Date de sortie : 30 avril 1980 (1h 32min)
Réalisateur : Claude Zidi
Acteurs principaux : Daniel Auteuil, Maria Pacôme, Hubert Deschamps, Michel Galabru
Genre : Comédie
Nationalité : Français
Compositeur : Bob Brault

Grand classique de la comédie française réalisé par Claude Zidi (Les Bidasses en folie, La Moutarde me monte au nez, L’Aile ou la Cuisse), Les Sous-Doués met en scène des élèves de terminale du cours Louis XIV, lycée privé qui arrive dernier au classement du baccalauréat en ayant cent pourcents de recalés. Interprété par Daniel Auteuil (À nous deux, Bête mais discipliné) qui livre ici le premier rôle majeur de sa carrière, Bébel et sa bande obtiennent volontairement de mauvais résultats pour continuer à s’amuser au lieu de prendre leur futur en main. Jouée par Maria Pacôme (Le Gendarme de Saint-Tropez, Le Distrait, Bons baisers… à lundi), la directrice Lucie Jumaucourt décide une bonne fois pour toutes d’employer les grands moyen afin qu’ils obtiennent leur fichu examen. Elle est épaulée par son mari Léon, sous les traits d’Hubert Deschamps (On a retrouvé la 7^ème Compagnie, La Zizanie), qui assure à la fois l’anglais et les matières scientifiques.

La bande à Bébel est notamment composée de deux filles, Jeanne et Caroline, son ami Julien aux cheveux longs, l’africain Togo, le bêta Gaëtan et son pote Graffiti qui passe son temps à lui voler sa mobylette pour la lui revendre après l’avoir repeinte. Parmi les secondes rôles se trouve aussi Hélène Zidi, la fille du réalisateur. Les gags vont bon train entre la lycéenne qui rentre dans l’établissement en promenant son chien, la fumée de cigarette qui allume volontairement l’alarme, l’électrocution à la poignée de porte ou encore les fausses alertes à la bombe lancées au commissaire de police, joué par Michel Galabru (hexalogie du Gendarme, La Cage aux Folles, L’Avare). L’occasion est inespérée pour caricaturer le professeur de gym (comme on disait autrefois), incarné par le cascadeur Dominique Hulin, qui ressemble plutôt à un bourreau chargé d’attraper les élèves quand ils ne se tiennent pas tranquilles, ce qui lui vaudra de se prendre une planche de bois en pleine figure.

« – Trotsky a été assassiné à Mexico en 1940. – Quelle année ? – En 40 ! – Qui ? – Euh Kennedy ! »

Malgré ces traits d’humour qui ont inscrit Les Sous-Doués dans l’histoire de la comédie française, le film peut paraître assez vieillissant et comporte un montage qui manque de finition en passant régulièrement d’une séquence à une autre sans réel rapport entre elles. Le scénario va également trop loin avec le procès qui oblige les lycéens à obtenir leur bac, les triches utilisées restant inspirées de faits réels. Le gag le plus marquant reste celui de la machine à apprendre, qui pose des questions aux élèves et les oblige à répéter des phrases de culture générale sous peine de coups sur le visage. On retient également la chanson « On a un grand poil dans la main », interprétée par Daniel Auteuil lui-même lors du passage de la sortie scolaire. Leurs retrouvailles dix ans plus tard poussent l’ironie jusqu’au bout étant donné qu’ils ont tous réussi professionnellement tandis que le commissaire se retrouve à la circulation avant de se prendre un gâteau en pleine figure. Le film connaît une suite deux ans plus tard, Les Sous-Doués en vacances.

