Attention au Blob ! de Larry Hagman

Par

mai 30, 2024

Réalisateur : Larry Hagman
Genre : Navet dans tout ce qu’il entreprend
Duree : 87 minutes interminables
Date de sortie : 1972
Origine : États Unis
Distribution : Robert Walker Jr, Gwynne Gilford, Richard Stahl et moult acteurs inconnus, qui doivent bien le regretter dans leur CV.

et encore…

Dans les années 90, il y avait un truc qui aurait dû être illégal, c’est le principe de jaquette mensongère. Très souvent, dans les grandes surfaces vous aviez un bac plein de VHS, à prix défiant toute concurrence et vous proposant des films d’horreur et d’action (principalement) avec des jaquettes qui vous envoyaient du rêve. Et comme on n’était pas très regardant sur le copyright, parfois même la jaquette vous proposait carrément des acteurs ou des images tirées d’autres films. C’est comme ça, que j’ai supplié ma mère à l’époque de m’acheter ce que je croyais être Le Blob de Chuck Russel (The Mask, L’effaceur, Les griffes du cauchemar) et qu’au final je me suis retrouvé avec cette immondice d’Attention au Blob de Larry Hagman (l’inoubliable JR de Dallas)

Je vais spoiler sec, dans cette critique mais, cela ne gâchera rien si d’aventure vous voulez le voir. Et d’ailleurs je ne vous le conseille pas, ou alors vraiment pour rire entre potes.

Bref, Attention au Blob est donc une pseudo suite au Blob avec Steve McQueen, mais franchement niveau suite on est au niveau Dents de la mer 4 (en pire).

On a donc notre Blob qui au début du film tient dans un demi-bocal (pourquoi, comment, on n’aura pas de réponses) et qui réussi par on ne sait quel miracle à ouvrir son couvercle et absorber une mouche. Ragaillardi par ce repas et prenant du volume, il va ensuite bouffer un chat, et un monsieur noir.

Alors, je précise tout de suite, parce que le film ne passerait plus du tout maintenant (et c’est pas plus mal) mais le Blob qui bouffe tout, va y aller suivant un schéma assez malsain et assez représentatif de l’état d’esprit de l’époque. Donc, avant de s’attaquer à l’américain blanc et blond, il va donc manger : une personne noire (la VF ferait d’ailleurs rougir de honte Michel Leeb, tant le doublage est outrancier), sa femme, un hippie et un coiffeur homosexuel tellement caricatural, que Michel Serrault dans la Cage aux folles passerait pour Clint Eastwood.

Et ensuite, seulement va commencer à aller taper dans la jeunesse locale. À chaque fois en prenant du volume.

Et quand je dis qu’il prend du volume, je parle d’un truc qui de base tenait dans un bocal et qui à la fin du film fait la taille d’un stade de foot.

Et bien croyez le ou non, il arrive quand même à ce faire discret, et les victimes toutes plus connes les unes que les autres, prennent un malin plaisir à aller s’engluer dedans, quand bien même le Blob reste assez statique.

Mais si les victimes sont stupides, le Blob n’est pas en reste, puisque c’est à ma connaissance le seul méchant d’un film qui se suicide, en allant prendre d’assaut une patinoire, dans laquelle le reste de la ville s’est réfugié, sachant que son seul et unique point faible est le froid.

Du coup il se gèle de lui-même.

Mais ce n’est pas fini, car le film s’achève sur un cliffangher pas piqué des hannetons, puisque la presse locale débarque et la chaleur des projecteurs libère le Blob, le film s’achevant sur le mot : Fin ?

Bon, vous l’aurez compris, il n’y a rien à sauver dans ce film. Tout est raté : le jeu des acteurs, les dialogues, l’humour (oui, parce que le film parfois à l’ambition d’être drôle), et bien évidemment le Blob en lui-même, qui ne vous provoquera de peur que si vous tremblez devant un pot de confiture traînant dans votre frigo.

Cependant, comme je l’ai dit le film fait beaucoup rire à ses dépends, mais il est trop antipathique pour être considéré comme un nanar.

Bref, pour la curiosité, éventuellement ou pour vous moquer de lui (il le mérite), vous pouvez regarder, sinon je ne vous le conseille vraiment pas.

Hudson Hawk de Michael Lehmann

Par

Nicolas Leduc

mai 23, 2024

Réalisation : Michael Lehmann
Genre : Aventure, action, comédie
Duree : 95 minutes
Origine : États Unis
Date de sortie : 24 mai 1991
Distribution : Bruce Willis, Danny Aiello, Andi MacDowell, Richard E Grant, Sandra Bernhard, James Coburn, David Caruso…

Hudson Hawk, réputé pour être le cambrioleur le plus talentueux du monde, sort de prison après de nombreuses années. Alors qu’il aspire à une vie calme, il se retrouve malgré tout obligé, pour sauver son meilleur ami des mains d’un couple de riches mégalomanes, de reprendre du service. Son objectif est de dérober trois objets cachés dans des œuvres, créés par Léonard de Vinci lui-même, et qui une fois assemblés donnerait un fabuleux pouvoir…

Exceptionnellement, je ne noterais pas ce film. Parce que si je m’écoutais, ça partirait directement sur un dix sur dix. Or il faut savoir raison garder, et le film ne mérite pas cette note du moins d’un point de vue formel.

Ce film pour moi est mon préféré avec Bruce Willis. Oui, oui, devant les Die Hard, devant Sixième sens, même devant Incassable. Ce film est une pure comédie jubilatoire.

Pour comprendre mon ressenti, il faut retourner dans les années 90.

Un après midi de désœuvrement, alors que je regardais la collection de VHS de mon frère, je tombe sur l’une d’entre elle, même pas en boîtier, mais dans un fourreau en carton. L’image ne me fait pas envie. On y voit Bruce Willis, faisant la moue, coiffé d’un chapeau informe et portant des lunettes de soleil rondes…

Rien d’aguichant, pour l’adolescent que j’étais alors, mais ayant beaucoup aimé Piège de Cristal et 58 minutes pour vivre, et succombant à l’ennui, je décide tout de même de laisser au film sa chance.

1h30 après, je rembobine la cassette, et me le rematte illico dans la foulée.

