Date de sortie : 25 mai 1988 (États-Unis), 26 octobre 1988 (France)
Réalisateur : Peter MacDonald
Acteurs principaux : Sylvester Stallone, Richard Crenna, Marc de Jonge, Kurtwood Smith
Genre : Action
Nationalité : Américain
Compositeur : Jerry Goldsmith

Dernier épisode de la trilogie d’origine, Rambo III s’inscrit dans la même veine que son prédécesseur avec une partie en infiltration dans une base avant une bonne dose d’action pur jus. Le colonel Trautman s’est en effet rendu seul en mission en Afghanistan lors de l’occupation russe et s’est fait capturer par son vis-à-vis Alexei Zaïtsev, pour lequel Marc de Jonge se plaît terriblement à imiter l’accent soviétique de manière bien caricaturale. Le film vaut le détour pour ses bons passages dans lesquels Rambo s’infiltre avec un allié local et multiplie les éléments dont Hideo Kojima a pu s’inspirer pour son chef-d’œuvre Metal Gear Solid, Stallone ressemblant terriblement au personnage de Liquid Snake avec sa dégaine torse nu et ses longs cheveux.

Rambo enchaîne les combats au corps à corps, comme celui avec le gros baraqué, ainsi que les passages d’infiltration qui le mènent tout droit dans une grotte où il est aidé par le colonel. À noter la présence de Kurtwood Smith (Staying Alive, RoboCop, Le Cercle des Poètes Disparus) en tant qu’agent de la CIA attaché à l’ambassade américaine. Délaissant l’atmosphère dramatique du premier volet et s’engouffrant toujours plus dans la propagande américaine sur les dernières années de la Guerre Froide, Rambo III n’a pas obtenu le succès escompté et Stallone y a remporté le Razzie Award du pire acteur en 1989. Il aura ensuite fallu attendre vingt ans avant que John Rambo ne ressurgisse au cinéma.

Date de sortie : 22 mai 1985 (États-Unis),
16 octobre 1985 (France)
Réalisateur : George Pan Cosmatos
Acteurs principaux : Sylvester Stallone, Richard Crenna, Julia Nickson-Soul, Steven Berkoff
Genre : Action
Nationalité : Américain
Compositeur : Jerry Goldsmith

Trois ans après un premier film mémorable, Rambo est exempté des travaux forcés par le colonel Trautman et retourne au Viêt Nam afin de prouver que des soldats américains sont retenus prisonniers et de les délivrer. Il y rejoint une contacte jouée par Julia Nickson-Soul, qui y fait ses débuts au cinéma près de dix ans avant son rôle dans l’adaptation de Double Dragon. L’esprit du film est bien axé sur l’infiltration et certains éléments confortent l’idée de l’inspiration pour la saga de jeux vidéo Metal Gear comme l’action de ramper, l’hélicoptère Hind et la scène de torture électrifiée dirigée par le lieutenant-colonel Podovsky, interprété par Steven Berkoff (Barry Lyndon, Octopussy, Le Flic de Beverly Hills).

Rambo excelle toujours dans la mission solitaire en neutralisant les soldats par derrière et en délivrant brillamment ses semblables. Quelques scènes clichés avec Co Bao prêtent à sourire et Stallone fait parfois preuve d’un surjeu mythique avec ses gros yeux menaçants et ses cris de psychopathe. La trame scénaristique se tient et reste dans l’esprit de la saga, le personnage de Rambo restant intéressant à suivre bien que son traitement ne soit pas aussi poussé que dans le précédent film. Une suite honorable dans la pure tradition des films d’action américains au cachet particulier des années 1980 !

Date de sortie : 22 octobre 1982 (États-Unis),
2 mars 1983 (France)
Réalisateur : Ted Kotcheff
Acteurs principaux : Sylvester Stallone, Brian Dennehy, Richard Crenna, Bill McKinney
Genre : Drame, action
Nationalité : Américain
Compositeur : Jerry Goldsmith

