu trop gentil. Un Louis XVI qui devra prendre ses responsabilités, face à la mort de son père car maintenant c’est à lui de prendre le trône. Le film de Sofia Coppola tiens beaucoup grâce à sa bande originale, Kevin Shields y participe toujours comme sur Lost In translation. Mais on peut y entendre Squarepusher, The Strokes ou encore The Radio Dept ou même The Cure. Un peu de tout issu de la scène pop rock, avec des musiques qui rappelle un peu l’époque pour être immergé par moments dans l’époque. Cette bande originale, ne dénature pas l’oeuvre bien au contraire ça donne au long-métrage de l’originalité. Kirsten Dunst interprète à merveille, Marie Antoinette. Louis XVI est interprété par Jason Schwartzman, on y voit aussi Tom Hardy, Rip Torn qui joue le roi, Jamie Dorman l’amant de la reine. Loin d’être une oeuvre ennuyeuse, Marie Antoinette par sa touche d’originalité arrive à séduire, Sofia Coppola livre une mise en scène passionnante .

Bande annonce

Sortie 19 février 2014
Durée 2h 03min
Genre Romance, Drame, fantastique
De Jim Jarmusch
Avec Tom Hiddleston, Tilda Swinton, Mia Wasikowska, John Hurt, Anton Yelchin…
Nationalités Allemand, Britannique, Français, Chypriote
Musique Jozef van Wissem et Affonso Gonçalves

Les amants amoureux

Synopsis

Dans les villes romantiques et désolées que sont Détroit et Tanger, Adam, un musicien underground, profondément déprimé par la tournure qu’ont prise les activités humaines, retrouve Eve, son amante, une femme endurante et énigmatique. Leur histoire d’amour dure depuis plusieurs siècles, mais leur idylle débauchée est bientôt perturbée par l’arrivée de la petite sœur d’Eve, aussi extravagante qu’incontrôlable. Ces deux êtres en marge, sages mais fragiles, peuvent-ils continuer à survivre dans un monde moderne qui s’effondre autour d’eux ?

Jim Jarmusch c’est Broken Flowers, Ghost Dog ou encore son dernier film The Dead Don’t Die qui est un ratage, sorti l’année dernière. En 2014 il réalise Only Lovers Left Alive, une histoire d’amour entre deux êtres qui ont des siècles derrière eux. Car ces deux amoureux sont des vampires ; pourtant le film ne s’intéresse que très peu a ce qu’ils sont, c’est surtout à leur histoire d’amour. Jim Jarmusch est un réalisateur qui touche, à tous les genres mais avec une mise en scène assez pointilleuse, avec parfois fois de la folie… toutefois. Only Lovers Left Alive, reste un film plutôt sérieux, dans ce qu’il aborde. Un joli duo romantique, dans le film Jarmusch Tom Hiddleston et Tilda Swinton et comme Jarmusch aime diriger ses acteurs, plusieurs fois il dirigera Swinton dans The Dead Don’t Die. Ce film du réalisateur reste une oeuvre, intéressante, la façon dont il aborde l’amour ne peut que séduire. N’ayant pas vu toute sa filmographie, je pense que ce film doit être vu car il est plein de bonnes idées qui valent le coup d’oeil.

Adam et Eve sont amants, ils s’aiment mais vivent loin l’un de l’autre. Eve vit a Tanger au Maroc, tandis que lui vit à Détroit, deux ville bien différentes. Adam est un musicien underground fasciné par les guitares . Il vit dans une maison ou personne n’est sensé savoir où il habite, hormis Ian un gars humain qui lui fournit des guitares et autres choses. Si Adam sort très peu, c’est qu’il est un vampire, il sort uniquement pour chercher son sang sans mordre quelqu’un , mais en allant à l’hôpital chercher plusieurs doses ,un deal qu’il a avec un médecin là-bas, et qu’il lui passe en échange d’un peu d’argent. Ces siècles passés sur terre, Adam en a vu des choses et ainsi a vu l’activité humaine changer, ça le déprime. Sa bien-aimé a Tanger, ne supporte pas de le voir ainsi ,et décide de venir le voir . Elle espère ainsi lui remonter le moral. A son arrivée, il passe leur temps dans la maison. Ils ne sortent que quelquefois se balader en voiture. C’est alors que Ava, la soeur de Eve débarque à Détroit, cette dernière étant instable, ce n’est pas une visite qui leur fait plaisir. Au début de la cohabitation, même si tout se passe à peu près bien, Ava plus tard, commet l’irréparable. Ainsi le couple décide, de la fiche dehors son état instable pourrait avoir des répercussions sur Adam et Eve, et ainsi ne plus vivre tranquilles. Only Lovers Left Alive est une histoire d’amour, tout simplement sur un couple vivant loin l’un de l’autre, la ville de Tanger semble être un refuge pour Eve. Elle y voit souvent Christopher Marlowe, qui vit à Tanger , également un vieux vampire qui malgré le fait d’être un vampire semble être sur la fin. La mise en scène de Jim Jarmusch, est exceptionnelle , il filme l’amour avec passion. On y décèle bien les liens fort qui unissent Adam et Eve, ils s’aiment depuis des siècles et s’aiment toujours autant. La mise en scène, est fabuleuse, il faut le dire et ce dés le début. Elle nous transporte, dans l’univers de ces deux personnages où leur amour prend une grande place c’est une romance passionnante.

