Date de sortie : 30 mars 1988 (États-Unis),
14 décembre 1988 (France)
Réalisateur : Tim Burton
Acteurs principaux : Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Catherine O’Hara
Genre : Comédie horrifique
Nationalité : Américain
Compositeur : Danny Elfman

Avec son deuxième film, Tim Burton pose réellement les bases de sa patte artistique déjà aperçue dans des courts métrages comme Vincent et Frankenweenie, avec un univers macabre, parfois poétique, carnavalesque pour sa recrudescence de créatures et bien souvent comique. Voyant son film comme une parodie de L’Exorciste, il met en scène un couple de jeunes mariés qui décèdent subrepticement sur la route en voulant éviter un chien avant d’être contraints de hanter leur ancienne maison, occupée par une nouvelle famille. Si Adam et Barbara sont respectivement joués par Alec Baldwin (Conversations Nocturnes, À la Poursuite d’Octobre Rouge, Malice) et Geena Davis (La Mouche, Thelma et Louise, L’Île aux Pirates), le casting reste des plus alléchants entre Jeffrey Jones (La Folle Journée de Ferris Bueller, Ed Wood, Sleepy Hollow), Catherine O’Hara (After Hours, Maman j’ai raté l’Avion, Wyatt Earp), Winona Ryder (Edward aux Mains d’Argent, Dracula, Le Temps de l’Innocence) et bien sûr l’illustre Michael Keaton (que Tim Burton reprendra pour Batman et Batman Returns) dans le rôle de l’exorciste free-lance qui a la lourde tâche de porter l’essence du film en tant que créature principale fraîchement imaginée.

D’abord prévu pour être profondément horrifique, le registre du film a été décalé pour une orientation largement plus comique. En effet, si l’univers respire un fort cachet d’épouvante grâce à l’atmosphère fantomatique dans laquelle se retrouvent plongés les Maitland et à la figure de la vieille maison gardant des secrets jusque dans son grenier avec la maquette d’un cimetière, le tout est saupoudré d’une féroce sauce comique qui inverse le rapport à l’horreur. Ce qui est censé faire peur provoque de ce fait le rire, notamment les métamorphoses faciales d’Adam et de Barbara, leurs mises en scène sanglante pour effrayer les Deetz alors que ces derniers ne peuvent les voir ou encore la dégaine des nombreuses créatures difformes qui règnent dans cet univers parallèle. Le spectateur recherche alors moins sa propre peur que celle des autres personnages, notamment concernant l’emprise que Beetlejuice obtient lorsque son nom est prononcé trois fois de suite.

Associé à Tim Burton depuis Pee-Wee Big Adventure, Danny Elfman signe une bande originale alliant efficacement le registre horrifique et l’aspect comique, notamment lors de la musique d’introduction ou quand les personnages trouvent le livre de nécrologie. Une des scènes les plus culte du film montre les Deetz complètement envoutés en train de danser autour de leur table sur la musique « Banana Boat Song » d’Harry Belafonte, dans un style complètement décalé repris à la toute fin quand la jeune gothique est en lévitation sur fond de « Jumping the Line ». Avec Beetlejuice, Tim Burton consolide son style artistique dans un film mémorable pour son univers et ses personnages. Michael Keaton marque son premier grand rôle au cinéma avec un jeu d’acteur brillamment déjanté, que le grand sérieux de son futur rôle de Bruce Wayne fera oublier avant que l’on retrouve son registre décalé dans des films comme Jackie Brown, L’Enjeu ou encore Birdman de longues années plus tard.