Date de sortie : 12 septembre 1964 (Italie),
16 mars 1966 (France)
Réalisateur : Sergio Leone
Acteurs principaux : Clint Eastwood, Gian Maria Volonté, José Calvo, Sieghardt Rupp
Genre : Western spaghetti
Nationalité : Italien
Compositeur : Ennio Morricone

Les Baxter d’un côté, les Rodos de l’autre,
et moi au beau milieu…

Tandis que les westerns américains s’essoufflent largement au début des années 1960 malgré quelques classiques comme Les Sept Mercenaires, un nouveau genre plus dynamique et moins manichéen naît en Europe sous l’égide de l’italien Sergio Leone, à qui l’on doit la Trilogie du Dollar ainsi que le triptyque Il était une Fois. Dénommé western-spaghetti, il troque la glorification des valeurs traditionnelles américaines par la dure loi du plus fort au far-west. L’ordre se règle au revolver, qu’il s’agisse de récupération d’argent ou de vengeance personnelle. La lutte unilatérale des cow-boys face aux indiens sauvages ou aux bandits mexicains est également mise de côté pour mieux mettre en avant des personnages durs et complexes. Leur statut d’anti-héros leur dégage un certain charisme et les rend plus crédibles dans leurs agissements.

Remake à la sauce western du Garde du Corps du japonais Akira Kurosawa, Pour une Poignée de Dollars (A Fistful of Dollars en Amérique) est aussi le film qui a révélé le prolifique Clint Eastwood en lui offrant son premier grand rôle de cavalier solitaire. Appelé Joe en VF, il cherche en effet à gagner des billets en tirant profit de deux bandes qui se disputent domination d’une petite ville à la frontière du Texas et du Mexique. L’intrigue sur l’identité d’un certain Ramon est bien soutenue jusqu’à son apparition sous les traits du charismatique Gian Maria Volonté, qui marque lui aussi son premier rôle majeur face à Clint Eastwood. Sa bande sans pitié, notamment composée de son frère Esteban joué par Sieghardt Rupp, symbolise tout le cynisme et la crasse qui pouvaient caractériser les cow-boys de l’époque. D’autres personnages comme le tavernier, le shérif, le fabricant de cercueils et la jeune femme Marisol renforcent la crédibilité de cet univers.

Quand deux hommes sont armés
l’un d’un fusil, l’autre d’un pistolet,
l’homme au pistolet est un homme mort.

L’introduction de Pour une Poignée de Dollars est marquée par la musique resplendissante d’Ennio Morricone, dont la mélodie retranscrit la vie à la campagne avec des sifflements, des bruits de fouet ou encore de cloche qui se superposent les uns aux autres. La guitare électrique et les chœurs ponctuent les moments forts du récit et offrent une intensité dramatique sans pareille au scénario. C’est notamment le cas lors des longues scènes de duel, lentes et dramatiques, caractérisées par des successions de gros plans sur les regards des personnages. Le style de Sergio Leone est également marqué par des encadrements dans des fenêtres, des cordes de potence et des cadrages serrés sur une main prête à dégainer. Les angles de caméra font en sorte d’être très ouverts sur de larges paysages, principalement issus du désert espagnol de Tabernas, doté d’espaces vierges de présence humaine et ressemblant aux paysages de l’Arizona ou du Nevada.

La maîtrise des revolvers et les winchesters offre des séquences d’anthologie en plus des scènes d’action bien plus explosives et violentes. L’usage de la ruse reste toutefois bienvenue, notamment avec Joe qui se cache une fois blessé et qui profite de l’obsession de Ramon à viser le cœur pour se fabriquer une plaque de tôle. Avec Pour une Poignée de Dollars, Clint Eastwood prouve définitivement qu’il est taillé pour le cinéma, et ce dès le premier regard qu’il jette en observant les alentours. Le doublage français de Jacques Deschamps renforce d’autant plus son personnage en lui procurant une assurance digne des plus grands héros. Et le meilleur restait encore à venir avec une suite spirituelle des plus intenses…

Date de sortie : 13 janvier 1993 (1h 35min)
Réalisateur : Wong Jing
Acteurs principaux : Jackie Chan, Joey Wong, Richard Norton, Gary Daniels
Genre : Comédie, action
Nationalité : Hongkongais
Compositeurs : James Wong et Romeo Díaz

