Date de sortie : 14 juillet 2010 (1h40min)
Réalisateur : Lee Unkrich
Doubleurs français : Jean-Philippe Puymartin, Richard Darbois, Igor De Savitch, Fabien Marsaud
Genre : Animation
Nationalité : Américain
Compositeurs : Randy Newman

Il aura fallu attendre une bonne dizaine d’années avant que Pixar ne se décide à réaliser une troisième aventure pour ses jouets préférés ! Et depuis tout ce temps, Andy a tellement grandi qu’il rentre à l’Université et n’a donc plus vraiment l’âge de jouer avec Woody et sa bande. Mis à part ce dernier qu’Andy devait emmener avec lui, les jouets sont alors délaissés et, au lieu de finir au grenier, ils se retrouvent dans un sac poubelle qui les emmène tout droit dans une garderie où les enfants les plus jeunes s’amusent à maltraiter les jouets en les fourrant dans la peinture ou en les cognant un peu partout. Tandis qu’ils échafaudent un plan pour fuir cet endroit dangereux, Woody a la chance d’atterrir au niveau des enfants un peu plus âgés et beaucoup plus calmes, et fait la connaissance de nouveaux jouets tous aussi variés les uns que les autres.

On trouve ainsi Ken le séducteur, compagnon de Barbie, ainsi que Labrosse le hérisson comédien, Trixie la tricératops qui se lie d’amitié avec Rex, Bouton d’Or la licorne tout droit issue des méandres d’Internet, Rictus le clown déprimé doublé par Grand Corps Malade, Stretch la pieuvre joyeuse, Big Baby le bébé avec un œil abîmé et un vieux jouet téléphone. Si Jessie et Pile-Poil sont toujours de la partie, la bergère et la voiture de course sont absents car ils n’appartiennent plus à Andy. Et tandis que Buzz et les autres cherchent à s’échapper, les lieux deviennent encore plus inquiétants lorsque le leader Lotso, un ours rose parfumé à la fraise, charge ses acolytes de les emprisonner dans des caisses afin qu’ils continuent de servir de cobayes aux jeunes enfants à leur place.

Le film se transforme alors en un véritable Prison Break, avec un Buzz reprogrammé pour monter la garde, de nombreuses caméras de surveillance et tout un plan à mettre en place pour neutraliser le singe crieur aux yeux cinglants à la manière du Juge Demort dans Qui veut la Peau de Roger Rabbit ? qui regarde les écrans. Rarement les relations entre les jouets n’auront été aussi intenses, chacun luttant pour son droit à une vie confortable après avoir été abandonné par l’enfant qui le possédait. Le background de Lotso est à ce titre un des plus intéressants de tout Toy Story et en fait le méchant le plus fascinant de la série grâce à la triste histoire qui l’a rendu cynique. Si le film est quasiment exempt de chansons, il ne manque pas d’humour et de situations marquantes comme le défilé de mode pendant lequel Ken met en avant sa garde-robe avant de se faire piéger par Barbie, Buzz qui se fait reprogrammer en un véritable cliché espagnol et les jouets qui manquent de finir dans un bassin de lave.

Comme son prédécesseur, Toy Story 3 comporte pas mal de clins d’œil, à commencer par la scène de l’emprisonnement en hommage à Luke la Main Froide (Stuart Rosenberg, 1967). On trouve également des références au premier Toy Story, comme le camion Pizza Planet que l’on peut apercevoir quand Lotso, Big Baby et Rictus partent en exil, et surtout l’éboueur qui n’est autre que Sid, l’ancien voisin d’Andy qui maltraitait les jouets, reconnaissable au crâne sur son tee-shirt et à la mélodie qu’il chantonne avec la voix d’Erik von Detten mentionné au générique de fin. Si le film a tant marqué à son époque, c’est aussi pour sa fin très émouvante durant laquelle Andy offre ses jouets à une petite voisine nommée Bonnie en jouant devant elle pour lui présenter ceux qui ont tant compté pour lui. Pour beaucoup le meilleur Toy Story, et assurément un des pixars les plus mémorables.