Date de sortie : 10 décembre 2008 (États-Unis),
15 juillet 2009 (France)
Réalisateur : Stephen Daldry
Acteurs principaux : David Kross, Kate Winslet, Ralph Fiennes, Bruno Ganz
Genre : Drame
Nationalité : Américain
Compositeur : Nico Muhly

J’avais quinze ans. Un jour en rentrant du lycée, je me suis senti mal, et une femme m’a aidé…

Adaptation du roman Le Liseur de Bernhard Schlink par Stephen Daldry (Billy Elliot, The Hours), The Reader est un drame poignant se situant dans la République Fédérale Allemande des années 1950. Kate Winslet (Titanic, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Les Noces Rebelles) y interprète le rôle d’Hanna Schmitz, une contrôleuse de tramway venant en aide à Michael Berg, un adolescent en proie à une maladie grave alors qu’il s’égarait dans sa rue. La narration effectue de nombreux va-et-vient entre différentes époques, en partant de la vie de Michael alors homme d’âge mûr sous les traits de Ralph Fiennes (Harry Potter et la Coupe de Feu, Skyfall, The King’s Man Première Mission). Joué par le talentueux David Kross, le jeune Michael revient voir sa guérisseuse une fois sauvé et ne semble pas indifférent à sa beauté tandis qu’il l’observe en train de s’habiller. Il n’en faut pas plus pour qu’une liaison passionnelle s’installe entre eux malgré leur importante différence d’âge, ce qui donne d’ailleurs lieu à un nombre un peu trop excessif de scènes de nudité qui ne brillent pas vraiment par leur réalisme.

Lycéen érudit, Michael ramène régulièrement des livres et fait la lecture à haute voix pour Hanna, intriguée par un tel savoir-faire. Mais cette relation secrète est loin d’être simple et la rigidité du caractère d’Hanna provoque plusieurs disputes, jusqu’à ce qu’elle finisse par disparaître, laissant Michael dans une peine qui le marquera à vie (« Tu n’as pas le pouvoir de me faire de la peine, tu ne comptes pas assez pour me faire de la peine. »). Étudiant en droit à l’université, il suit avec attention les cours du professeur Rohl, interprété par Bruno Ganz, connu pour son rôle d’Hitler dans La Chute. Alors que sa formation l’amène à assister à un procès de criminelles de guerre, c’est avec stupéfaction qu’il y découvre Hanna parmi les femmes accusées d’avoir envoyé des juives à une mort certaine. S’ensuit alors une importante réflexion sur le sens de la culpabilité, circonstance dans laquelle il est rappelé que le droit à un rôle prépondérant, et que la loi est là pour faire respecter des principes (« Ce que nous pensons n’a aucune importance : ce qui compte, c’est ce que nous faisons. »).

Terriblement éprouvant, The Reader dévoile la culpabilité que ressent Hanna par sa manière d’être méfiante et rigide, tandis qu’elle tente de se libérer de cet énorme poids par cette initiation sensuelle et amoureuse qu’elle partage avec Michael. Comme une façon de se pardonner à elle-même en faisant le bien tout en s’affranchissant par le sexe et l’extase du phrasé de son amant. Car son plus grand fardeau est en réalité d’être analphabète, ce qui l’avait obligée à quitter un travail pour être gardienne à Auschwitz. Ses anciennes collègues profitant de sa faiblesse pour lui faire porter le chapeau afin de mieux s’en sortir, la honte est telle qu’elle préfère une condamnation à perpétuité plutôt que d’avouer qu’elle ne sait ni lire ni écrire, ne cherchant pas à être innocentée. Devenu un homme sentimentalement perturbé, Michael se sent parallèlement coupable d’avoir aimé une criminelle, ce qui enrichit considérablement la complexité de son personnage et la relation qu’il entretient avec sa fille, menant à une scène touchante à la toute fin.

Plus largement, la balance judiciaire souligne la culpabilité collective d’un pays qui s’est tu alors qu’il connaissait l’existence des camps, par rapport à la culpabilité individuelle des gardiens qui ont été enrôlés par le nazisme pour gagner leur vie. Auréolé d’un superbe jeu d’acteurs, de musiques d’une grande intensité dramatique et d’un maquillage bluffant pour représenter Hanna âgée, The Reader reçoit d’abord un accueil difficile vu la sensibilité du sujet traité. S’il a pu être jugé que l’enchaînement du plan de la cellule de prison d’Hanna avec celle de l’appartement new-yorkais de la femme juive ayant survécu au camp n’est pas du meilleur goût, il place au contraire Hanna comme victime collatérale du système, et montre qu’une survivante a pu regagner sa liberté tout en acceptant de lutter contre l’illettrisme en utilisant les économies d’Hanna à cet égard. Ce qui n’a pas empêché Kate Winslet d’obtenir l’Oscar, le Golden Globe et le BAFTA de la meilleure actrice pour son excellente interprétation.