Comédie d’action hongkongaise réalisée par le prolifique Wong Jing (Future Cops, Les Griffes d’Acier, Evil Cult), Niki Larson la première adaptation cinématographique du manga City Hunter de Tsukasa Hojo. Il a la particularité de mettre en scène le tout aussi prolifique Jackie Chan (Le Marin des Mers de Chine, Police Story, Double Dragon) dans la peau du célèbre détective privé, qui doit retrouver la fille d’un riche homme d’affaires ayant fugué suite à la volonté de remariage de ce dernier. La majeure partie du film se déroule sur un paquebot de croisière, attaqué en plein voyage par un groupe de gangster dirigé par un certain McDonald. Ce dernier est interprété par Richard Norton, grand pratiquant d’arts martiaux connu pour ses apparitions dans plusieurs films d’action hongkongais. Son bras droit est joué par Gary Daniels, le même qui jouera Kenshiro dans l’adaptation tout aussi nanardesque de Ken le Survivant deux ans plus tard.

Le film fait apparaître plusieurs personnages du manga en modifiant leur nom d’origine. Sous les traits de  Joey Wong (Les Dieux du Jeu, The Big Score et Casino Tycoon du même réalisateur), Laura devient ainsi Sonia. De même, le lieutenant Hélène Lamberti s’appelle désormais Anna et est interprétée par Chinhmay Yau, également habituée aux films de Wong Jing (Casino Tycoon 1 et 2, Evil Cult, Chun (Li) May dans Future Cops). Quand on voit que Richard Norton est censé jouer Mammouth, et Gary Daniels l’ancien associé de Nicky Mick Angel, on comprend que les personnages ont été distribués comme s’il s’agissait d’une adaptation libre. L’introduction confirme d’ailleurs que Niki Larson n’est qu’une sorte de parodie du manga tellement l’assassinat de Tony Marconi n’est pas pris au sérieux, Michael Wong simulant la mort de manière totalement ridicule.

Les seuls points communs que Jackie Chan maintient avec Nicky Larson est son obsession pour les jolies filles, son humour et sa manière de se battre. Ce dernier paramètre est quand même à nuancer car ça reste Jackie Chan qui fait du Jackie Chan, avec des chorégraphies plus ou moins inspirées, un personnage qui grimace souvent et qui fuit ses adversaire car il les trouve trop fort, ce qui n’est pas vraiment dans l’esprit de City Hunter. Un choix d’acteur opportuniste qui décrédibilise toujours plus les adaptations de manga en film, surenchéri par une voix off féminine qui passe son temps à acclamer « Nicky Larson » avec résonance. Outre les bruitages cartoonesques et certains mouvements de combat pas du tout réalistes, ces derniers comportent parfois des phylactères avec des onomatopées comme « Bam » à la manière du Batman de 1966, histoire de ridiculiser encore davantage son action.

Mais s’il n’y avait qu’une seule scène à retenir de Niki Larson, c’est bien sa parodie de Street Fighter II, qui intervient alors que Jackie Chan affronte Gary Daniels dans une salle d’arcade où se trouvent des bornes du célèbre versus fighting, alors en pleine hype dans les années 90. Tandis que le premier prend l’apparence de Honda puis de Chun Li face à un Ken tout puissant, deux de ses alliés arborent les costumes de Guile et de Dhalsim, avec les musiques et les bruitages directement issus du jeu qui se succèdent dans une véritable folie visuelle. Si le combat de Nicky face à McDonald vaut tout de même le détour, on retient également l’opening « Sing Si Lip Yan » chanté par Jackie Chan lui-même, ainsi que la chanson « Gala Gala Happy » du groupe chinois Softhard, qui intervient pour introduire le casino. Les compositions de James Wong (Histoire de Fantômes Chinois, Il était une fois en Chine) et de Romeo Díaz font d’ailleurs partie des meilleures qualités de ce film culte, qui sera suivi d’une adaptation non officielle trois ans plus tard et de la superbe interprétation de Philippe Lacheau en 2019.