Adapté du roman First Blood de David Morrell, Rambo est une petite pépite du début des années 1980 dans laquelle Sylvester Stallone, qui s’était déjà largement fait connaître avec les trois premiers Rocky, incarne un ancien béret vert ayant vécu la guerre du Viêt Nam de plein fouet, de retour aux États-Unis afin de tenter de revivre paisiblement. En rendant visite au dernier de ses compagnons d’armes, il apprend sa mort des suites d’un cancer et reprend sa route avant d’être malmené par le shérif Will Teasle et la police locale, qui n’apprécient pas le vagabondage et encore moins la présence d’anciens vétérans de guerre, estimant qu’ils posent forcément des problèmes. Les superbes musiques de Jerry Goldsmith (La Planète des Singes, Papillon, Alien Le Huitième Passager) imposent d’emblée un ton mélancolique qui donne un cachet particulièrement dramatique au film, les policiers abusant de leur autorité pour violenter le pauvre John sans se douter du soldat à qui ils ont à faire. La violence des coups que Rambo reçoit lui rappelle les sévices qu’il a subits durant la guerre lors de très courts flashbacks qui ne font pas dans la dentelle.

Se sentant alors largement menacé dans sa survie, ses instincts de guerrier se réveillent et sa rébellion provoque un repli dans une forêt proche où il construit un abri et tout un tas de pièges pour neutraliser les nombreux policiers qui le traquent, ne supportant pas d’avoir été battus par un être qu’ils estiment inférieur. Tandis qu’il fait tomber un des hommes qui cherchent à le descendre depuis un hélicoptère, les autres ne pensent qu’à lui tirer dessus alors qu’il lève les bras en leur disant clairement qu’il ne veut de mal à personne. La chasse à l’homme se poursuit alors avec l’ingéniosité de Rambo qui neutralise les policiers un à un avec toutes sortes de pièges et de camouflages. Et alors que le shérif s’entête à vouloir ramener plusieurs dizaines d’hommes pour en finir, le colonel Trautman, qui a formé et commandé John durant plusieurs années, tente de l’en dissuader en lui affirmant avec une certaine touche d’humour qu’il vient sauver la police de Rambo, et non l’inverse.

Le protagoniste dernier arbore une personnalité mémorable avec sa paranoïa due à ce qu’il a subi pendant la guerre, mais également de par l’innocence qu’il dégage une fois revenu dans la civilisation. La proximité qu’il retrouve avec le colonel l’aide à vider son sac dans une scène pathétique où il pleure de rage en dénonçant ce qu’il a subi, les morts qu’il a dû supporter, la manière dont les gens l’ont traité à son retour(« Mais qui sont-ils pour me faire des reproches, hein ? Qui sont-ils ? Est-ce qu’ils étaient à ma place, en pleine jungle ? Ils nous jugent sans savoir de quoi ils parlent. »), son incapacité à se réadapter (« Pour moi la vie civile c’est rien. Au combat on avait un code d’honneur : tu couvres mes arrières, je couvre les tiens. Mais ici, il y a plus rien. ») et à retrouver du travail (« Là-bas je pilotais un avion de chasse, je pouvais conduire un tank, j’avais en charge un million de dollars de matériel. Mais ici, j’arrive pas à avoir un boulot de gardien de parking ! »).

Si la fin d’origine prévoyait qu’il se tire une balle, celle qui a été retenue l’oblige à se rendre aux autorités même s’il n’est pas vraiment coupable (« Eux ont versé le premier sang, pas moi. »), sous une musique douce rappelant l’armée qui en vient à la triste chanson « It’s a Long Road » de Dan Hill avec une reprise du thème principal en fond, dénonçant fortement le destin des pauvres soldats ayant subi l’injustice de cette guerre à cause de la mégalomanie américaine. À l’instar de Snake Plissken dans New York 1997, Rambo aura inspiré Hideo Kojima pour le personnage de Solid Snake dans Metal Gear cinq ans plus tard, pour son bandeau et sa manière de lutter seul contre tous. Richard Crenna, qui interprète le colonel Trautman, servira également de modèle pour Roy Campbell, qui supervise Solid Snake dans les extraordinaires Metal Gear 2 et Metal Gear Solid. Une des plus belles œuvres de son époque et de toute la filmographie de Sylvester Stallone !