Date de sortie : 8 février 1976 (États-Unis),
2 juin 1976 (France)
Réalisateur : Martin Scorsese
Acteurs principaux : Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd
Genre : Drame
Nationalité : Américain
Compositeur : Bernard Herrmann

Cinquième film de Martin Scorsese, Taxi Driver illustre parfaitement le style du réalisateur en mettant en exergue la violence cathartique de personnages en dégénérescence dans un environnement new-yorkais, théâtre d’un anti-manichéisme sociétal. Auréolé de la Palme d’Or en 1976 et de quatre nominations aux Oscars l’année suivante, il offre une notoriété mondiale à Robert De Niro (Mean Streets, Le Parrain 2, Raging Bull), révélation majeure de l’œuvre pour son rôle de Travis Bickle, un ancien marine dont les insomnies répétées le poussent à opter pour un job de chauffeur de taxi. Précurseur dans la lignée des films mentionnant les conséquences psychologiques de la guerre du Vietnam, il inspirera même John Hinckley Jr. dans sa tentative d’assassinat contre Ronald Reagan en 1981, mentalement aliéné au point de se prendre pour Travis cherchant à venger l’assassinat de John Lennon.

D’autres acteurs fétiches de Scorsese apparaissent comme personnages principaux, notamment la jeune Jodie Foster (Alice n’est plus ici) dans le rôle d’Iris, une prostituée que Travis cherche à aider, ainsi qu’Harvey Keitel (Who’s That Knocking at My Door, Mean Streets, Alice n’est plus ici). On peut également citer Victor Argo (Bertha Boxcar, Mean Streets), simple vendeur qui se fait braquer, et Murray Moston (Mean Streets, Alice n’est plus ici), le maquereau d’Iris. Martin Scorsese apparaît lui-même plusieurs fois, et particulièrement lors d’une scène où il projette de liquider sa femme qu’il aperçoit chez un autre à travers une fenêtre, marquant ainsi des dialogues sombres et torturés dignes de ce qu’écrira Quentin Tarantino des années plus tard. La réalisation de haute volée se dévoile dès l’introduction, avec la vue subjective à travers un pare-brise recouvert de pluie sous une mélodie jazzée Bernard Herrmann, dont on reconnaît le style aux notes intenses pour marquer le suspense après avoir composé plusieurs années pour les films d’Alfred Hitchcock.

Les plans alternent régulièrement entre ceux sur Travis au volant et les passagers à l’arrière, Taxi Driver insistant pour dépeindre les bas-fonds de New York loin des fantasmes des buildings et de Wall Street. La pluie, les couleurs sombres et les musiques moroses marquent d’autant plus la perversion et le dépérissement de la société de l’époque, qu’il observe depuis son taxi durant chaque nuit new-yorkaise. Anti-héros de renom, Travis paraît rapidement sympathique par la jovialité dont il fait preuve, le doublage français de Maurice Sarfati (plus tard connu pour ses voix décalées des méchants dans l’animé Nicky Larson) renforçant le ton naïf et simplet de son sourire et de son allure. La forte présence de la voix off dans la narration renforce d’autant plus l’introspection du personnage et l’identification du spectateur (« Toute ma vie j’ai été suivi par la solitude, partout. Dans les bars, les voitures, sur les trottoirs, dans les magasins, partout. Y’a pas d’issue… j’suis abandonné de Dieu. »). Ce n’est qu’après avoir échoué à séduire la jeune Betsy que sa chute s’intensifie avec l’achat d’armes au marché noir et leur maniement dans plusieurs scènes d’anthologie. Issue d’une improvisation de Robert De Niro, la scène où il se cherche un style devant le miroir en lançant la réplique « C’est à moi que tu parles ? » est devenue une des plus cultes de l’histoire du cinéma, reprise dans de nombreux films comme Retours vers le Futur 3, Le Roi Lion, La Haine et La Stratégie de l’échec.