Date de sortie : 30 mars 1988 (États-Unis),
14 décembre 1988 (France)
Réalisateur : Tim Burton
Acteurs principaux : Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Catherine O’Hara
Genre : Comédie horrifique
Nationalité : Américain
Compositeur : Danny Elfman

Avec son deuxième film, Tim Burton pose réellement les bases de sa patte artistique déjà aperçue dans des courts métrages comme Vincent et Frankenweenie, avec un univers macabre, parfois poétique, carnavalesque pour sa recrudescence de créatures et bien souvent comique. Voyant son film comme une parodie de L’Exorciste, il met en scène un couple de jeunes mariés qui décèdent subrepticement sur la route en voulant éviter un chien avant d’être contraints de hanter leur ancienne maison, occupée par une nouvelle famille. Si Adam et Barbara sont respectivement joués par Alec Baldwin (Conversations Nocturnes, À la Poursuite d’Octobre Rouge, Malice) et Geena Davis (La Mouche, Thelma et Louise, L’Île aux Pirates), le casting reste des plus alléchants entre Jeffrey Jones (La Folle Journée de Ferris Bueller, Ed Wood, Sleepy Hollow), Catherine O’Hara (After Hours, Maman j’ai raté l’Avion, Wyatt Earp), Winona Ryder (Edward aux Mains d’Argent, Dracula, Le Temps de l’Innocence) et bien sûr l’illustre Michael Keaton (que Tim Burton reprendra pour Batman et Batman Returns) dans le rôle de l’exorciste free-lance qui a la lourde tâche de porter l’essence du film en tant que créature principale fraîchement imaginée.

D’abord prévu pour être profondément horrifique, le registre du film a été décalé pour une orientation largement plus comique. En effet, si l’univers respire un fort cachet d’épouvante grâce à l’atmosphère fantomatique dans laquelle se retrouvent plongés les Maitland et à la figure de la vieille maison gardant des secrets jusque dans son grenier avec la maquette d’un cimetière, le tout est saupoudré d’une féroce sauce comique qui inverse le rapport à l’horreur. Ce qui est censé faire peur provoque de ce fait le rire, notamment les métamorphoses faciales d’Adam et de Barbara, leurs mises en scène sanglante pour effrayer les Deetz alors que ces derniers ne peuvent les voir ou encore la dégaine des nombreuses créatures difformes qui règnent dans cet univers parallèle. Le spectateur recherche alors moins sa propre peur que celle des autres personnages, notamment concernant l’emprise que Beetlejuice obtient lorsque son nom est prononcé trois fois de suite.

Associé à Tim Burton depuis Pee-Wee Big Adventure, Danny Elfman signe une bande originale alliant efficacement le registre horrifique et l’aspect comique, notamment lors de la musique d’introduction ou quand les personnages trouvent le livre de nécrologie. Une des scènes les plus culte du film montre les Deetz complètement envoutés en train de danser autour de leur table sur la musique « Banana Boat Song » d’Harry Belafonte, dans un style complètement décalé repris à la toute fin quand la jeune gothique est en lévitation sur fond de « Jumping the Line ». Avec Beetlejuice, Tim Burton consolide son style artistique dans un film mémorable pour son univers et ses personnages. Michael Keaton marque son premier grand rôle au cinéma avec un jeu d’acteur brillamment déjanté, que le grand sérieux de son futur rôle de Bruce Wayne fera oublier avant que l’on retrouve son registre décalé dans des films comme Jackie Brown, L’Enjeu ou encore Birdman de longues années plus tard.

Date de sortie : 10 décembre 2008 (États-Unis),
15 juillet 2009 (France)
Réalisateur : Stephen Daldry
Acteurs principaux : David Kross, Kate Winslet, Ralph Fiennes, Bruno Ganz
Genre : Drame
Nationalité : Américain
Compositeur : Nico Muhly

J’avais quinze ans. Un jour en rentrant du lycée, je me suis senti mal, et une femme m’a aidé…

Adaptation du roman Le Liseur de Bernhard Schlink par Stephen Daldry (Billy Elliot, The Hours), The Reader est un drame poignant se situant dans la République Fédérale Allemande des années 1950. Kate Winslet (Titanic, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Les Noces Rebelles) y interprète le rôle d’Hanna Schmitz, une contrôleuse de tramway venant en aide à Michael Berg, un adolescent en proie à une maladie grave alors qu’il s’égarait dans sa rue. La narration effectue de nombreux va-et-vient entre différentes époques, en partant de la vie de Michael alors homme d’âge mûr sous les traits de Ralph Fiennes (Harry Potter et la Coupe de Feu, Skyfall, The King’s Man Première Mission). Joué par le talentueux David Kross, le jeune Michael revient voir sa guérisseuse une fois sauvé et ne semble pas indifférent à sa beauté tandis qu’il l’observe en train de s’habiller. Il n’en faut pas plus pour qu’une liaison passionnelle s’installe entre eux malgré leur importante différence d’âge, ce qui donne d’ailleurs lieu à un nombre un peu trop excessif de scènes de nudité qui ne brillent pas vraiment par leur réalisme.