Il n’y a que Jim Jarmusch pour signer une si belle histoire, une histoire d’amour entre deux vampires ou le fait qu’ils soient des vampires n’est qu’une toile de fond. Car en effet, dans son récit Jarmusch s’intéresse peu au fait qu’ils soient des vampires, il s’intéresse à cette histoire d’amour , mais aussi à une époque révolue pour ces deux êtres. Le temps qui passe, les humains et leur activité dépriment Adam. Puis ce n’est pas un hasard s’ils s’appellent Adam et Eve, puisque ça décrit plutôt bien l’amour qu’ils ont l’un pour l’autre. Malgré le temps qui passe ,leur amour est toujours aussi fort, Jarmusch décrit ça aussi très bien. Il développe aussi très bien ces personnages, en intégrant Ava dans le récit la petite soeur de Eve qui elle est aussi vampire mais qui va vite devenir instable en provoquant l’irréparable. On ressent bien aussi cette déprime, qui touche Adam dans ce monde en constante évolution. Eve reste une femme assez mystérieuse, qui s’inquiète pour son bien aimé. On restera assez dubitatif, sur le personnage de Christopher Marlowe bien qu’il soit vampire ,on se pose des questions sur lui. Au casting Tom Hiddleston, joue Adam, Tilda Swinton est Eve, Mia Wasikowska joue Ava le soeur de Eve. Mais aussi a l’écran John Hurt en Marlowe, un grand acteur qui nous a quittés. Anton Yelchin, un talent parti trop tôt joue le rôle de Ian. La réalisation de Jim Jarmusch, est surprenante est reste une oeuvre majeure de sa carrière.

Bande annonce

Sortie Prochainement
Durée 1h 53min
Genre Epouvante-horreur, Science fiction
De Richard Stanley
Avec Nicolas Cage, Q’Orianka Kilcher, Joely Richardson, Madeleine Arthur, Tommy Chong, Elliot Knight, Brendan Meyer…
Nationalités Américain, Malaisien, Portugais
Musique Colin Stetson

La vie, la mort en couleur

Synopsis

Interdit aux moins de 16 ans

D’après la nouvelle La Couleur tombée du ciel de Howard Phillips Lovecraft sortie en 1927.

Les Gardner ont à peine le temps de s’habituer à la vie de la campagne qu’une météorite explose dans leur jardin en pleine nuit, dans un halo d’une lumière qui n’existe pas. Peu à peu, la propriété familiale semble contaminée par un mal indicible, qui affecte la flore, la faune… et les Gardner.

Réalisateur, scénariste et même acteur Richard Stanley, n’en est donc pas à sa première réalisation avec Color Out of Space. Il s’illustre beaucoup dans des films fantastiques, horreur un genre qu’il semble beaucoup aimer. Son premier film date de 1991, puis peu de films après ça. Cette année marque son retour, avec l’adaptation d’une nouvelle d’Howard Philipps Lovecraft, qui se nomme « la couleur tombée du ciel« . Nicolas Cage dans le rôle principal, qui depuis Mandy s’illustre dans des rôles plus intéressants même si quelquefois il joue encore dans des navets. Color Out of Space, n’est pas un film comme les autres c’est le moins qu’on puisse dire et on ne peut être insensible à ce genre d’oeuvre. Difficile de catégoriser ce genre de films, en premier on pourrait dire qu’il s’agit de science-fiction, horreur mais le film est tellement riche qu’il faudrait de nouveaux mots, pour vraiment lui donner un genre. Ce film de Richard Stanley, est évidemment pour un public averti beaucoup n’adhérons pas au style, parce que c’est violent, gore et même dérangeant parfois. Si vous avez aimé Mandy, peut-être que ce style certes différent vous plaira.