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Date de sortie : 24 novembre 1999 (États-Unis), 2 février 2000 (France)
Réalisateur : John Lasseter
Doubleurs français : Jean-Philippe Puymartin, Richard Darbois, Barbara Tissier, Arlette Thomas
Genre : Animation
Nationalité : Américain
Compositeurs : Randy Newman (chansons et orchestrations), Myriam Morea et Daniel Beretta (chansons VF), Jonathan Sacks et Ira Hearshen (orchestrations)

Suite directe du grand classique de Pixar sortie quatre ans après, Toy Story 2 prend place dans la nouvelle maison d’Andy alors que Woody et Buzz restent ses jouets favoris ainsi que la proie facile du nouveau petit chien de la famille. Lors d’une brocante, la troupe tente de sauver leur ami Sifli, un manchot asthmatique mis en vente pour cause de dysfonctionnement de son mécanisme qui lui permettait de siffler. Mais à force qu’Andy joue avec Woody, son épaule droite a commencé à se découdre et il a été déposé sur une étagère avant de se faire passer pour un jouet à vendre. Kidnappé par un collectionneur fan d’une ancienne série télévisée appelée Western Woody, il va faire la connaissance de son binôme féminin, une écuyère nommée Jessie, de son cheval Pile-Poil et du vieux chercheur d’or Papi Pépite, qui attendait sa venue depuis longtemps pour que la collection de jouets soit enfin complète.

Le thème de la désuétude est ici renforcé par celui de l’immortalisation par la collection. Conscient qu’il n’est plus un jouet tout jeune et qu’Andy finira bien par grandir, il hésite entre rentrer chez lui pour le retrouver en compagnie des autres jouets, et rester auprès de ses nouveaux amis pour devenir une pièce rare dans un musée, évitant ainsi le risque d’être un jour délaissé par Andy. Se sentant proche de Jessie, Woody se confronte néanmoins à elle alors que l’émouvante chanson « Quand elle m’aimait » montre qu’elle avait été abandonnée par une enfant avec qui elle jouait beaucoup. Les autres chansons sont peu nombreuses mais restent sympathiques entre le générique de la série Western Woody, son interprétation de « Je suis ton ami » à la guitare et la reprise finale de Sifli avec une voix grave au timbre très masculin.

De leur côté, Buzz et les autres sont bien décidés à ramener Woody et traversent la ville pour le retrouver. Arrivés dans un magasin rempli de rayons de différents jouets, ils font la connaissance de plusieurs barbies dont une hôtesse qui monte les rejoindre dans leur voiture et devient un personnage à part entière. Buzz tombe quant à lui sur tout un étalage de Buzz l’éclair emballés, dont un qui se réveille en croyant être un vrai ranger de l’espace en mission et qui l’enferme dans sa boîte afin de se faire passer pour lui auprès des autres. Il rencontre d’ailleurs l’empereur Zurg, le jouet censé être son ennemi juré dont on entend parler dans la premier film et que l’on voit lors de l’intro du film dans le jeu vidéo sur lequel Rex s’amuse. Les références à Star Wars se font à ce moment nombreuses, à commencer par Zurg qui lance un très inattendu « je suis ton père » à Buzz, parodiant l’aveu de Dark Vador à Luke Skywalker dans L’Empire Contre-Attaque.

On peut également citer la respiration de Dark Vador à l’intérieur du casque de Buzz, le bruit du laser d’un Stormtrooper quand il détruit une caméra, le bruit d’un sabre laser quand il touche l’hologramme de la pile d’énergie, ou encore l’empreinte qu’il laisse dans le jeu de sculptures en clous Pin Art qui rappelle l’enlèvement d’Han Solo. D’autres références cinématographiques sont également glissés tout au long de Toy Story 2. On trouve notamment le salut vulcain de Star Trek lors que les deux Buzz se séparent, les dalles sonores du repaire de Zurg imitent le thème musical de 2001 L’Odyssée de l’Espace, le chapeau melon de Monsieur Patate qui bloque une porte à la manière de Goldfinger, l’évasion de Buzz du magasin de jouets en référence aux Aventuriers de l’Arche Perdue, et Rex qui poursuit une voiture en clin d’œil à Jurassic Park.