Sous ses airs d’aliéné cherchant à descendre le candidat le plus médiatisé aux élections présidentielles, Travis ne cherche en réalité qu’à « laver les rues de toute cette racaille » avec des méthodes désespérées, au point de vouloir sortir une prostituée mineure de l’esclavagisme sexuel dans lequel elle a été entraînée (« Écoutez bien, bande de dépravés, voilà l’homme pour qui la coupe est pleine, l’homme qui s’est dressé contre la racaille, le cul, les cons, la crasse, la merde… voilà quelqu’un… qui a refusé. »). Le carnage final semble confirmer sa mort tandis que la caméra s’élève pour symboliser son âme quittant les lieux en observant la scène alors figée par le temps. Considéré comme un héros pour s’être enfin montré utile, Travis reprend enfin son travail avec Betsy comme cliente dans son taxi, les plans flous à travers le rétroviseur allant bien le dans le sens qu’il s’agit d’un rêve fantasmé. Conservé depuis 1994 par le National Film Registry de la bibliothèque du Congrès américain pour son importance culturelle, historique ou esthétique, Taxi Driver fait partie des films les plus influents des années 1970. Quarante-trois ans plus tard, Robert De Niro apparaît dans le rôle d’un riche présentateur télévisé au casting du film Joker, mettant en scène Joaquin Phoenix dans une nouvelle société en dégénérescence faisant largement écho à Taxi Driver.

Date de sortie : 14 décembre 1988 (2h 06min)
Réalisateur : Ron Howard
Acteurs principaux : Warwick Davis, Val Kilmer, Joanne Whalley, Jean Marsh
Genre : Aventure, Fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : James Horner

Grand classique de l’aventure fantastique de la fin des années 1980, Willow est né de la collaboration entre Ron Howard (réalisateur de Splash, Cocoon) et George Lucas (scénariste des trilogies Star Wars et Indiana Jones) quinze ans après American Graffiti, dans lequel le premier jouait sous l’objectif du second. Très inspiré de monuments de l’heroic fantasy comme Le Seigneur des Anneaux, il présente un univers habité par différents peuples à commencer par les Nelwyns, de petits êtres similaires à des nains. Willow est l’un d’entre eux, et c’est le talentueux Warwick Davis qui lui prête ses traits après son rôle d’Ewok dans Le Retour du Jedi et de gobelin dans Labyrinthe, également coproduit par George Lucas. Les humains y sont appelés les Daikinis et dirigés par la terrible reine Bavmorda, jouée par Jean Marsh (Oz, Un Monde Extraordinaire). Les Brownies, quant à eux, sont de petits êtres de quelques centimètres servant essentiellement de duo comique.

Le scénario tourne autour d’une prophétie annonçant qu’un bébé viendra détrôner la reine, ce qui provoque la traque de tous les bébés du royaume. L’un d’eux passe évidemment à la trappe et se retrouve échoué près de là où vit la famille de Willow, qui se voit alors chargé de le ramener aux Daikinis pour ne pas mettre son village en danger. Il est rapidement aidé par Madmartigan, un jeune rebelle interprété par Val Kilmer, qui signe son deuxième rôle phare juste après Top Gun, sorti deux ans plus tôt. Le casting comporte également la fille de la reine Sorsha, jouée par la jeune Joanne Whalley, chargée de retrouver le bébé, ainsi que le général Kael sous les traits de Pat Roach (Indiana Jones et le Temple Maudit, Conan le Destructeur, Kalidor), dont le masque en forme de crâne a pu inspirer celui de Shao Kahn de la saga de jeux vidéo Mortal Kombat.

L’aventure est rapidement dépaysante avec de superbes panoramas en extérieur, le tournage ayant eu lieu au Royaume-Uni et en Nouvelle-Zélande, sublimés par la bande originale composée par James Horner (Cocoon, Aliens Le Retour, Le Nom de la Rose). S’ils peuvent paraître particulièrement vieillissants aujourd’hui, les effets spéciaux montrant les changements de forme et la transformation du troll en dragon à deux têtes étaient pourtant à la pointe en 1988 grâce aux prouesses de la société Industrial Light & Magic, permettant ainsi une grande avancée dans la technologie du morphing. Le film convainc pourtant moins que prévu au box-office et reçoit des critiques très mitigées avant de remporter le Saturn Award des meilleurs costumes ainsi que plusieurs nominations, dont les Oscars du meilleur montage sonore et des meilleurs effets visuels. Comme de nombreux films incompris à leur sortie, c’est avec le temps que Willow obtient son statut de classique de l’heroic fantaisy.