Lycéen érudit, Michael ramène régulièrement des livres et fait la lecture à haute voix pour Hanna, intriguée par un tel savoir-faire. Mais cette relation secrète est loin d’être simple et la rigidité du caractère d’Hanna provoque plusieurs disputes, jusqu’à ce qu’elle finisse par disparaître, laissant Michael dans une peine qui le marquera à vie (« Tu n’as pas le pouvoir de me faire de la peine, tu ne comptes pas assez pour me faire de la peine. »). Étudiant en droit à l’université, il suit avec attention les cours du professeur Rohl, interprété par Bruno Ganz, connu pour son rôle d’Hitler dans La Chute. Alors que sa formation l’amène à assister à un procès de criminelles de guerre, c’est avec stupéfaction qu’il y découvre Hanna parmi les femmes accusées d’avoir envoyé des juives à une mort certaine. S’ensuit alors une importante réflexion sur le sens de la culpabilité, circonstance dans laquelle il est rappelé que le droit à un rôle prépondérant, et que la loi est là pour faire respecter des principes (« Ce que nous pensons n’a aucune importance : ce qui compte, c’est ce que nous faisons. »).

Terriblement éprouvant, The Reader dévoile la culpabilité que ressent Hanna par sa manière d’être méfiante et rigide, tandis qu’elle tente de se libérer de cet énorme poids par cette initiation sensuelle et amoureuse qu’elle partage avec Michael. Comme une façon de se pardonner à elle-même en faisant le bien tout en s’affranchissant par le sexe et l’extase du phrasé de son amant. Car son plus grand fardeau est en réalité d’être analphabète, ce qui l’avait obligée à quitter un travail pour être gardienne à Auschwitz. Ses anciennes collègues profitant de sa faiblesse pour lui faire porter le chapeau afin de mieux s’en sortir, la honte est telle qu’elle préfère une condamnation à perpétuité plutôt que d’avouer qu’elle ne sait ni lire ni écrire, ne cherchant pas à être innocentée. Devenu un homme sentimentalement perturbé, Michael se sent parallèlement coupable d’avoir aimé une criminelle, ce qui enrichit considérablement la complexité de son personnage et la relation qu’il entretient avec sa fille, menant à une scène touchante à la toute fin.

Plus largement, la balance judiciaire souligne la culpabilité collective d’un pays qui s’est tu alors qu’il connaissait l’existence des camps, par rapport à la culpabilité individuelle des gardiens qui ont été enrôlés par le nazisme pour gagner leur vie. Auréolé d’un superbe jeu d’acteurs, de musiques d’une grande intensité dramatique et d’un maquillage bluffant pour représenter Hanna âgée, The Reader reçoit d’abord un accueil difficile vu la sensibilité du sujet traité. S’il a pu être jugé que l’enchaînement du plan de la cellule de prison d’Hanna avec celle de l’appartement new-yorkais de la femme juive ayant survécu au camp n’est pas du meilleur goût, il place au contraire Hanna comme victime collatérale du système, et montre qu’une survivante a pu regagner sa liberté tout en acceptant de lutter contre l’illettrisme en utilisant les économies d’Hanna à cet égard. Ce qui n’a pas empêché Kate Winslet d’obtenir l’Oscar, le Golden Globe et le BAFTA de la meilleure actrice pour son excellente interprétation.