Pixar a même incorporé des références à ses propres œuvres, comme des extraits de courts métrages (Tin Toy, Luxo Jr, Le Joueur d’Échecs) qui passent à la télé, le réparateur de jouets qui n’est autre que le vieillard de l’histoire du Joueur d’échecs, les jouets représentants de personnages de 1001 Pattes en arrière-plan dans la boutique, Tilt la fourmi et Heimlich la chenille étant également présents dans une scène supplémentaire du générique de fin lors du bêtisier. Il est intéressant de noter que l’antagoniste est cette fois-ci un jouet, Papi Pépite cherchant en effet à empêcher Woody de repartir car il se sent trop inutile en étant enfermé dans sa boîte sans pouvoir être admiré comme objet de collection. A contrario, Woody et Jessie imaginent plutôt le fait d’être regardés sans pouvoir bouger comme un ennui total, et préfèrent ainsi être auprès d’un enfant qui joue avec eux. S’il n’est pas tout à fait du niveau de son prédécesseur, Toy Story 2 démontre le savoir-faire de Pixar en matière de suite, bien meilleure que la plupart de celles de Disney.

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Date de sortie : 22 novembre 1995 (États-Unis), 27mars 1996 (France)
Réalisateur : John Lasseter
Doubleurs français : Jean-Philippe Puymartin, Richard Darbois, Jacques Ferrière, Henri Guybet
Genre : Animation
Nationalité : Américain
Compositeurs : Randy Newman (chansons et orchestrations), Charlélie Couture (chansons VF), Don Davis (orchestrations)

Coproduit par Walt Disney et le jeune studio Pixar pour la fin de l’année 1995, Toy Story est un film culte mettant en scène des jouets qui s’animent pour mener leur propre vie lorsqu’aucun humain ne se trouve aux alentours. Si le film de science-fiction Tron (Steven Lisberger, 1982) constitue le premier long métrage dont la conception a été assistée par ordinateur pour une majorité de ses scènes, Toy Story est quant à lui le premier film de l’histoire du cinéma entièrement réalisé en images de synthèse. Disney avait auparavant déjà utilisé cette technique lors de certaines séquences de ses films passés (le fond de la scène du bal dans La Belle et la Bête) et recherchait déjà de nouvelles formes d’animation, comme le stop-motion utilisé pour réaliser L’Étrange Noël de Monsieur Jack (Henry Selick, 1993). Le personnage principal Woody, doublé par Jean-Philippe Puymartin (qui faisait également la voix de Timon dans Le Roi Lion), est un cow-boy qui a la chance d’être le préféré d’Andy, le jeune garçon dont le chambre contient de nombreux jouets qui s’éveillent quand il n’est plus là.

Les autres jouets sont divers et variés et ont chacun leur caractère : Monseur Patate est assez grognon avec ses parties du visage amovibles, Rex un dinosaure gaffeur à la voix tout aussi tordante (Jurassic Park était passé par là deux ans plus tôt), Zigzag un chien avec un corps en ressort, Bayonne un cochon-tirelire à peine plus futé que Rex, une jeune bergère qui semble avoir un faible pour Woody, et le fameux Sergent qui commande à lui seul toute une armée de petite soldats verts en plastique. Le thème général qui fait toute la richesse du film est celui de l’amitié, comme l’annonce l’apaisante chanson d’introduction « Je suis ton ami », interprétée par Charlélie Couture (qui chante également les deux autres). L’amitié se concrétise par celle entre Andy et Woody, mais aussi par les liens qui unissent les jouets entre eux. Et l’attachement est tel que chaque anniversaire est une source d’angoisse pour eux, de peur de se retrouver au placard à cause de la venue de nouveaux jouets qui pourraient les remplacer.

Et les difficultés de l’amitié surviennent lorsqu’une nouvelle personne arrive dans un groupe et change les rapports entre les gens par ce qu’il apporte. Symbolisant une nouvelle génération par son packaging à la pointe et sa technologie du futur (« Il a plus de gadgets ultra-modernes qu’un couteau-suisse. »), Buzz l’éclair devient alors le nouveau jouet préféré d’Andy et Woody se retrouve mis de côté, servant de cible au rayon laser du ranger de l’espace dans la très émouvante chanson « Étrange, bizarre », dans laquelle le pauvre cow-boy se sent complètement délaissé par celui qu’il croyait être son meilleur ami, qui va jusqu’à remplacer sa décoration et sa couverture de lit par des motifs arborant Buzz l’éclair. Doublé par le charismatique Richard Darbois (qui faisait aussi le Génie dans Aladdin), Buzz a la particularité de se croire être le seul et unique ranger de l’espace en mission spéciale sur une planète inconnue.