Le lendemain, j’invite un pote circonspect pour lui montrer. J’en parle à tout le monde. Ce film bien qu’à des années lumières des autres films qui composent alors le top de mes films préférés, vient d’y entrer de manière fracassante.

De la première minute à la dernière image, le film me fout une patate comme jamais. C’est l’une des comédies les plus drôles que j’ai vu.

Tous les registres d’humour y passent : du comique de situation, de la parodie, des références, aux dialogues, à l’absurde (les hommes de mains qui portent le nom de barres chocolatées)…

Alors oui, un frôle parfois le nanar, mais le film est tellement sympathique qu’on lui pardonne aisément ces errements.

Et les acteurs, les acteurs. Entre Richard E Grant et Sandra Bernhardt, qui forment le couple Mayflower, méchants caricaturaux à la James Bond, qui cabotinent comme si leur vie en dépendait, à James Coburn dans un rôle d’ex militaire, complètement à contre emploi, en passant par Andie MacDowell (toujours sublime) en agent de liaison qui se révèle être une bonne sœur sous couverture, à Danny Aiello, en pote lourdingue et attachant, et surtout, surtout à Bruce Willis.

Bruce met le paquet, et bien que sacrément épaulé, porte tout le film sur ses épaules. Cynique, désabusé, jubilant, faisant des mimiques dont seul lui a le secret, il nous offre l’un de ses meilleurs personnages. Et à partir du moment où vous aurez lancé le film, vous n’aurez qu’une envie, savoir si Hudson va enfin pouvoir boire son cappuccino.

Ce film, sorte de parodie de James Bond et d’Indiana Jones, qui va à cent à l’heure, pioche allègrement dans le cartoon (bruitage et situation burlesque : la poursuite sur autoroute en brancard) et dans la comédie musicale (pour chronométrer ses casses Hudson Hawk chante des chansons).

Il y a beaucoup trop à dire sur ce film, et comme il se vit, vraiment, je ne tiens pas à vous spoiler d’avantage.

Injustement écharper par la critique et les spectateurs à sa sortie, le film a acquis au fil des années une petite aura culte.

Malgré tout assez méconnu, je ne peux que vous conseiller séance tenante de vous ruer dessus, même si, j’ai conscience que le film et son humour ne plaira pas à tout le monde.

Dernière chose, je vous conseille également, exceptionnellement, de regarder le film en VF, les voix françaises sublimant le métrage.

8 mm de Joel Schumacher

Par

Nicolas Leduc

mai 16, 2024

Réalisation : Joel Schumacher
Genre : Thriller, Polar Hard Boiled
Durée : 123 minutes
Origine : Allemagne, États Unis
Sortie : 10 Mars 1999
Restriction : Interdit au moins de 16 ans
Distribution : Nicolas Cage, Joaquin Phœnix, James Gandolfini, Peter Stormare, Chris Bauer, Myra Carter, Amy Morton…

Nicolas Cage… Même si j’éprouve beaucoup de sympathie pour le bonhomme, son jeu m’a toujours laissé perplexe. Capable du meilleur (Lord of war) comme du pire (The Wicker man, par exemple) son surjeu l’amène souvent à flirter avec la frontière du cabotinage, voir à la franchir carrément, quand bien même le réalisateur qui le dirige soit un grand nom (David Lynch, John Woo…). Donc quand un réalisateur comme Joel Schumacher, lui aussi capable du meilleur (Génération perdue, Chute libre, Phone Game) comme de l’atroce (Batman forever et Batman et Robin pour ne citer qu’eux) décide de le diriger dans un polar sans concession, au sujet assez casse-gueule, on peut s’attendre à tirer à pile ou face sur le résultat.

Coup de bol, le film qui en résulte est, à mon sens, l’un des meilleurs de leur filmographie respective.

8mm est donc un polar vraiment méchant (dans le fond plus que dans la forme, même si le film comporte son lot de passage gratinés), sec et sobre, et disposant d’un casting quatre étoiles : Nicolas Cage, donc, mais également Joaquin Phœnix (Joker, Gladiator…), James Gandolfini (Les Sopranos), Peter Stormare (Fargo, Prison Break) et même un Norman Reedus dans un tout petit rôle.

Le film nous raconte donc l’histoire de Tom Welles, détective privé, qui se voit offrir une coquette somme d’argent par la fraîchement veuve Mme Christian pour enquêter sur un film en 8mm trouvé dans le coffre fort de son mari après sa mort. Sur le film, on voit une jeune fille se faire massacrer au couteau par un homme masqué. Mme Christian veut savoir si le film en question est une fiction ou une réalité.

Tom Welles décide donc de partir à la recherche des identités de la jeune fille et de celle de son bourreau. Pour cela, il plonge dans le monde sordide de la pornographie amatrice, hardcore, et se frotte à la légende urbaine des « snuff movies », film dans lesquels des personnes sont réellement tuées…

Ce film est un très bon polar hard boiled, passionnant et que je recommande, bien que sa dureté n’en fasse pas un objet à mettre devant tous les yeux. En effet, bien que vraiment excellent, le film est également assez déprimant de par son nihilisme et le propos du film reste vraiment choquant. Je préfère prévenir.

En fait, plus que déprimant, le film est surtout incroyablement triste. Tout dans le film nous ramène à une certaine forme d’ordinarité pour ne pas dire médiocrité. Le message du film pourrait être : la vie est pourrie et elle va vous en faire baver.