Date de sortie : 8 février 1976 (États-Unis),
2 juin 1976 (France)
Réalisateur : Martin Scorsese
Acteurs principaux : Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd
Genre : Drame
Nationalité : Américain
Compositeur : Bernard Herrmann

Cinquième film de Martin Scorsese, Taxi Driver illustre parfaitement le style du réalisateur en mettant en exergue la violence cathartique de personnages en dégénérescence dans un environnement new-yorkais, théâtre d’un anti-manichéisme sociétal. Auréolé de la Palme d’Or en 1976 et de quatre nominations aux Oscars l’année suivante, il offre une notoriété mondiale à Robert De Niro (Mean Streets, Le Parrain 2, Raging Bull), révélation majeure de l’œuvre pour son rôle de Travis Bickle, un ancien marine dont les insomnies répétées le poussent à opter pour un job de chauffeur de taxi. Précurseur dans la lignée des films mentionnant les conséquences psychologiques de la guerre du Vietnam, il inspirera même John Hinckley Jr. dans sa tentative d’assassinat contre Ronald Reagan en 1981, mentalement aliéné au point de se prendre pour Travis cherchant à venger l’assassinat de John Lennon.

D’autres acteurs fétiches de Scorsese apparaissent comme personnages principaux, notamment la jeune Jodie Foster (Alice n’est plus ici) dans le rôle d’Iris, une prostituée que Travis cherche à aider, ainsi qu’Harvey Keitel (Who’s That Knocking at My Door, Mean Streets, Alice n’est plus ici). On peut également citer Victor Argo (Bertha Boxcar, Mean Streets), simple vendeur qui se fait braquer, et Murray Moston (Mean Streets, Alice n’est plus ici), le maquereau d’Iris. Martin Scorsese apparaît lui-même plusieurs fois, et particulièrement lors d’une scène où il projette de liquider sa femme qu’il aperçoit chez un autre à travers une fenêtre, marquant ainsi des dialogues sombres et torturés dignes de ce qu’écrira Quentin Tarantino des années plus tard. La réalisation de haute volée se dévoile dès l’introduction, avec la vue subjective à travers un pare-brise recouvert de pluie sous une mélodie jazzée Bernard Herrmann, dont on reconnaît le style aux notes intenses pour marquer le suspense après avoir composé plusieurs années pour les films d’Alfred Hitchcock.

Les plans alternent régulièrement entre ceux sur Travis au volant et les passagers à l’arrière, Taxi Driver insistant pour dépeindre les bas-fonds de New York loin des fantasmes des buildings et de Wall Street. La pluie, les couleurs sombres et les musiques moroses marquent d’autant plus la perversion et le dépérissement de la société de l’époque, qu’il observe depuis son taxi durant chaque nuit new-yorkaise. Anti-héros de renom, Travis paraît rapidement sympathique par la jovialité dont il fait preuve, le doublage français de Maurice Sarfati (plus tard connu pour ses voix décalées des méchants dans l’animé Nicky Larson) renforçant le ton naïf et simplet de son sourire et de son allure. La forte présence de la voix off dans la narration renforce d’autant plus l’introspection du personnage et l’identification du spectateur (« Toute ma vie j’ai été suivi par la solitude, partout. Dans les bars, les voitures, sur les trottoirs, dans les magasins, partout. Y’a pas d’issue… j’suis abandonné de Dieu. »). Ce n’est qu’après avoir échoué à séduire la jeune Betsy que sa chute s’intensifie avec l’achat d’armes au marché noir et leur maniement dans plusieurs scènes d’anthologie. Issue d’une improvisation de Robert De Niro, la scène où il se cherche un style devant le miroir en lançant la réplique « C’est à moi que tu parles ? » est devenue une des plus cultes de l’histoire du cinéma, reprise dans de nombreux films comme Retours vers le Futur 3, Le Roi Lion, La Haine et La Stratégie de l’échec.