La famille Gardner vit dans une maison, en pleine campagne isolée dans la ville d’Arkam. Nathan le père tente avec sa femme de se retrouver après que cette dernière s’est faite opéré d’un cancer. Ses enfants deux ados, plus un jeune garçon. Sa fille est intéressée par ce qui est rituel, tandis que son fils est fasciné par les trous noirs, le plus jeune lui est craintif et secret. Une nuit alors que la famille s’apprête à s’endormir, une météorite s’écrase juste devant chez eux. Leurs plus jeune garçon semble perturbé, par ce qui vient de ce passé. Le lendemain le maire de la ville vient sur les lieux, avec le shérif, puis un hydrologue venu en ville pour faire des tests sur l’eau de la ville. Cette météorite semble étrange, elle semble vivante, et semble renfermée de nombreuses choses. Peu après le crash, de cette dernière le comportement des Gardner change, et de façon plutôt inquiétante cette météorite en serait la cause. Celle-ci parfois dégage une forte lumière rose, et semble happée ce qui se trouve autour elle semble même hypnotisée et donner des hallucinations. Color Out of Space, et un film prenant on n’en ressort pas indemne l’expérience est tellement particulière comme Mandy, de Panos Cosmatos, mais ici le style et le genre est différent. L’expérience est parfois dérangeante, surtout dans la dernière partie du film. Visuellement c’est incroyable, une photographie incroyable de toute beauté ou la couleur ne fait qu’accentué tout ça. Une mise en scène que Richard Stanley maîtrise, dans chaque plan et on savoure tellement c’est maîtrisé. On ne vous cachera pas que le film est violent, avec des images parfois très dérangeante et malsain. C’est une réalisation pleine de mystères, où l’on se pose plein de questions.

Venue d’ailleurs cette météorite est d’origine extraterrestre, cette chose semble vouloir happer, tout ce qui se trouve autour mais elle ne fait pas que ça c’est une menace bien plus redoutable. Cette menace, fait du mal, aux humains et aux animaux aussi. Une chose venue d’ailleurs, qui a aussi le pouvoir de joué avec le temps, le manipulé afin de faire perdre toute conscience. L’effet du long-métrage est psychédélique, on n’est totalement  ailleurs durant la durée du film. L’écriture est de Richard Stanley et Scarlett Amaris, ou le traitement des personnages est plutôt intéressant. Mais le film nous interroge sur certaines choses, comme la place que nous avons sur la planète, ou bien sur ce que nous sommes. Avec l’arrivée de cette chose, le comportement des Gardner change sans qu’ils ne s’en rendent compte. Face à cette menace inconnue, les Gardner n’ont aucun contrôle, il n’aura fallu que quelques heures à cette chose pour que la vie de cette famille deviennent un véritable cauchemar. Eux qui venaient de traversée une épreuve difficile, ils étaient maintenant face à quelque chose d’inimaginable. C’est une écriture très riche, sur toutes ces choses que le film possède. Nicolas Cage s’en sors à merveille, dans le rôle de ce père de famille qui vacille peu à peu. Joely Richardson est éblouissante, dans le rôle de la femme de Nathan. On pourra retenir les prestations, des trois enfants Madeleine Arthur, Brendan Meyer et Julian Hilliard. Richard Stanley adapte l’oeuvre de H. P. Lovecraft, dans un style extraordinaire. L’aspect technique est irréprochable, c’est d’ailleurs un des points forts du film, on ne peut être que subjugué. Même si y a de la beauté dans tout ça, c’est une menace et elle est redoutable. Richard Stanley signe un film, ou je pense qu’en plusieurs visionnages on découvre de nouvelles choses tellement le film est riche. Hypnotisant, malsain et dérangeant Colour Out of Space, est une expérience à vivre tellement elle est intense et vous n’oubliez pas.

Bande annonce

Sortie 27 avril 2016
Durée 2h 04min
Genre Biopic, Drame
De Jay Roach
Avec Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, David James Elliott, Elle Fanning, Louis C.K, John Goodman…
Nationalité Américain
Musique Theodore Shapiro

Bryan Cranston interprète Trumbo avec brio…

Synopsis

Hollywood, la Guerre Froide bat son plein.
Alors qu’il est au sommet de son art, le scénariste Dalton Trumbo est accusé d’être communiste.
Avec d’autres artistes, il devient très vite infréquentable, puis est emprisonné et placé sur la Liste Noire : il lui est désormais impossible de travailler.
Grâce à son talent et au soutien inconditionnel de sa famille, Il va contourner cette interdiction.
En menant dans l’ombre un long combat vers sa réhabilitation, il forgera sa légende.