On apprend assez vite qui sont les différents protagonistes derrière le film notamment la jeune fille, Mary Ann, et son bourreau, acteur surnommé Machine. Et bien que le monde dépeint jusque là est sinistre et glauque, une part de nous veut croire à la mise en scène, encore plus après la vision de deux prétendus snuff par Tom et Max (Joaquin Phœnix, dans le rôle d’un jeune vendeur de produits érotiques et allié de circonstances pour Tom). Les films sont extrêmement violents et montre le meurtre sauvage d’une jeune femme, jusqu’à ce que Tom remarque que la victime est toujours interprété par la même actrice. Tom et Max sont soulagés et le spectateur aussi. Si ça se trouve Mary Ann, pour laquelle on s’est beaucoup attaché au fil de l’enquête, n’est peut être qu’une actrice dans une performance…

Sauf que non, Mary Ann est bien morte. Et Tom comme le spectateur, découvre ça, en même temps que le mobile assez ignoble

par sa simplicité : M Christian était suffisamment riche pour se le permettre. C’est tout. L’homme s’est offert un meurtre. Et aucune des personnes impliquées ne risquent rien, légalement, puisqu’il n’y a plus aucune preuve.
Dans une scène assez effroyable dans le traitement, Tom appelle alors la mère de la victime et lui demande la permission de tuer les responsables restant. Pour que justice soit faite.
Et si au final, il tue le directeur de casting pervers, le réalisateur, médiocre tâcheron qui se croit le Orson Wells du porno, mais ne réalise que des films porno underground lamentable, et Machine, (qui est lui aussi affligeant de banalité sans son masque. On est loin en le découvrant de la figure quasi monolithique à la Michael Myers, vendue tout le long du film, mais on se retrouve face à un M Tout le monde, quinquagénaire, bedonnant, myope et à la calvitie naissante.) le vrai responsable derrière tout ça, M Christian, s’est éteint paisiblement et Mary Ann n’aura jamais justice. Elle ne sera qu’une victime sacrifiée et anonyme.

Dans la dernière scène Tom rejoint sa femme et la supplie de le sauver en pleurant. Mais peut elle le sauver du monde ?

A noter qu’il existe une suite, toute nulle et qui n’a rien à voir !

Mahler de Ken Russell

Par

Nicolas Leduc

avril 18, 2024

Réalisation : Ken Russell
Origine : Royaume Unis
Genre : Biopic, Drame
Durée : 115 minutes
Date de sortie : Mai 1974
Sortie Blu Ray : 27 Février 2024
Distribution : Robert Powell, Georgina Hale, Lee Montague, Miriam Karlin, Rosalie Crutchley…

Le biopic est ingrat, formule éculée au possible, il est complexe de pouvoir le faire évoluer au risque de tomber dans une formule qui hante elle-même celle de la musique, celle de l’artiste déchue en quête de rédemption par la musique. Cet espèce de cliché de l’artiste maudit semble d’ailleurs être ancré à jamais dans l’esprit collectif à n’importe quel art.

Ken Russel, enfant terrible du cinéma britannique, fait un choix profondément radical qui en perdra plus d’un mais passionne indéfiniment en adaptant la vie du compositeur Gustav Mahler.

1911, Gustav Mahler, brillamment incarné par Robert Powell, prend un train et repense à ses démons. Sur le point de mourir, il est pris de cauchemars freudiens et divinatoires qui se mêlent à sa musique.

Mahler est indéniablement un film de Ken Russel dans la mesure où son cinéma s’immisce dans l’univers du compositeur au forceps. Le magnifique paradoxe qui en découle est cette osmose qui se met en place entre les deux univers. La musique si mystérieuse de Mahler s’emboîte parfaitement aux rêveries baroques et explosives du cinéaste. Ainsi le film s’ouvre sur une image qui s’imprime dans l’esprit du spectateur, un énorme buste représentant la tête du compositeur est embrassé par une créature féminine sortant d’une chrysalide organique évoquant un papillon. En quelques plans les complexes du personnage sont dévoilés et nous comprenons qu’il se précipite vers une destinée funeste qui le rend prisonnier d’un passé compliqué.

Ainsi, le film explore les angoisse lubrique d’un homme qui a peur de perdre sa femme à cause de sa condition de juif. Mahler est mort avant de connaître le nazisme mais les errances antisémites d’un monde en proie à la bête noire de la haine de l’autre sont déjà prégnantes. Russel élabore donc des visions prémonitoire d’une Allemagne en proie à la doctrine d’Hitler. Par exemple lors d’une scène d’enterrement où le compositeur est enterré vivant par des SS accompagnés de sa femme qu’ils séduisent devant lui ébahit par la terreur de ce spectacle macabre. Le cinéaste expérimente dans cette séquence avec une lentille qui transforme l’image en mosaïque multipliant les points de vues. Le baroque se mêle donc à la valse macabre de l’œuvre de Mahler face au cauchemar Wagnérien.

Mahler est donc une grande œuvre qui vaut plus le détour tant elle mélange une approche moderne du biopic et de la musique afin d’évoquer des malheurs contemporains. Cette approche évite donc de concevoir le cinéma qui s’intéresse aux pop stars comme quelque chose de déjà vétuste et enterré. C’est tout le paradoxe de ce film funeste qui célèbre à la fois Mahler autant qu’il l’enterre.

Par Nicolas Perreau

Le 27 Février 2024, les éditions BQHL ont eu l’excellente idée de rééditer le film Mahler du génial Ken Russell.

Film fou, baroque et fascinant, l’histoire prend place en 1911, quand Mahler de retour de Vienne, ne sait pas que ses jours sont comptés. Pendant son voyage, le compositeur se remémore les moments les plus marquants de sa vie, de l’antisemitisme subit pendant son enfance, aux violences de son père, sa femme Alma, et les morts traumatisantes de sa fille et de son frère.

Ken Russell n’est pas un réalisateur comme les autres, en témoigne sa filmographie : Les Diables, Tommy…

Cependant son amour pour la musique transpire dans énormément de ses travaux, et finalement le voir adapter la vie de Gustav Mahler semble presque logique tant l’homme était torturé.

Et la vision de Russell offre peut être, l’un des meilleurs biopic à ce jour. Et certainement le plus halluciné.

Le film ne se conçoit pas comme une histoire linéaire mais comme des fragments fantasmés, enchaînant magistralement les scènes, toutes plus poétiques et folles les unes que les autres, de la scène d’ouverture où Alma sort de sa chrysalide, à celle où Mahler se convertit au catholicisme, ramenant au cinéma muet, chaque plan, chaque séquence est un tableau vivant, fantasque et envoûtant, toujours, toujours portés par la magnifique musique du compositeur.

Le film se vit plus qu’il ne se voit et est l’équivalent cinématographique d’un rêve.

Et pourtant, malgré la grandiloquence des scènes, le film reste presque sobre et calme dans sa folie, chaque élément étant parfaitement maîtrisé.

Russell nous offre ici une tragédie moderne, fantasme de la vie d’un homme fascinant et abîmé par la vie, film qui le célèbre et l’éteint, dans un fantastique déluge onirique.