Date de sortie : 7 octobre 1993 (États-Unis),
2 février 1994 (France)
Réalisateur : Marco Brambilla
Acteurs principaux : Sylvester Stallone, Wesley Snipes, Sandra Bullock, Rob Schneider
Genre : Action, science-fiction
Nationalité : Américain
Compositeur : Elliot Goldenthal

Film d’anticipation parmi les plus cultes des années 1990, Demolition Man place Sylvester Stallone (La Course à la Mort de l’An 2000, Rocky, Rambo) dans la peau de John Spartan, un sergent de police aux méthodes bien trempées devant faire face à une prise d’otages menée par le psychopathe Simon Phoenix, interprété par Wesley Snipes (Jungle Fever, New Jack City, Les Blancs ne Savent pas Sauter). Mais suite à une explosion causant la mort de ces derniers, Spartan est condamné à soixante-dix ans de cryogénisation pour homicide par imprudence, considérant qu’il doit adoucir ses méthodes en subissant un lavage de cerveau qui devrait faire en sorte qu’il ne représente plus aucun danger pour son entourage. Le scénario bondit ensuite de 1996 à 2032 avec l’évasion de Phoenix, pourtant condamné à perpétuité, qui profite d’une visite médicale dévoilant que ses pulsions agressives sont toujours présentes.

Les scénaristes ont alors imaginé une mégalopole californienne fictive nommée San Angeles, plongée dans une société aseptisée où prononcer des injures est pénalement répréhensible (« Vous avez une amende d’un crédit pour infraction au code de moralité du langage ! ») et dans laquelle les policiers n’ont plus de réelle pratique car la violence n’existe plus, comme l’atteste la désinvolture d’un certain Erwin, joué par Rob Schneider (Maman j’ai Encore raté l’Avion). Tandis qu’un criminel à l’ancienne comme Simon Phoenix est en cavale, la seule solution est d’offrir à John Spartan une libération conditionnelle afin qu’il l’arrête lui-même. Il fait alors équipe avec la lieutenante Lenina Huxley, interprétée par la jeune Sandra Bullock, qui signait son premier rôle phare avant des films comme Speed et Le Droit de Tuer. Précurseur dans la dénonciation d’un certain formatage de la société, Demolition Man montre en effet un résultat possible de la bienséance excessive qui consiste à interdire tout ce qui ne ressemble pas de près ou de loin à un Bisounours.

Proche de la société occidentale du XXI^ème  siècle (« Le monde est peuplé de couilles molles, c’est un remake de la petite maison dans la prairie avec des genres de pédales en robe longue. »), la manière de vivre à San Angeles va jusqu’à se montrer nostalgique de la fin du XX^ème siècle, comme en atteste le comportement de Lenina, qui affiche des posters de films des années 1980 dans son bureau en plus d’être fascinée par son coéquipier. Cette dernière estimant elle-même qu’il est dégoûtant de faire l’amour par transfert de fluides, il est désormais d’usage de le faire par ordinateurs interposés, ce qui n’est pas sans rappeler une certaine façon de faire à distance dans le film P.R.O.F.S. De même, de mystérieux coquillages remplacent étrangement le papier toilette, les interprérations sur la manière de les utiliser ayant nourri des débats pendant plus de vingt-cinq ans avant que Stallone ne dévoile quelques détails. Demolition Man s’imose alors sans nul doute une des œuvres les plus marquantes de sa filmographie !

Date de sortie : 4 février 1994 (États-Unis), 29 mars 1995 (France)
Réalisateur : Tom Shadyac
Acteurs principaux : Jim Carrey, Courteney Cox, Sean Young, Tone Loc
Genre : Comédie
Nationalité : Américain
Compositeur : Ira Newborn

C’est lui le meilleur !
Et en fait, il est le seul dans son domaine !