Jay Roach réalisateur de la trilogie « Mon beau-père et moi » se lance en 2016 dans un biopic, celui de Dalton Trumbo avec Bryan Cranston. Un rôle qui va parfaitement au comédien, et enfin un rôle principal qu’il mérite depuis longtemps sur grand écran. Dans ce film on y voit des comédiens qui reprennent, les rôles de comédiens emblématiques comme John Wayne ou encore Kirk Douglas. Ce qui est bien, c’est qu’un réalisateur comme Jay Roach, qu’on ne pensait bon qu’à faire des comédies et en fait doué, pour d’autre genres. C’est lui aussi le réalisateur de la trilogie Austin Powers, les films Moi député ou encore The dinner (adaptation ratée du dîner de cons). Cette année dès le début en janvier le réalisateur est revenu avec un biopic, dans le film Scandale, avec un trio d’actrice talentueuse. Dalton Trumbo est un film passionnant narrant, l’histoire d’un homme accusé de communisme, et qui malgré ça continuera à exercer sa passion.

C’est dans les années 50, Dalton Trumbo est un scénariste emblématique qui a scénarisé de nombreux films. Il est père de trois enfants deux filles, et un garçon, il est marié à Cleo une belle femme. La vie de Dalton bascule, quand ce dernier est accusé de communisme ce qu’il est vraiment en réalité. Même si ce n’est pas un délit, beaucoup voient cela comme un crime il est assigné à comparaître en justice avec sa communauté. C’est alors qu’il est condamné à un an de prison, à sa sortie de prison il est contraint de déménager afin de changer de vie. Mais dans le quartier où il aménage des gens le reconnaisse, ils savent qui il est. Un studio l’approche pour écrire plusieurs scénarios, mais il doit emprunter des pseudonymes afin de ne pas être reconnu. Sa famille l’aide, dans sa démarche pour pouvoir encore et toujours écrire, même si son comportement n’est pas toujours facile. Le combat contre le communisme opére toujours, où John Wayne et Hedda Hopper la journaliste ne cesse leur combat. Comme le dit Dalton Trumbo a sa fille, être un communiste est légal mais seulement pour certains c’est un crime, pour la grande majorité des Américains. Cette chasse au communiste se déroule, en pleine guerre froide ce qui n’arrange pas les choses. Dalton Trumbo est un film passionnant, qui narre la vie d’un homme accusé de communisme. Mais c’est un film, sur les liens familiaux qui unissent Dalton avec sa famille, car ils l’épaulent dans cette épreuve et seront avec lui pour distribuer les scénarios à sa sortie de prison. Jay Roach signe une mise en scène exemplaire, où l’on ressent l’intérêt que porte le réalisateur au personnage. C’est extrêmement intéressant, de voir que ce talentueux scénariste a fait la rencontre de John Wayne et même Kirk Douglas. Jay Roach signe un récit, captivant sur un scénariste légendaire.

On pourra saluer le talent des scénaristes Bruce McNamara et Bruce Cook, qui maîtrisent un récit passionnant. Le traitement des personnages est très bien développé, on voit une famille qui reste unie prête à tout pour que Dalton continue son activité car c’est un combat aussi pour garder ses principes. On découvre que les liens qu’il entretient avec sa fille aînée sont tendus, alors que dans le passé ils étaient plutôt proches. Une relation père/fille, peut-être pas assez exploité, car ils semblaient avoir des liens assez forts. Le récit traite plutôt bien, cette chasse au communisme dont Dalton Trumbo est victime et les répercussions que cela a sur lui et sa famille. Le casting est extraordinaire il faut être honnête, un Bryan Cranston très convaincant en Dalton Trumbo, Cleo sa femme est interprété par Diane Lane. La détestable journaliste Hebba Hopper, est interprétée par Helen Mirren, John Goodman joue Frank King. La jeune comédienne Elle Fanning, est également au casting elle joue Niki Trumbo la fille aînée de Dalton. Avec Dalton Trumbo, le réalisateur Jay Roach livre une fabuleuse réalisation avec émotion et parfois même des touches d’humour. Un film intéressant, ou la mise en scène ne cesse d’impressionner.