Une sacrée claque, donc, que les éditions BQHL nous propose avec une image impeccable et un son parfait. En bonus, nous trouvons également une présentation du film par Justin Kwedi.

Bref, un film magnétique, vivement recommandé.

Par Nicolas Leduc

Le chat et le canari de Radley Metzger, sortie Blu Ray par Rimini

Par

Nicolas Leduc

avril 4, 2024

Réalisation : Radley Metzger
Genre : Enquête
Origine : Royaume Uni
Durée : 98 minutes
Date de sortie : Novembre 1978
Distribution : Honor Blackman, Michael Callan, Olivia Hussey, Carol Lynley, Peter McEnery…

Sortie Blu Ray : 22 Mars 2024

Les éditions Rimini aiment bien nous sortir des bobines un peu oubliées de derrière les fagots. Pour le dernier arrivé de leur collection Angoisse, Rimini nous a pêché une curiosité assez particulière : Le chat et le canari.

Et pour être assez franc, je ne sais pas vraiment quoi en penser.

Pourtant, le pitch de base est assez classique, jugez plutôt :

Vingt ans après son décès, un milliardaire fait convoquer les membres de sa famille encore en vie dans son immense demeure, pour dévoiler via un film qu’il a tourné peu de temps avant sa mort, qui héritera de toute sa fortune. Son exécutrice testamentaire leur apprend qu’un deuxième film a été tourné, pour désigner un second héritier, dans le cas où le premier décéderait ou perdrait ses facultés mentales dans les douze heures à venir.

Alors que l’héritière est désignée, et que certaines tensions se font ressentir, un médecin débarque et leur apprend qu’un tueur s’est échappé d’un asile proche et serait susceptible de venir leur rendre visite…

Je vais tout de suite mettre les choses au clair : contrairement à ce que son titre et son pitch pourrait laisser croire, ce film n’est ni un giallo ni un slasher.

On se retrouve plutôt devant une enquête à la Agatha Christie, étonnamment « sympathique ».

En effet, le film semble ne pas savoir dans quelle direction aller, et si le début peut laisser entrevoir une sorte de tension à venir, il lâche vite l’affaire en cours de route, semblant par moment plus se rapprocher du vaudeville que de l’horreur.

Le film est long, s’embourbe dans des situations rocambolesques, se complique inutilement la tâche avec ses intrigues à tiroir, part dans tout les sens, et surtout est incroyablement timide au niveau des morts. C’est bien simple, le tueur tue en tout et pour tout deux personnes, hors champs, s’il vous plaît, et à aucun moment ne réussit à faire naître le moindre sentiment de peur, ou de simple nervosité.

Ça bavarde, surtout pour ne pas dire grand-chose, au détour d’un dialogue on nous explique le titre du film, mais on n’en fait rien… Il y a plein de sous intrigues qui ralentissent le rythme…

Pourtant, au départ, il y avait des plans vraiment intéressants (les chaînes qui tombent), le décor est magnifique, la scène du dîner avec l’ancêtre décédé en vidéo est particulièrement sinistre, il y a Olivia Hussey toujours sublime… Et surtout un réel sentiment d’inquiétude… Qui monte, qui monte… Et se ratatine comme un soufflé dès que le médecin débarque pour nous raconter l’évasion de son tueur qui se prend pour un chat. (D’ailleurs, le tueur parlons en. Il est ridicule. On le voit de loin en loin, avec sa cape et son chapeau, bien kitsch. On nous raconte qu’il se prend pour un chat, mais au lieu de se déplacer de façon féline, il boite tout le long du film. On se demande aussi comment il fait pour ne pas se faire griller tant la discrétion n’est pas son point fort.)

On pourrait alors croire que je n’ai pas aimé ce film… Et pourtant ! En fait, j’ai passé un vrai agréable moment devant lui.

Déjà, les comédiens sont plutôt très bons dans leurs rôles. Et les personnages sont crédibles. Les dialogues, bien qu’abondants, sont plutôt bien écrits et le film est par moment vraiment drôle. De plus la photographie et les plans sont excellemment bien choisis.

On pourra remercier en cela Rimini, car la restauration du film est impeccable. Que se soit le son ou l’image, le film s’en sort avec les honneurs.

Bref, Le chat et le canari est une vraie curiosité, qui ne plaira pas à tout le monde et qui risque de décevoir les amateurs d’horreurs. Reste cependant un film plaisant à voir, dont l’enquête se laisse suivre, pour peu qu’on y accroche.

Les massacreurs de Brooklyn de John Flynt édition Blu Ray

Par

Nicolas Leduc

mars 28, 2024

Realisateur : John Flynt
Genre : Vigilante
Duree : 103 minutes
Origine : États Unis
Date de sortie : 1980
Distribution : Jan-Michael Vincent, Theresa Saldana, Danny Aiello, Rudy Ramos, Fernando Lopez, Lenny Montana…

Date sortie blu ray : 27 Février 2024

Tommy (Jan-Michael Vincent – Supercopter), jeune marin fraîchement débarqué et suspendu, doit passé six mois à Brooklyn. Si, de prime abord l’idée de n’enchante pas, et que ses relations de voisinage sont un peu houleuses, il va vite s’attacher aux habitants du quartier et commencer à apprécier sa nouvelle vie. Cependant, les Souls, un gang local, mené par Angel Cruz (Rudy Ramos), sème la terreur de façon de plus en plus vindicative. Si Tommy, dans un premier temps, ne veut pas s’en mêler, la pression de plus en plus violente des Souls, vont l’obliger à s’impliquer de plus en plus et à lutter contre les exactions du gang…

Le genre du vigilante movie est par essence assez casse gueule. Genre popularisé par Un justicier dans la ville, ces histoires de justice aveugle et sauvage, ont malheureusement la fâcheuse tendance à se vautrer dans le nanar, voir carrément le navet.

Et pourtant ! Quelle excellente surprise que ce Les massacreurs de Brooklyn. Malgré un titre français qui pouvait faire craindre le pire, on se retrouve avec un film bien loin des débordements bronsonien, évitant la violence gratuite et le meurtre pur et dur, pour nous montrer, non pas des justiciers expéditifs et sans remords ni pitié, mais plutôt des habitants animés par un ras le bol, qui se rebellent contre une bande de petits cons. Donc non pas de massacreurs ici, mais un film bien plus en accord avec son titre original : Defiance.