Après le succès modéré de Vampire Forever en Amérique du Nord, Jim Carrey effectue des apparitions remarquées dans des films comme Peggy Sue s’est mariée ou encore La Dernière Cible aux côtés de Liam Neeson, avant de se ramasser avec le bien étrange Objectif Terrienne, dans lequel il se pavane en extraterrestre à fourrure accompagné de Jeff Goldblum et de Damon Wayans. Mais sa carrière fait enfin un bon en avant avec le succès de trois films en 1994. Le premier est la comédie Ace Ventura Détective Chiens et Chats, réalisé par Tom Shadyac (Le Professeur Foldingue, Menteur Menteur, Bruce Tout Puissant), dans laquelle il enquête d’une façon assez loufoque sur des animaux disparus à la demande de Melissa Robinson, interprétée par Courteney Cox (Les Maîtres de l’Univers, Friends, Scream). En effet, le dauphin Flocon de Neige, mascotte de l’équipe de football américain de Miami, a été enlevé et il n’est pas question que le prochain match se déroule sans lui !

Encore assez timide dans les précédents films où il apparaissait, Jim Carrey exprime enfin pleinement tout le délire de son humour avec de nombreuses grimaces, une manière de parler déjantée accentuée par l’excellent doublage d’Emmanuel Curtil (« Cétacé, dit la baleine ! »), ainsi que de nombreuses singeries tel le passage où il fait comme s’il parlait avec ses fesses à son ami policier. La scène de l’enquête à l’appartement de l’entraîneur décédé est particulièrement révélatrice de son comique et de sa répartie tandis qu’il se confronte au lieutenant Einhorn, jouée par l’impassible Sean Young (Blade Runner, Dune, Wall Street). Ses manières de montrer que la vitre est en double vitrage façon chanteur d’opéra et de surenchérir ensuite en imitant un acte sexuel devant tout le monde symbolisent à elles seules tout de délire du personnage.

D’autres séquences sont également devenues cultes, comme celle de l’hôpital psychiatrique où il se pavane pour se faire passer pour un fou, ou encore le final mémorable pendant lequel il démasque le coupable. Quelques seconds rôles viennent encore compléter l’intérêt du film, à commencer par Mark Margolis (l’oncle de Tuco dans la série Breaking Bad), qui joue ici le propriétaire d’Ace Ventura. S’ajoutent à lui Udo Kier (Suspiria, Johnny Mnemonic) lors d’une réception dans laquelle Ace suspecte d’y trouver le dauphin, ainsi que le joueur professionnel de football américain Dan Marino. Avec Ace Ventura, la carrière de Jim Carrey était enfin lancée, et elle n’allait pas tarder à l’être au niveau mondial avec le succès d’un certain The Mask !

Date de sortie : 9 juillet 1997 (2h05min)
Réalisateur : Joel Schumacher
Acteurs principaux : Georges Clooney, Arnold Schwarzenegger, Uma Thruman, Chris O’Donnell, Alicia Silverstone
Genre : Super-héros, fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : Elliot Goldenthal

– Je veux une bagnole : les filles en sont dingues !
– C’est pour ça que Superman bosse seul !!

Suite au grand succès de Batman Forever, Warner Bros. veut rapidement un nouveau film pour continuer de rentabiliser sur la licence. De son côté, Joel Schumacher souhaite pousser le délire encore plus loin pour continuer de séduire le grand public, tout en tentant un hommage au comique bien trempé de la série télévisée de 1966. Le tournage est ainsi expédié en quatre mois pour une sortie durant l’été 1997. Au lieu de reprendre le rôle de Bruce Wayne, Val Kilmer opte pour celui de Simon Templar dans une nouvelle adaptation du Saint de Leslie Charteris, laissant sa place à Georges Clooney (Urgences, Une Nuit en Enfer). Si Chris O’Donnell renfile le costume de Robin, une mystérieuse jeune femme fait son apparition sous les traits d’Alicia Silverstone (Clueless). Dénommée Barbara Wilson (toute ressemblance avec la fille du commissaire Gordon serait purement fortuite), il s’agit en réalité de la nièce d’Alfred, dont la santé commence à devenir fragile.