Bande annonce

Sortie 14 février 2020
Durée 1h 47min
Genre Romance, Drame
De Brett Haley
Avec Elle Fanning, Justice Smith, Keegan-Michael Key, Luke Wilson…
Nationalité Américain
Musique Keegan DeWitt

Les idées noires et l’amour

Synopsis

Finch est la « bête curieuse » de l’école. Il oscille entre les périodes d’accablement, dominées par des idées morbides et les phases « d’éveil » où il déborde d’énergie. De son côté, Violet avait tout pour elle. Mais, neuf mois plus tôt, sa sœur adorée est morte dans un accident de voiture. La survivante a perdu pied, s’est isolée et s’est laissée submerger par la culpabilité. Mais ce jour là tout change : quand Violet et Finch se rencontrent, ils sont au bord du vide, en haut du clocher du lycée, décidés à en finir avec la vie.
Violet va réapprendre à vivre avec un garçon qui veut mourir.

Brett Haley n’a que très peu de films à son actif, et pour cette année il nous sort un film pour Netflix avec a l’affiche Elle Fanning. Adaptation d’un livre de Jennifer Niven auteure de livres pour jeunes adultes, beaucoup ne trouveront pas cette adaptation cinéma à leur goût par rapport au livre quand on les entend. Mais quand on n’a pas lu le bouquin, c’est moins gênant. Le film est plutôt d’actualité, car il aborde le thème d’une jeunesse difficile ou le suicide pour certains est une solution. All the bright places (Tous nos jours parfaits) est une histoire d’amour, entre deux ados, qui ont leurs problèmes elle vient de perdre sa soeur, dont elle était très proche et lui vit seul avec sa grande soeur, son père le battait lui et sa soeur. Brett Haley peut donc atteindre un large public, pas seulement jeune puisque le film aborde un sujet, quand même intéressant qui mérite qu’on en parle. C’est touchant, sans trop de clichés un film Netflix, qui a nombreuses qualités.

Quand Finch rencontre Violet, cette dernière est sur le bord d’un pont prête à sauter. Il monte avec elle, et engage une conversation et arrive à la dissuader de sauter. C’est ainsi qu’ils se rencontrent, ils sont dans le même lycée et ne se sont jamais vu. Au début la jeune fille, ne parle que très peu un travail pour l’école l’oblige à travailler avec lui, quand celui la choisit. Rapidement ils se rapprochent et deviennent amis, Violet commence à revivre et se confie à Finch. Quant à Finch lui il cache des choses, qu’il ne se sent pas prêt à confier à Violet, la jeune fille elle a perdu sa soeur dont elle était proche neuf mois plus tôt. Quelque chose qu’elle vit très mal, puis elle et Finch tombe amoureux ils sont heureux même si lui a des idées noires qu’elle ignore. Les élèves du lycée se moquent de Finch, parce qu’il a un comportement étrange, mais ils ignorent les épreuves de son passé. Ce dernier vit avec sa grande soeur, tous les deux étaient battus par leur père et en garde des séquelles, ils n’ont plus de mère ni de père. Finch vit avec ses idées qui noircissent son esprit, il pense au suicide depuis bien longtemps. Si Violet semble retrouver goût a la vie, Finch même s’il est heureux aux côtés de Violet garde ses idées noires le hante. All the bright places, est une belle histoire qui ne sombre que très peu dans les clichés, Brett Haley livre une mise en scène simple mais qui fonctionne. Une réalisation assez jolie avec une histoire, intéressante.

Jennifer Niven, l’auteure du livre scénarise le film avec Liz Hannah, elles s’intéressent bien au traitement des personnages surtout celui de Violet. Si les blessures de la jeune fille, sont bien retranscrites celle de Théodore Finch le sont moins. Car au début, on ne sait pas s’il a des problèmes, on le découvre petit à petit mais c’est évident que le personnage de Théodore manque de développement, on n’aurait quand même voulu en savoir plus. Cependant le sujet est plutôt bien abordé, il est évident que ce n’est pas forcément facile comme sujet, mais l’écriture maîtrisée y parvient parfaitement. Elle Fanning est parfaite, dans le rôle de Violet, Justin Smith est très bon dans le rôle de Théodore. On pourra apercevoir au casting Luke Wilson, dans le rôle du père de Violet. All the bright Places, est un film qui dégage pas mal d’émotion avec une fin qui ne peut que toucher, une oeuvre au sujet maîtrisé qui mérite un visionnage.

Bande annonce