Le film fonctionne bien, justement par l’humanisation de ses différents protagonistes, de Tommy, gentiment cynique et moqueur, à Carmine (Danny Aïello – Hudson Hawk, Leon) en ancien chef de gang débonnaire en passant par Marsha (Theresa Saldana – Raging bull) en jeune femme rêveuse et optimiste.

Tous les personnages sont profondément attachants et du coup offre un sacré capital sympathie pour le film. On croit même en la romance entre Tommy et Marsha, lors d’une soirée romantique au bowling, loin des clichés. Même le gang paraît crédible, loin des tueurs de sang froid abominables, si leurs crimes n’ont rien d’excusables, ils ne semblent pas n’être que des monstres abjects comme souvent dans ces films là.

Bien que l’histoire ne soit pas dénuée de clichés, on la suit sans soucis et sans perdre notre suspension consentie de l’incrédulité, grâce à cette empathie envers les personnages, un bon jeu d’acteur, et des dialogues crédibles. On entre vite en empathie avec les habitants de ce quartier, qui vivent dans la peur, et où la police ne peut rien faire faute de témoignages par peur de représailles.

A ce titre, la scène finale est assez édifiante, et encore une fois, contraste vraiment avec les autres films du genre : aucun membre du gang ne se fait tuer par la vindicte locale. Tous les membres se font arrêter et les habitants, enfin libre décide de porter plainte.

Le film n’est toutefois pas dénué de défauts. Quelques faux raccords, une musique très ancré dans les années 80 et parfois un peu trop présente : scène romantique, tension… Elle est là partout tout le temps. De même on ne peut nier que le film s’est pris un petit coup de vieux derrière les oreilles : il suffit de voir les membres du gang pour avoir un aperçu assez violent du mauvais goût vestimentaire de cette décennie. C’est bien simple tout y est (à se demander par moment s’ils font bien tous parti du même groupe, tellement leurs tenues sont disparates : du Jean clouté, des Santiags, des chapeaux plats, des bandanas, du cuirs…) bref, un sacré cocktail.

Mais ces menus défauts, ne desservent pas vraiment le film. Au pire, on les trouvera gentiment kitsch et plutôt amusant.

Bref, un film fort sympathique que l’éditeur BQHL a eu la très bonne idée de ressortir en blu ray. Rien à redire pour l’image, très propre, surtout pour un film de près de 45 ans. Pour le son, rien à signaler en vostfr, par contre sur la VF, le son ambiant est parfois un peu trop fort au détriment des dialogues. Rien de bien handicapant cependant et cela reste et de loin, la meilleure façon de redécouvrir le film.

En bonus, nous auront droit à une présentation du film par Samuel Blumenfeld de 24 minutes, un petit cadeau bien sympa et très interessant.

Bref, je ne saurais trop vous conseiller de découvrir ce film, d’autant que l’édition est vraiment chouette.

Chantons sous la pluie de Stanley Donen et Gene Kelly

Par

Nicolas Leduc

mars 7, 2024

Réalisateurs : Stanley Donen, Gene Kelly
Genre : Comédie Musicale
Durée : 103 minutes
Sortie : 11 Avril 1952
Origine : États Unis
Distribution : Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell…

La comédie musicale ne manque pas d’excellents représentants, et même si le genre a tendance à se raréfier, nos salles obscures continuent malgré tout de nous sortir de temps en temps de très bons opus, sans compter toutes les comédies « live ».

Pour moi, la meilleure comédie musicale est Chantons sous la pluie. Quand je l’ai découverte, je m’attendais à quelque chose de gentiment ringard, ayant mal vieilli et dont la chanson éponyme me terrifiait car l’ayant découverte avec Orange Mécanique.

C’est donc un peu circonspect, mais voulant compléter ma culture cinématographique, que j’ai un jour lancé le film, m’attendant plus ou moins à m’ennuyer copieusement.

Je dois avouer, le rouge au front et bien humblement, que je m’étais planté sur toute la ligne. Non seulement, le film est excellent mais et surtout, c’est clairement une de mes comédies préférées. Contrairement à ce que je croyais, le terme comédie ici, n’est absolument pas galvaudé : le film est hilarant.

L’histoire prend place dans les années 20, au moment de la transition entre le cinéma muet et parlant. On suit un couple star (juste pour la presse), Don Lockwood (Gene Kelly – Un Américain à Paris, Xanadu…) et Lina Lamont (Jean Hagen – Quand la ville dort), excellant dans de multiples films muets mais qui en réalité ne se supportent pas, Lina étant absolument détestable et possédant malgré une plastique avantageuse, une voix de crécelle. Pour pouvoir continuer leur vie de star, les deux doivent s’adapter à ce nouvel exercice. Le meilleur ami de Don, Cosmo Brown (Donald O’Connor – La joyeuse Parade) lui suggère alors de trouver une comédienne pour doubler Lina. Le choix de Don se porte vite sur une jeune comédienne insolente, Kathy Selden (Debbie Reynolds – La conquête de l’Ouest et accessoirement mère de Carrie Fisher).

Le film est excellent de bout en bout. Et surtout comme dit précédemment incroyablement drôle. Du début à la fin, l’humour est omniprésent. Que se soit la vie fantasmée que s’invente Don Lockwood, les répliques de Cosmo, le fameux passage du film muet au film parlant, avec tout ce que cela implique de cafouillage technique (jeu d’acteur déplorable, post synchronisation lamentable, faux raccord, dialogues minables…).

Le film dispose d’une bande originale exceptionnelle, avec des chansons qui restent en tête telles que Make ‘em laugh, Good morning et bien évidemment le classique Singing in the rain.

De plus on peut compter sur d’incroyables chorégraphies, à base de ciné dance, claquettes, acrobaties…

Au niveau des défauts, il y en a très peu, mais il faut cependant noter quelques cassures de rythme, la faute à quelques scènes un peu trop longues. ( La scène avec Cyd Charisse par exemple, qui dure une plombe et qui n’apporte vraiment pas grand-chose à l’intrigue).

Mais ce qu’on retient in fine, c’est la bouffée d’air frais qu’on se prend, grâce à de parfaits acteurs et une bonne humeur quasi permanente. En effet, les personnages ont une grande complicité ce qui se ressent pour les spectateurs.