Date de sortie : 18 novembre 1990 (3h 12min)
Réalisateur : Tommy Wallace
Acteurs principaux : Tim Curry, Annette O’Toole, Dennis Christopher, Richard Masur
Genre : Épouvante
Nationalité : Américain
Compositeur : Richard Bellis

Adapté du roman éponyme de Stephen King par Tommy Lee Wallace (Halloween 3, Vampire vous avez dit Vampire ? 2), Ça – Il Est Revenu fait partie de ces téléfilms cultes ayant marqué toute une génération pour sa créature provoquant l’effroi, le clown Grippe-Sou joliment interprété par Tim Curry (Legend, Cluedo, Maman j’ai Encore raté l’Avion). Diffusé en deux parties en 1990 puis trois ans plus tard sur M6, il raconte les mésaventures d’enfants victimes d’hallucinations provoquées par la créature des égouts afin de les attirer vers elle et de les dévorer. Le casting est assez sympathique et comporte notamment Annette O’Toole (Superman III, Smallville), Dennis Christopher (le superbe serial killer de Fondu au Noir), Richard Masur (The Thing, My Girl), John Ritter (Ben Healy dans Junior le Terrible 1 et 2) et Seth Green (Scott Denfer dans la trilogie Austin Powers).

Assez vieillot pour son époque voire ringardisé par la qualité d’adaptation de 2017, ce premier jet vaut quand même le coup pour le charme qu’il dégage et sa mise en scène réussie avec les nombreux flash-backs montrant l’enfance des protagonistes, que l’on voit aussi devenus adultes dès la première partie. Si la crédibilité de la grande peur que ressent le groupe d’adultes quand ils apprennent que le monstre est de retour peut laisser à désirer, la relation entre eux reste réussie et les apparitions de Pennywise sont assez variées et font leur petit effet avec son visage en plein écran et ses dents qui se plaisent à sortir de sa mâchoire.

Sa voix joviale et décalée offre un cachet certain, le doublage de Jacques Ciron (Alfred Pennyworth dans de nombreuses adaptations de Batman, le Chapelier Fou dans Alice au Pays des Merveilles) étant reconnaissable à des kilomètres. L’expression de la peur est assez correcte entre le suicide qui survient et les giclements de sang qui perdurent tout au long du scénario. L’action n’est pas vraiment valorisée et le rendu final de la créature est franchement laid, sans parler du simple coup de pschitt qui suffit défigurer son visage, mais cette adaptation de Ça reste terriblement culte pour la génération de coulrophobes qu’elle aura engendrée !

Date de sortie : 14 décembre 1990 (États-Unis), 10 avril 1991 (France)
Réalisateur : Tim Burton
Acteurs principaux : Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest, Vincent Price
Genre : Comédie dramatique, fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : Danny Elfman

Entre ses deux Batman, Tim Burton revient sur un projet plus personnel avec une mélancolie fantastique très marqué. Premier rôle de Johnny Depp chez l’illustre réalisateur, qui l’a fait connaître au grand public six ans après son passage dans Les Griffes de la Nuit, Edward aux Mains d’Argent conte la triste histoire d’un être créé mais qui, n’ayant pu être terminé, a des cicatrices sur le visage et des lames de ciseaux en guise de mains. Alors qu’une représentante en cosmétiques entre dans son ténébreux manoir, elle perturbe son quotidien en l’emmenant dans le monde extérieur pour le faire vivre parmi les autres et exposer ses talents. Créature emblématique de l’imagination de Tim Burton, Edward arbore un regard et une posture torturé par la tristesse et la solitude, associant ainsi définitivement le réalisateur au mouvement gothique. Sa coiffure est inspirée par celle de Robert Smith du groupe The Cure, à qui Burton avait proposé d’écrire les musiques du film.

Derrière le comique des nombreuses situations mettant Edward dans l’embarras se cachent en réalité les thèmes de l’exclusion et de la découverte de soi. Car si son talent pour la sculpture des feuillages fait l’unanimité, les maladresses provoquées par ses ciseaux et la moquerie des habitants vont le rendre difficilement adaptable à l’impitoyable vie en société. Si la dramaturgie met vraiment du temps à se mettre en place, le background du personnage se développe à travers des flashbacks mettant en scène son inventeur, interprété par le brillant Vincent Price, connu pour ses rôles dans des films horrifique comme L’Homme au Masque de Cire, La Mouche Noire, Vincent (le premier court métrage de Tim Burton) ainsi que le célèbre monologue de la chanson « Thriller » de Michael Jackson.

Le personnage d’Edward sait se montrer très attachant lorsque ses premiers sentiments apparaissent à l’égard de la lycéenne Kim, interprétée par Winona Ryder (Beetlejuice, Dracula, Frankenweenie 2012), qui est la seule personne à réellement le traiter comme un humain et non comme une bête de foire. Les musiques de Danny Elfman, surtout présentes dans les premières et dernières minutes, subliment le pathétique et la fatalité du personnage, notamment provoqués par la violence qui survient vers la fin. À l’instar de futurs films comme Ed Wood, Big Fish ou encore Big Eyes, Edward aux Mains d’Argent se veut finalement être un film très particulier, avec une atmosphère glauque qui se traduit davantage par un univers réaliste mettant en avant le jugement des personnes que par une esthétique gothique et monstrueuse.