Sous ses airs d’aliéné cherchant à descendre le candidat le plus médiatisé aux élections présidentielles, Travis ne cherche en réalité qu’à « laver les rues de toute cette racaille » avec des méthodes désespérées, au point de vouloir sortir une prostituée mineure de l’esclavagisme sexuel dans lequel elle a été entraînée (« Écoutez bien, bande de dépravés, voilà l’homme pour qui la coupe est pleine, l’homme qui s’est dressé contre la racaille, le cul, les cons, la crasse, la merde… voilà quelqu’un… qui a refusé. »). Le carnage final semble confirmer sa mort tandis que la caméra s’élève pour symboliser son âme quittant les lieux en observant la scène alors figée par le temps. Considéré comme un héros pour s’être enfin montré utile, Travis reprend enfin son travail avec Betsy comme cliente dans son taxi, les plans flous à travers le rétroviseur allant bien le dans le sens qu’il s’agit d’un rêve fantasmé. Conservé depuis 1994 par le National Film Registry de la bibliothèque du Congrès américain pour son importance culturelle, historique ou esthétique, Taxi Driver fait partie des films les plus influents des années 1970. Quarante-trois ans plus tard, Robert De Niro apparaît dans le rôle d’un riche présentateur télévisé au casting du film Joker, mettant en scène Joaquin Phoenix dans une nouvelle société en dégénérescence faisant largement écho à Taxi Driver.

Date de sortie : 14 décembre 1988 (2h 06min)
Réalisateur : Ron Howard
Acteurs principaux : Warwick Davis, Val Kilmer, Joanne Whalley, Jean Marsh
Genre : Aventure, Fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : James Horner

Grand classique de l’aventure fantastique de la fin des années 1980, Willow est né de la collaboration entre Ron Howard (réalisateur de Splash, Cocoon) et George Lucas (scénariste des trilogies Star Wars et Indiana Jones) quinze ans après American Graffiti, dans lequel le premier jouait sous l’objectif du second. Très inspiré de monuments de l’heroic fantasy comme Le Seigneur des Anneaux, il présente un univers habité par différents peuples à commencer par les Nelwyns, de petits êtres similaires à des nains. Willow est l’un d’entre eux, et c’est le talentueux Warwick Davis qui lui prête ses traits après son rôle d’Ewok dans Le Retour du Jedi et de gobelin dans Labyrinthe, également coproduit par George Lucas. Les humains y sont appelés les Daikinis et dirigés par la terrible reine Bavmorda, jouée par Jean Marsh (Oz, Un Monde Extraordinaire). Les Brownies, quant à eux, sont de petits êtres de quelques centimètres servant essentiellement de duo comique.

Le scénario tourne autour d’une prophétie annonçant qu’un bébé viendra détrôner la reine, ce qui provoque la traque de tous les bébés du royaume. L’un d’eux passe évidemment à la trappe et se retrouve échoué près de là où vit la famille de Willow, qui se voit alors chargé de le ramener aux Daikinis pour ne pas mettre son village en danger. Il est rapidement aidé par Madmartigan, un jeune rebelle interprété par Val Kilmer, qui signe son deuxième rôle phare juste après Top Gun, sorti deux ans plus tôt. Le casting comporte également la fille de la reine Sorsha, jouée par la jeune Joanne Whalley, chargée de retrouver le bébé, ainsi que le général Kael sous les traits de Pat Roach (Indiana Jones et le Temple Maudit, Conan le Destructeur, Kalidor), dont le masque en forme de crâne a pu inspirer celui de Shao Kahn de la saga de jeux vidéo Mortal Kombat.

L’aventure est rapidement dépaysante avec de superbes panoramas en extérieur, le tournage ayant eu lieu au Royaume-Uni et en Nouvelle-Zélande, sublimés par la bande originale composée par James Horner (Cocoon, Aliens Le Retour, Le Nom de la Rose). S’ils peuvent paraître particulièrement vieillissants aujourd’hui, les effets spéciaux montrant les changements de forme et la transformation du troll en dragon à deux têtes étaient pourtant à la pointe en 1988 grâce aux prouesses de la société Industrial Light & Magic, permettant ainsi une grande avancée dans la technologie du morphing. Le film convainc pourtant moins que prévu au box-office et reçoit des critiques très mitigées avant de remporter le Saturn Award des meilleurs costumes ainsi que plusieurs nominations, dont les Oscars du meilleur montage sonore et des meilleurs effets visuels. Comme de nombreux films incompris à leur sortie, c’est avec le temps que Willow obtient son statut de classique de l’heroic fantaisy.