Et c’est carrément un exploit, vu l’ambiance absolument épouvantable qu’il régnait sur le plateau de tournage. Gene Kelly, perfectionniste de l’extrême, a complètement démoli la pauvre Debbie Reynolds pendant tout le tournage, lui imposant des entraînements quotidiens ultra draconiens, l’engueulant sans vergogne, lui pourrissant le moral au point qu’elle finissait en pleurs à la fin de chaque scène… Et comme Kelly n’était pas sectaire, le pauvre Donald O’Connor en prenait aussi régulièrement pour son grade, malgré sa bonne volonté permanente et sa gentillesse.

Pour l’anecdote, un jour où Debbie Reynolds était encore une fois en larmes sur le plateau, celle-ci fut consoler par nul autre que Fred Astaire, grand rival de Gene Kelly, qui l’aida à répéter ses chorégraphies.

C’est un peu dommage de finir sur une note si sombre pour un film qui est absolument charmant, mais, cela démontre (sans l’excuser une seule seconde) qu’à l’instar du Shining de Stanley Kubrick, un tournage épouvantable peut donner un chef d’œuvre du cinéma. Ou comment une rose peut s’épanouir sur un tas de fumier.

Bref. Si vous aimez les comédies musicales, et les comédies vraiment drôles, le cinéma, jetez vous sur ce classique, qui inspira beaucoup de films après lui, à commencer par notre The Artist national.

L’énigmatique Monsieur D de Sheldon Reynolds sortie Blu Ray

Par

Nicolas Leduc

février 29, 2024

Réalisateur : Sheldon Reynolds
Date de sortie : 12 Juillet 1956
Origine : États Unis
Durée : 100 minutes
Genre : Espionnage
Distribution : Robert Mitchum, Geneviève Page, Ingrid Thulin, Eugène Deckers, Jean Galland…

Date sortie Blu ray : 6 mars 2024 éditions Rimini

Les éditions Rimini ont la bonne idée de rééditer en blu-ray, pour une sortie le 6 mars 2024, le film d’espionnage plutôt méconnu L’énigmatique Monsieur D, premier film de Sheldon Reynolds, principalement connu pour avoir réalisé la série Sherlock Holmes (1954). Le film est une adaptation de la série Foreign Intrigue.

Et je dois avouer que je ne connaissais ni l’un ni l’autre, mais étant un grand fan de film d’espionnage et surtout du meilleur acteur du monde : Robert Mitchum, c’est avec un très grand plaisir que j’ai introduit la galette dans mon lecteur.

Alors L’énigmatique Monsieur D, de quoi ça parle ?

Un riche homme d’affaires, Victor Danemore, décède brutalement d’une crise cardiaque. Dave Bishop (Robert Mitchum), publiciste travaillant pour M. Danemore, et présent lors de son décès, commence à enquêter sur son ancien patron, intrigué par le passé de celui-ci. Il découvre bien vite que M. Danemore était un maître chanteur. Se retrouvant un peu détective malgré lui, Dave Bishop continue son enquête, de plus en plus sombre, enquête qui, en pleine période de guerre froide, va l’emmener au quatre coin de l’Europe.

Et je vais m’arrêter ici, pour ne pas spoiler, mais dans le genre retournement de situation, faux semblants et intrigue à tiroirs, sachez que L’énigmatique Monsieur D se pose là.

En fait, il coche quasiment toutes les cases des clichés du film d’espionnage avec action, énigme (normal vu le titre), femmes fatales, méchants très méchants, avec une bonne dose de nazisme en supplément. Et à vouloir brasser trop large, on perd souvent pied, et le film devient par moment un peu confus. D’autant que surgit tardivement une romance un peu hors sujet et franchement peu palpitante.

Cependant !

Malgré un résultat mitigé, le film n’en est pas moins plein de bonnes intentions qui font mouche.

La première partie est vraiment très bonne, et on cherche de concert avec Dave Bishop, les tenants et aboutissants de l’affaire.

Le jeu d’acteur est très bon, Robert Mitchum en imperméable, offre tout son charisme (et c’est pas rien) à un personnage qui peu à peu se laisse dépasser par les enjeux qu’il affronte. Geneviève Page en veuve pas trop éplorée et Ingrid Thulin en femme fatale apportent leur charme naturel et défendent becs et ongles des rôles pourtant peu originaux.

Non, vraiment, si le film en soit ne révolutionne pas le genre, il n’en demeure pas moins pourvu d’un sacré charme suranné, et se laisse suivre sans déplaisir aucun.

Il ne faut juste pas s’attendre à un chef d’œuvre, et faire preuve d’un peu d’indulgence, L’énigmatique Monsieur D ayant de lourdes références derrière lui (on pensera notamment à Citizen Kane ou à L’homme qui en savait trop) et n’arrivant jamais à se hisser au niveau de ses modèles.

En l’état, reste un film d’espionnage tout à fait recommandable sublimé il est vrai par une édition de très grande qualité.

Eh oui, comme d’habitude, les éditions Rimini ont fait un travail d’orfèvre sur la restauration. Que se soit l’image, somptueuse ou le son, le blu-ray offre un rendu impeccable.

Au niveau des bonus, l’édition privilégie la qualité à la quantité avec une bande annonce et surtout un entretien de 20 minutes, passionnant avec Laurent Aknin, historien du cinéma.

Bref, pour la curiosité, pour la découverte et surtout parce qu’il y a Robert Mitchum, je vous recommande L’énigmatique Monsieur D.

Samurai champloo de Shin’ichiro Watanabe

Par

Nicolas Leduc

février 22, 2024

Réalisateur : Shin’ichiro Watanabe
Studio d’animation : Manglobe
Genre : Chambara
Nombre d’épisodes : 26
Diffusion : 20 Mai 2004-19 Mars 2005
Origine : Japon

Je suis très fan d’anime. Vraiment. Et parmi la pléthore d’excellents anime existants, difficile, très difficile de choisir lequel est mon préféré. Et pourtant, en y réfléchissant bien, l’un d’eux ressort très souvent quand je dois en conseiller un.

Cet anime c’est Samurai Champloo.