Une bonne partie de l’humour vient alors du contraste entre la fascination des autres jouets à son égard et la volonté qu’a Woody de lui faire comprendre qu’il n’est qu’un jouet en plastique (« Ce n’est pas un laser ! Ce n’est qu’une petite ampoule qui brille. »). Cette personnalisation jusqu’à croire être une personne réelle se retrouve dans le distributeur de petits aliens, où tous considèrent le grappin comme leur dieu (« Le grappin m’a choisi. Adieu mes amis, je vous quitte pour un monde meilleur. »). Le comique vient aussi et de jeux de mots plus ou moins douteux (« Mais c’est de l’art, gros lard ! ») et de références à l’industrie du jouet (« J’viens de chez Mattel. Enfin pas vraiment de chez Mattel, j’viens d’une petite compagnie qui s’est fait dévorer par une OPA… »). Mais l’émotion suit son cours lorsque Buzz se rend compte qu’il n’est effectivement qu’un jouet en voyant une pub à la télévision, et qu’il se casse un bras en tentant de voler sous la triste chanson « Jamais plus je ne volerai ».

Alors que Woody est rejeté par les autres jouets pour avoir tenté de mettre Buzz à l’écart de la chambre (« Et si Andy jouait plus avec moi qu’avec toi, tu me balancerais aussi par la fenêtre !? »), il va chercher à se racheter en partant à sa recherche pour finalement gagner son amitié lors de leurs mésaventures. Car si certains enfants prennent grand soin de leurs jouets, d’autres ne voient aucun inconvénient à les bricoler et à expérimenter toutes sortes de choses avec eux (« Personne n’a jamais tenté une transplantation cervicale et un triple pontage. »). Et c’est Sid, le voisin d’Andy, qui va les séquestrer dans sa chambre rempli de jouets modifiés à l’apparence terrifiante. Le thème de l’amitié se voit alors renforcé par les aveux de Woody comme quoi Buzz est un super jouet (« Mais réfléchis une seconde ! Tu es un Buzz l’éclair ! N’importe quel jouet vendrait ses pièces détachés pour être toi. Tu as des ailes, tu brilles dans le noir, tu parles ! Ton casque fait ce truc insensé… ! T’es vraiment super comme jouet ! ») et ce pourquoi il doit se ressaisir pour qu’ils quittent la maison ensemble (« En face il y a un enfant qui trouve que tu es le meilleur ! Et pas parce que tu es un ranger de l’espace, mais parce que tu es un jouet ! Tu es SON jouet ! »).

La fin regorge de qualités avec la révolution des jouets face à Sid (« Tu crois vraiment que j’suis pété petit ? Oui mon gars, c’est à toi que je m’adresse, Sid ! »), la course poursuite pour aller vers la voiture où se trouve Andy en route vers sa nouvelle maison et le final pendant lequel Buzz et Woody se regardent de manière ironique en entendant qu’Andy venait d’avoir un petit chien pour Noël (celui de Sid leur ayant posé bien des problèmes). S’ajoutent à cela quelques références salaces toujours bien cachées chez Disney (« Je pourrais demander à quelqu’un de surveiller le troupeau à ma place ce soir… »). Bien que ses images de synthèse accusent largement le poids de l’âge en presque vingt-cinq ans d’existence, Toy Story demeure un très bon film emblématique pour son univers singulier et terriblement bien animé comme seuls les studios Pixar savent le faire !