Date de sortie : 23 juin 1989 (États-Unis),
13 septembre 1989 (France)
Réalisateur : Tim Burton
Acteurs principaux : Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger, Michael Gough
Genre : Super-héros, fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : Danny Elfman, Prince

Un monstre ailé terrorise…
vous n’avez encore rien vu !

Après le succès de Beetlejuice, Tim Burton obtient la réalisation d’un long métrage sur l’homme chauve-souris par Warner Bros, l’occasion d’utiliser sa fibre artistique afin de créer lui-même son interprétation de Batman, sa face cachée l’ayant toujours fasciné. C’est ainsi que naquit le premier film sérieux sur le personnage de Bob Kane, là où le long métrage et la série télévisée de 1966 faisaient passer le chevalier noir pour un véritable comique. Les comics des années 80 ayant enfin replacé Batman comme détective digne de ce nom, notamment avec des œuvres comme The Killing Joke et Year One, l’homme chauve-souris troque son costume bleu pour une imposante combinaison noire afin de mieux se fondre dans la nuit. Le scénario dépeint une Gotham City très sombre, ravagée par le crime et les gangsters, deux d’entre eux étant rapidement neutralisés par Batman sur les toits, ce dernier demandant même à ce qu’ils fassent la publicité de ses actes à leurs semblables, marquant d’emblée sa volonté d’être craint de tous. Doté d’un rythme renforçant l’intrigue d’une manière particulièrement efficace, le film a beaucoup marqué son époque et reste cultissime pour son esthétique sombre et malsaine, à tel point qu’il fut un temps classé parmi les films horrifiques. Il aura en outre créé le thème musical historique de Batman, dont seul Danny Elfman pouvait avoir le secret, popularisé le logo de la chauve-souris entouré d’un ovale jaune, ainsi que sa précieuse Batmobile.

Pour le rôle de Bruce Wayne, Burton reprend Michael Keaton après l’excellence de son interprétation sur Beetlejuice, la taciturnité du personnage apportant un contraste considérable avec l’excentricité du précédent. Le film comporte notamment Kim Basinger (Jamais Plus Jamais, Cool World, LA Confidential) dans le rôle de la journaliste Vicki Vale, Michael Gough (Le Cauchemar de Dracula, Le Fantôme de l’Opéra, Jules César) dans le rôle d’Alfred, Billy Dee Williams (Lando Calrissian dans L’Empire Contre-Attaque et Le Retour du Jedi) pour le procureur Harvey Dent, ainsi que Pat Hingle (Le Retour de l’Inspecteur Harry) dans le rôle du commissaire James Gordon. Mais c’est pourtant Jack Nicholson (Vol Au-Dessus d’un Nid de Coucou, Shining, Mars Attacks !) qui est cité en premier dans le casting pour mieux voler la vedette au justicier masqué avec son interprétation magistrale du gangster Jack Napier. La première partie du film est à ce sens très réussie grâce à son ambiance noire et malsaine mettant en concurrence plusieurs mafieux dont un infiltré dans la police. Nicholson joue particulièrement bien celui qui s’apprête à tomber dans une cuve d’acide avec son chapeau noir, ses regards ténébreux et ses cartes à jouer dont un magnifique plan dévoilant un Joker avec l’impact d’une balle. L’intrigue est intensivement ficelée en cherchant à ne dévoiler la véritable identité du méchant que bien plus tard pour mieux profiter de son personnage de base.

Je suis le premier artiste assassin au monde en parfait état de marche !