Schumacher continue d’exploiter de nouveaux ennemis de l’homme chauve-souris avec un duo non dénué d’un certain charme. Tout d’abord avec Mister Freeze, incarné par Arnold Schwarzenegger (Stay Hungry, Terminator, True Lies), un ancien scientifique victime de ses recherches en cryogénie, cherchant à obtenir de quoi financer un traitement pour sauver sa femme atteinte du syndrome de McGregor. Son background tragique est basé sur celui de la série animée de 1992 avec l’épisode « Amour On Ice », les comics lui ayant de base donné un caractère bien plus burlesque. Le scénario dévie ensuite en Amérique du Sud avec le docteur Pamela Isley, jouée par  Uma Thruman (Les Liaisons Dangereuses, Sang Chaud pour Meurtre de Sang Froid, Pulp Fiction), qui devient Poison Ivy après avoir été en contact d’un peu trop près avec des produits chimiques. Cherchant à dominer le monde à l’aide de plantes carnivores, elle est assistée par Bane, un condamné aux muscles hypertrophiés par du venin de fleur tropicale.

Qu’est-ce qui a tué les dinosaures !?
L’ère glaciaire !!

Après un dialogue introductif mémorable, le film annonce la couleur avec la présentation des costumes de Batman et de Robin sous des plans montrant leurs tétons, leurs fesses et même leurs entrejambes. Il alterne ensuite entre des dialogues qui flopent (« Salut Freeze, je suis Batman ! »), un acting surjoué ou inexistant (Clooney en tête), des situations ridicules (les patins à glace incorporés dans les chaussures de Batman et Robin) et une esthétique kitschissime bourrée de lumières et de personnages colorés qui contrastent totalement avec Gotham restée sombre. La volonté de vendre des jouets tirés du film est tellement présente qu’elle est même incrustée dans une réplique (« Les poupées Poison Ivy sont toujours vendues dans la même boîte ! »). La réalisation est bancale de bout en bout avec des scènes d’action molles, des plans débullés à outrance et des effets spéciaux grossiers, notamment lorsque les muscles de Bane gonflent. La physique elle-même défie tout réalisme entre la poursuite dans la fusée, le surf en plein ciel et les satellites détournés en un rien de temps vers la fin.

Ce qui frappe le plus est sans doute le nombre astronomique de jeux de mots moisis présents dans les dialogues. Freeze remporte la palme haut la main en multipliant les blagues sur le froid (« C’est l’iceberg qui débarque ! »), incitant de fait Batman à surenchérir (« Freeze, t’es givré ! ») et une de ses acolytes à en rajouter (« Oh je suis en chaleur ! […] Ça n’a rien de blizzard, je t’ai dans la peau ! »). Poison Ivy n’est pas en reste entre jeux de mots de bas étage (« C’est vraiment la jungle ici… ») et allusions sexuelles à tout-va (« L’un d’entre vous, petit veinard, est sur le point de butiner le miel ! »), Freeze lui-même y ajoutant sa touche (« En voilà une belle plante ! »). D’une manière générale, les personnages principaux ont tendance à se ridiculiser, entre Batman qui tue ce qui lui reste de crédibilité en dégainant une carte de crédit à son effigie, Robin qui surestime son humour face aux joueurs de hockey (« Ils nous cherchent des crosses, vieux frère ! ») ainsi que Freeze en peignoir qui fait chanter ses hommes de main et qui est blindé de pizzas surgelées dans sa réserve.

Laissez-moi briser la glace : mon nom
est Freeze, retenez-le bien, parce que
je glace le sang et refroidis les humains !