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Date de sortie : 13 juin 2019 (1h 36min)
Réalisateur : Kenji Kodama
Doubleurs français : Vincent Ropion, Danièle Douet, Thierry Mercier, Agnès Gribe
Genre : Animation
Nationalité : Japonais
Compositeur : Taku Iwasaki

City Hunter a décidément le vent en poupe en 2019 ! Après la très bonne adaptation de Philippe Lacheau en début d’année, c’est Kenji Kodama qui remet en scène l’irrésistible détective privé dans un long métrage animé intitulé Nicky Larson Private Eyes, qui mêle efficacement humour, action et dramaturgie, renforcé par une technique de grande qualité. La direction artistique est brillamment modernisée avec de belles images de synthèse, des dessins aux contours moins carrés et une animation très fluide, certains panoramas étant vraiment sublimes grâce aux couleurs pastels qui ressortent du fond. Contacté par Iris Woods, une mannequin dont le père est « accidentellement » tué lors de l’introduction du film, Nicky doit faire face à une bande de mercenaires cherchant à s’en prendre à Tokyo tout entière via un trafic d’armes modernes contrôlables à distance. Laura retrouve quant à elle un certain Christopher, un ami d’enfance parvenu à la tête d’une puissante société qui va tenter une romance dangereuse avec elle.

Pendant ce temps, Nicky garde un œil sur Iris tout en enquêtant sur ses menaces non sans un certain humour. Fidèle à lui-même, ce dernier ne peut s’empêcher d’arborer un faciès de pervers au moment où on s’y attend le moins, ce qui lui vaut toujours de nombreux coups de massue entre autres neutralisations efficaces. L’humour passe aussi par une petite mascotte formant une ligne horizontale en plein écran avec des points tandis qu’un personnage affiche un visage gêné suite à une vanne, et par une absence quasi totale de censure concernant l’érotisme. On trouve notamment Nicky qui frotte sa tête entre les seins d’une fille, un passage où il joue lui-même le strip-teaseur dans un bar (une émoticône cachant son entrejambe les cas échéants) et un doublage français parfois très cru avec des mots comme « blaireau » et « coup » (en référence aux fameuses faveurs que lui doit son ex). La VF est à ce propos très réussie, la totalité des personnages (excepté Mammouth) ayant conservé leur doubleur d’origine, et Philippe Lacheau himself incarnant la voix derrière le méchant.

Les points forts du film sont nombreux, à commencer par un scénario bien élaboré avec moult protagonistes et des séquences d’action qui en jettent, Nicky Larson étant toujours une sorte de Superman évitant les balles et mettant à terre à lui tout seul des armées d’humains et de drones de combat. Des musiques bien connues comme « Footsteps » et « Get Wild » ainsi que de superbes génériques de début et de fin en version japonaise viennent s’encastrer directement dans la narration. L’univers de la série va même jusqu’à donner un rôle aux trois héroïnes de Cat’s Eyes de Tsukasa Hojo après une brève apparition dans leur établissement éponyme. Classique dans son déroulement et ses thématiques, Nicky Larson Private Eyes fait bien plus que le minimum syndical grâce à une réalisation de très haute volée qui rappelle à quel point la licence peut étonner en qualité !

Date de sortie : 18 octobre 1967 (États-Unis), 4 décembre 1968 (France)
Réalisateur : Wolfgang Reitherman
Doubleurs français : Pascal Bressy, René Arrieu, Claude Bertrand, Jean Martinelli, Roger Carel, José Bartel
Genre : Animation
Nationalité : Américain
Compositeurs : George Bruns, Walter Sheets (orchestrations), Evelyn Kennedy (montage sonore), Terry Gilkyson, Richard M. Sherman et Robert B. Sherman (chansons)

Inspiré du roman éponyme de Rudyard Kipling, Le Livre de la Jungle est un grand classique des longs métrages Disney datant de 1967, avec ses dessins crayonnés qui dégagent un fort cachet, que l’on retrouve chez d’autres disneys contemporains tels Merlin l’Enchanteur, Les Aristochats et Robin des Bois. L’histoire met en avant Mowgli, un petit garçon abandonné alors qu’il n’était encore qu’un bébé, recueilli par la panthère Bagheera et confié à une famille de loups qui va l’élever jusqu’à ce qu’il doive partir pour rejoindre un village humain dans la jungle afin d’échapper à Shere Khan, le tigre qui craint les hommes et leur capacité à faire du feu. Âgé d’environ sept ans, le « petit d’homme » est souple, téméraire et cherche à apprendre à se débrouiller tout seul car il se sent trop épaulé par Bagheera, c’est pourquoi il lui préfère rapidement l’ours Baloo, bien plus cool et moins sévère.