Et c’est là le grand point fort du film, Nicholson exprimant parfaitement l’essence de la personnalité du Joker avec sa folie destructrice, qui le fait tirer sur un de ses hommes par simple vexation ou encore marteler violemment la gâchette car la mort vient bien trop vite avec une seule balle. Ses blagues pas drôles dont il est le seul à rire le rendent d’autant plus dangereux avec une poignée de main provoquant une décharge électrique (« On va faire des coups fumants, et une java du tonnerre ! »), une publicité pour les produits de beauté qui déforment les visages en leur donnant un sourire forcé, ainsi que des ballons en forme de clown remplis de gaz hilarant. Sa dangerosité mortelle laisse également place à un style très distingué, tel le lancer de plume en pleine gorge (« La plume est plus forte que l’épée ! ») en plein rassemblement. Le passage le plus exquis reste celui où il revient vers son ancien patron, filmé en train d’avancer doucement depuis le fond de l’écran avec le visage dans l’ombre laissant petit à petit apparaître sa face blanchie, alors que la tension laisse place au thème comique « Waltz to the death », complètement décalé avec le dramatique de la situation pour mieux aller de pair avec le sourire dérangé du Joker. Le comique de ses interventions est également valorisé par les compositions de Prince, ayant produit la motion picture soundtrack du film, avec la piste « Partyman » quand il défigure les peintures dans le restaurant ou encore « Trust » lorsqu’il attire la foule en jetant des billets en pleine rue.

La figure de Batman est également creusée à l’occasion, à commencer par son alter ego Bruce Wayne. Michael Keaton réussit brillamment à dépeindre le côté asocial (quand il suit discrètement Vicki et son collègue dans le manoir) et tourmenté du personnage (quand il confie sa double vie à Vicki), avec une touche tantôt tragique (la rose qu’il place dans la rue où sont morts ses parents), tantôt comique (le tête-à-tête pendant lequel ils sont assis bout à bout le long d’une table de plusieurs mètres, les obligeant à se lever pour se passer le sel). Batman passe quant à lui en premier lieu pour un ennemi, étant encore inconnu des policiers qui tentent parfois de lui tirer dessus, mais prouve au fil du film qu’il est bien là pour protéger la population et le confirme même en offrant le bat-signal à la ville pour marquer la séquence finale. Burton ayant osé modifier le scénario d’origine en faisant de Jack Napier l’assassin des parents de Bruce, ce dernier conserve une relation particulière avec lui et doit sans cesse se retenir de tuer pour respecter son éthique, le Joker accentuant son tourment avec son illustre réplique « N’as-tu jamais dansé avec le diable au clair de lune ? ».

Le curé n’attend pas,
il faut être à l’heure à l’église !

S’il y parvient tant bien que mal dans un premier temps, on remarque qu’il se débarrasse de pas mal de gangsters après cette douloureuse nouvelle. Il annonce même au Joker qu’il va le tuer lors d’une séquence d’anthologie suivant l’ascension de la cathédrale, dans un affrontement à l’ancienne où Vicki et lui-même doivent se cramponner pour résister à ses piétinements. La folie du personnage atteint son apogée avec de nombreuses blagues parsemées de son rire retentissant (« Tu frapperais pas un type avec des lunettes quand même !! » lorsque Batman le cogne, « Qu’est-ce qui te fait rire toi !!? » en regardant la gargouille qui exprime tout sauf la joie, « Je lui ai donné la main !! » quand il piège Vicki en lui faisant croire qu’il veut l’aider à remonter en utilisant une fausse main), sans compter son dentier qui tombe et le poing qu’il s’éclate en voulant frapper Batman. La mise en scène est d’une redoutable efficacité et on aurait presque pitié du pauvre Joker, jusque-là toujours très sûr de lui, qui laisse pourtant transparaître un sacré désespoir sur son visage alors qu’il glisse petit à petit le long des barreaux de l’échelle ; mais ce qui ne l’empêche pas de garder le sourire une fois écrasé par terre, avec un petit rire automatique qui se déclenche.

Cultissime parmi les adaptations de Batman, l’œuvre de Tim Burton a su donner un nouveau souffle à la franchise grâce à l’interprétation sombre du justicier et au jeu d’une justesse rare de Jack Nicholson. Plusieurs adaptations verront le jour en jeux vidéo, notamment un jeu NES qui ne fera que s’inspirer du film, mais aussi une très sympathique version Game Boy et une version Mega Drive plus fidèle et aux graphismes affinés. Parallèlement au tournage du prochain film, c’est surtout la célèbre série animée de 1992 qui popularisera fortement Batman auprès des plus jeunes, avec un thème musical composé par Danny Elfman lui-même et de nombreux méchants de qualité dont un Joker tout juste exceptionnel doublé par le génialissime Pierre Hatet, connu pour la VF mythique de Christopher Lloyd. Un film d’anthologie qui connaîtra une suite exceptionnelle.