En 2004, Shin’ichirō Watanabe, génie derrière la pépite Cowboy be-bop, nous revient avec une nouvelle série, complètement différente dans la forme. En effet, si son premier ouvrage mélangeait la science-fiction futuriste et le jazz, cette deuxième œuvre, elle, mélange le chambara et le hip-hop dans le Japon de la période Edo.

L’histoire, peut paraître un peu simple, voir simpliste de prime abord.

On suit les aventures de Fuu, jeune serveuse, qui manquant de se faire tuer par un gang local, va se retrouver être sauver par Mugen, vagabond insolent et égoïste, mais épéiste de génie. Suite à un quiproquo, celui-ci se retrouve à affronter un ronin du nom de Jin, homme calme et stoïque et suivant la voie du bushido. Les deux hommes se retrouvent arrêtés et condamnés à mort. Alors qu’ils sont enfermés en attendant leur exécution, Fuu leur propose un marché : elle les aide à s’échapper, en échange de quoi les deux samurais s’engagent à l’aider à traverser le Japon pour retrouver un mystérieux samurai sentant le tournesol.

La série est juste exceptionnelle. Que se soit au niveau de la musique, des personnages tous attachants et charismatiques, et surtout, surtout de l’animation, la série fait un sans fautes. Et, même si elle est extrêmement drôle, dû notamment aux différents anachronismes volontaires et aux différentes personnalités des personnages, la série n’en reste pas moins grave et sérieuse.

En effet, même s’il y a un fil rouge, la fameuse recherche du samurai, la plupart des épisodes ressemblent à des fillers. Chacun des 26 épisodes (à quelques exceptions près) propose une histoire différente. Et cela permet de traiter de sujets vraiment loin (très loin) d’être léger. En vrac : acceptation de la différence, homophobie, racisme, drogue, prostitution, condition des femmes, fanatisme religieux… Sans compter les événements tout simplement dramatique : Mugen et Jin, même si profondément attachants et sympathiques restent des guerriers implacables et impitoyables, et Fuu bien qu’elle soit une adolescente positive et rigolote, est souvent confronté à des situations pour le moins hardcore.

De plus les trois ont des passés plutôt tragique, et si on rit beaucoup, (en effet, nos héros sont toujours fauchés comme les blés et cherchent systématiquement de quoi manger, donnant lieu à des situations bien cocasses) on est également pas loin des larmes par moment.

Épisodes :

Hier sera un autre jour

La rencontre entre Fuu, Mugen et Jin et le début de leur aventures.

La vengeance aux double visages

Dans l’idée de gagner un peu d’argent, Mugen et Jin décide d’affronter et tuer un mystérieux monstre.

3 et 4. Porte sabres à louer

Premier épisode en deux parties. Suite à un énième caprice de la jeune fille, Mugen et Jin laisse Fuu en plan. Bien vite, ils s’aperçoivent que la ville où ils se sont arrêtés et la proie d’une guerre entre chefs yakuzas.

Délires artistiques

Alors que Mugen et Jin essaient de récolter de l’argent pour prendre un bateau, Fuu accepte de poser pour un peintre excentrique. Elle ignore que cela cache un réseau de trafic de jeunes japonaises, enlevées et envoyées en Europe.

L’étranger à la touffe rouge

Toujours à la recherche de nourriture, nos trois héros s’inscrivent à un concours de mangeurs de riz. Pour y participer, ils mettent leur sabre en gage. Si Fuu, se débrouille très bien, c’est un mystérieux colosse qui gagne. Il accepte cependant de rendre les sabres, si Fuu, Mugen et Jin acceptent de lui faire visiter la ville et découvrir ainsi un peu mieux le Japon.

Le port de la drogue

Fuu se fit voler son portefeuille par un jeune homme. Fuu s’aperçoit cependant que le jeune homme essaie de récolter de l’argent pour soigner sa mère gravement malade.

La légende de l’Est

Un samurai, prétentieux et chanceux, c’est mis en tête de défier Jin en duel. On en apprend un peu plus sur le passé du samurai.

Le pique-nique du beatnik

Épisode très drôle, et pourtant stressant dans lequel Mugen doit livrer la tête d’un criminel avant le coucher du soleil, sinon Fuu et Jin seront exécutés.

10 . Folie meurtrière

Mugen se met en tête de trouver un serial killer qui ne s’en prend qu’au samurai.

Les jeux de l’amour

Jin se lie d’amitié et tombe amoureux d’une jeune femme qui se retrouve contrainte à se prostitué, pour éponger les dettes de son mari.

Souvenirs en vrac

Épisode mineur, puisque résumant le début des péripéties de nos trois héros.

13 et 14. Les flibustiers de la nuit

Double épisode absolument magnifique et tragique, où le passé de Mugen est dévoilé.

Fausse monnaie et petite épée

Nos trois amis pêchent une bourse rempli d’argent, et Jin et Mugen decident de tout dépenser dans un bordel, qui se révèle être le repaire de faux monnayeurs.

16 et 17 La montage du désespoir et Berceuse pour un damné

Nos trois amis se séparent sur une dispute et prennent chacun un chemin différent. En parallèle, les autorités traquent un mystérieux monstre dans les montagnes…

La guerre des mots

Jin essaie d’éduquer les deux fils héritiers d’un de ses anciens maitre, adeptes des graffitis. Mugen lui, est « kidnappé » par un ancien professeur qui veut lui apprendre à lire.

Mésentente cordiale

Fuu rencontre une jeune femme qui aurait des informations sur le samurai sentant le tournesol, mais celle-ci se fait enlevé par des brigand. En partant à sa recherche, Fuu tombe sur un village chrétien, sous le joug d’un prêtre complètement fou et accessoirement trafiquant d’armes.

20 et 21 La complainte du piège

Nos trois amis rencontrent une jeune musicienne aveugle dans une auberge. Ils decident de continuer leur route en sa compagnie, mais celle-ci semble cacher de bien sombres secrets

Quatrième dimension

Épisode particulier et assez halluciné, où nos héros arrivent dans une carrière, et qui est peuplée de zombies.

Le blues du base ball

Dernier épisode avant les vrais enjeux, celui-ci est un délire extrêmement drôle, où l’avenir du Japon se joue sur une partie de base ball.