Mowgli rencontre plusieurs autres animaux pendant son petit périple : la patrouille des éléphants dirigée par le colonel Hathi et dont son fils de la taille de Mowgli fait partie, le boa Kaa qui tente de l’hypnotiser pour le dévorer, le roi Louie et sa tribu de singes cherchant à devenir un homme (les primates étant souvent considérés comme étant l’espèce la plus proche de l’homme) et la troupe de vautours qui vont l’aider entre deux jets d’humour noir. S’il a pu vieillir au niveau du rythme qui peut parfois paraître lent, Le Livre de la Jungle regorge de qualités au niveau des personnages et de leurs attributions musicales. La chanson la plus connue, « Il en faut peu pour être heureux », respire la bonne humeur que Baloo transfère à Mowgli, ce dernier la reprendra même plus tard alors que Baloo aura pour une fois quelque chose de sérieux à lui dire, tout comme le duo Baloo Bagheera à la fin. « La Patrouille des Éléphants », également réitérée plus tard, met une bonne ambiance avec sa personnalisation de l’armée mais aussi une bonne dose d’humour avec leur dégaine, l’inspection des rangs du colonel et Mowgli qui les imite.

Kaa est sans doute un des meilleurs personnages du Livre de la Jungle, une sorte de méchant qui n’en est pas vraiment un tant il fait rire avec sa voix de lupin zozotante, ses yeux ronds en spirale et la longueur de son corps, notamment quand il n’en finit plus de tomber de l’arbre et qu’il repart comme s’il était rouillé et avec un nœud à sa queue. Sa célèbre chanson « Aie Confiance ! » illustre parfaitement son écriture à la fois drôle et traîtresse, et le tigre Shere Khan utilise même la partie de son corps qui pendouille comme sonnette pour s’adresser à lui. Très bonne également, « Être un Homme comme Vous » chantée par le roi Louie respire tout le comique du personnage, accompagnée de la course poursuite qui s’ensuit pendant laquelle chaque personnage s’empare de Mowgli l’un après l’autre, avec Baloo qui se prend des coups et Louie qui exprime clairement sa nature définitivement animale en riant de ses chatouilles.

Bagheera et Shere Khan sont des personnages plus sérieux qui ne chantent que pour de petites reprises. Bagheera est un peu comme un père qui veille de loin sur Mowgli en faisant attention à ce que Baloo ne lui apprenne pas n’importe quoi ; c’est pourtant ce dernier que le petit d’homme appelle « Papa ours ». Il tire parfois une tête sérieuse suivie d’une plus narquoise quand il a une remarque à lui faire (animations reprises du personnage de Kay dans Merlin l’Enchanteur), et sa voix assez grave marque bien son rôle de mentor. Shere Khan est quant à lui un méchant classique tout ce qu’il y a de plus rusé et puissant, dont le charisme sera des années après repris pour Scar dans Le Roi Lion (tout comme Bagheera peut rappeler certains lions). Ses attaques contre Baloo sont d’ailleurs particulièrement violentes et tous doivent prêter main forte à Mowgli afin qu’il s’en sorte. Il parvient cependant un peu trop rapidement à en venir à bout en attachant une branche enflammée à sa queue.

À côté de toutes ces chansons, il ne faut pas oublier l’élégie des vautours sur l’amitié, bien marquante pendant ce passage assez triste, ainsi que celle de la petite fille tout à la fin, très émouvante malgré le grotesque cliché que ses paroles décrivent tant sa voix est pleine de vie et de sincérité. Mowgli est alors déboussolé de voir un autre humain pour la première fois, qui plus est une fille, pour qui il semble avoir un certain coup de cœur bien qu’il hésite à aller la rejoindre, à la fois par peur et à cause de l’attachement qu’il a pour la jungle et ses compagnons. Beaucoup de richesse dans ce Livre de la Jungle, qui aura également été marqué par la mort de Walt Disney peu avant sa sortie. De loin un des meilleurs disneys de son époque !