24, 25 et 26 Drôle d’endroit pour une rencontre, Rencontre du troisième type et Le samurai qui ne sentait plus rien

Fuu, Jin et Mugen arrivent au bout de leur quête, commune et respective. Une conclusion en apothéose.

Cette série d’animation est absolument à voir. Du début à la fin, c’est un régal. De plus on peut rajouter l’un des meilleurs opening et ending pour un anime.

Je vous recommande vivement. Elle vous fera passé par tout un panel d’émotions, et de plus vous éclairera pas mal sur la période Edo, grâce à tout un tas d’anecdotes vraiment interessantes. C’est drôle, tragique, passionnant et son seul bémol est qu’elle risquera de vous laisser une impression amer de tristesse quand elle s’achèvera… vous donnant l’envie quasi immédiate de vous replonger dedans.

A noter qu’il existe un manga en deux tomes pour prolonger l’expérience et un jeu vidéo (pas terrible) sorti sur PS2.

Spawn de Mark Dippé

Par

Nicolas Leduc

février 15, 2024

Réalisateur : Mark Dippé
Genre : Film de super héros moisi
Origine : États Unis
Date de sortie : 1er Août 1997
Distribution : Michael Jai White, John Leguizamo, Martin Sheen, Theresa Randle, Nicol Williamson…

Et je suis généreux…

Alors que Miss Web sort au cinéma et se fait allègrement cartonner par toute la presse, chose à peu près récurrente chaque fois qu’un nouveau film de l’écurie Marvel sort sur grand écran depuis Endgame, et que les gens n’hésitent jamais à qualifier de « pire film de super héros de tous les temps » du moins jusqu’au suivant, permettez moi de rire.

Parce que, pour médiocre que soient ces films, ils n’atteindront jamais le fleuron des adaptations bien pourries, qui sortirent sur nos écrans pendant les fameuses et intouchables années 90, qui étaient à priori parfaites en tout point.

Vous trouvez le MCU nul ? Laissez moi vous présenter Spawn.

Alors Spawn qu’est ce que c’est ? De base, c’est un comics ultra violent et glauque, mais excellemment bien écrit, créer par Todd Mc Farlane en 1992 pour la maison d’édition Image Comics.

On y suit les aventures d’Al Simmons, agent des services secrets américains, qui se fait tuer dans une explosion, en mission suite à la trahison de ses supérieurs. Il est envoyé en enfer, où Mallebolgia (basiquement le diable) lui propose un marché : il le renvoie sur terre, en échange de quoi Al Simmons devra diriger ses armées lors de la guerre entre l’enfer et le paradis. Al accepte. Mais il faut bien le dire, Mallebolgia s’est bien foutu de sa gueule, et s’il le renvoie sur terre c’est dans son corps brulé par l’explosion, cinq ans après sa mort. Du coup, sa femme s’est remariée avec son meilleur ami, il est défiguré et doit errer parmi les sans abris. Et pour éviter qu’il ne se rebelle trop, Mallebolgia lui envoie un chaperon à l’apparence d’un clown obèse, le Violator.

Mais croyez le ou non, Al de par sa nouvelle condition, à acquis des pouvoirs bien

méchant et va quand même se rebeller, devenant le protecteur des laisser pour compte et accessoirement violent justicier sans pitié contre les criminels de tous poils.

Et le film respecte plus ou moins bien cette trame de base, il faut l’avouer. Mais ! Mal. Très mal.

Parce que comme je l’ai dit précédemment, l’œuvre est incroyablement sombre. Al Simmons affronte des personnages immondes : tortionnaires, tueurs d’enfants, pègres sadiques, démons… L’atmosphère est étouffante. Et le film lui, à décidé que, non, bah en fait, ça va plutôt se passer au pays des Bisounours.

Alors, attention, je n’ai rien contre le fait d’adoucir le propos d’un film : The Mask par exemple est un comics particulièrement glauque et violent, chose que le film a complètement éludé. Mais, même si c’est une mauvaise adaptation, c’est un BON film. Spawn, non. Non seulement c’est une mauvaise adaptation mais c’est surtout un film complètement nul.

Pourtant doté d’un casting de qualité : Michael Jai White, John Leguizamo, Martin Sheen… le jeu est catastrophique. Moins que le scénario et que les effets spéciaux, mais tout semble avoir été mis en place pour foirer tout ce qui est entrepris. Déjà, les personnages. Mon dieu, les personnages. Prenons le Violator. Dans le comics, un personnage cynique, violent, menaçant, dangereux. Dans le film ? Une parodie du Joker dont les seules répliques sont pour nous sortir des blagues scatologiques. Jason Wynn le patron de la pègre ? Dans le comics, un chef mafieux doucereux, mais sadique, aimable mais n’hésitant pas à faire tuer des enfants et à torturer des innocents, le tout avec le sourire… Dans le film ? Un ersatz de Lex Luthor, mais sans le génie…

Et Spawn, hein ? Ben dans le comics il pue la classe, dans le film il pue la merde.

Bref, tout est mauvais dans ce film et même si je sais que certaines personnes ont un certain attachement pour lui, ce film est sans contestation aucune dans mon top 3 des pires films que j’ai vu.

Tout est raté. Mais la palme revient aux effets spéciaux qui arrachent la rétine et feraient passer les cinématiques de Bubsy 3D pour le plafond de la chapelle Sixtine. Alors que le réalisateur a quand même été directeur des effets spéciaux sur Retour vers le futurs 2, Abyss, Terminator 2 et (j’ai un vertige en l’écrivant) Jurassic Park !

Réalisateur qui par la suite ne fera que des films tout naze comme Gigi et pléthore de film sur Garfield.

Heureusement que ses acteurs s’en sont mieux sortis par la suite et que ce film n’est qu’une tache sur leur CV. (À part pour John Leguizamo qui avait tourné dans Super Mario Bros, ce qui fait qu’il a joué dans l’une des pires adaptations du jeu vidéo et l’une des pires adaptations de comics. Heureusement qu’il a pu prouver son talent ailleurs.)

Pour conclure, si jamais lorsque le MCU ou le DCEU sortira un prochain film, vous vous sentez d’humeur à le juger comme « la pire adaptation de comics de tous les temps », je vous invite vivement à regarder Spawn. Cela devrait vous faire sacrement relativiser.

Nicolas Leduc

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