Poison Ivy abuse tellement de ses pouvoirs de séduction que c’en devient malaisant tandis que Bane, s’il est de base un personnage particulièrement stratégique et intelligent, se voit réduit à un gros bêta qui crie et défonce tout. Le seul point positif est son apparence qui est bien respectée avec les tuyaux qui rentrent dans ses muscles et son masque de catcheur. Il est d’ailleurs joué par le lutteur professionnel Jeep Swenson, décédé d’une crise cardiaque deux mois après la sortie du film. Tout cela est d’autant plus dommage que le film regorge de backgrounds sous-exploités ainsi que de thèmes sérieux comme la mort, le deuil et la trahison qui sont complètement renversés par le loufoque de la narration. Si les costumes des méchants arborent une certaine classe, Freeze est décrédibilisé par son manque total de sérieux et Poison Ivy est reléguée au rang d’une chaudasse qui impose une séduction à outrance au point de se faire recadrer par Batgirl elle-même (« Ton attitude compromet l’image de la femme ! »).

Car oui, c’est bel et bien la nièce d’Alfred qui devient Batgirl, ce dernier connaissant vraisemblablement ses mensurations pour lui avoir conçu un costume, occasion inespérée pour le réalisateur d’exposer quelques plans sur ses seins, ses fesses et même des talons hauts au cas où elle ne ferait pas assez féminine. Apparition inattendue et bienvenue si seulement elle avait été exploitée à sa juste valeur. Elle reste ainsi plus intéressante aux côtés d’Alfred, qui obtient enfin une certaine importance en se montrant malade voire mourant, mais sans que le scénario aille plus loin à ce niveau-là. Le thème de la mort est également effleuré avec la femme de Freeze, pour laquelle il verse une larme qui se gèle aussitôt lorsqu’il apprend son soi-disant décès, offrant ainsi une des rares scènes efficacement réalisées du film en plus de rendre le personnage plus humain, comme on pouvait déjà le voir lors de vidéos dévoilant leur passé. Le duo entre Freeze et Poison Ivy en ressort d’autant plus cohérent dans le sens où ils cultivent une haine farouche envers l’humanité au point de vouloir l’anéantir.

– Aucun signe du bonhomme de neige.
– Il a peut-être fondu.
– Non, il doit hiberner.

Un des points au plus grand potentiel est sans doute celui qui concerne la rivalité entre Batman et Robin, moment déterminant du comics qui aboutit à l’émancipation personnelle de ce dernier. Si son costume se rapproche d’ailleurs de celui de Nightwing, cette rivalité est profondément ridiculisée par l’ensorcellement de Poison Ivy, Batman ayant compris le piège de cette dernière mais Robin s’entêtant de penser qu’il est jaloux car elle préférerait l’embrasser lui. Tout ceci amène les deux héros à se chamailler bêtement pour régler leur psychodrame. Le film reste rentable, mais son succès commercial s’avère largement décevant. Tandis que la critique l’assassine de part en part, il reçoit neuf nominations aux Razzie Awards de 1998, ce qui amène Joel Schumacher à s’excuser près de vingt ans après sa sortie. L’écran final annonçait pourtant un troisième opus, finalement annulé par Warner vu le désastre causé. Prévu pour s’appeler Batman Triumphant, il devait faire intervenir Harley Quinn sous les traits de Courntey Love, ainsi que Nicolas Cage en Épouvantail, ce dernier créant des hallucinations du Joker en aspergeant Batman de son gaz. Schumacher aurait même aimé faire revenir tous les anciens acteurs pour le final, ce qui aurait demandé un budget pharaonique. Il faudra ensuite attendre 2005 pour le retour de l’homme chauve-souris sur grand écran, sous l’objectif de Christopher Nolan.

Comme de coutume, un jeu vidéo tiré du film débarque sur PlayStation dans la foulée. Malgré une tentative de petit open world avec des phases en batmobile, le jeu est un ratage complet et fait plonger la licence parmi celles ayant réalisé un très mauvais passage à la 3D. Mieux vaut lui préférer les jeux The Adventures of Batman & Robin tirés de la série animée, notamment la version Super Nintendo qui reprend certains épisodes avec excellence. Série animée qui a d’ailleurs eu droit à une quatrième saison en 1997, contenant quelques épisodes intéressants mais avec un design bien plus épuré qu’auparavant. Cette même année voit également l’apparition de la toute nouvelle série Batman La Relève, dans laquelle le jeune Terry McGinnis, épaulé par un Bruce Wayne octogénaire, enfile le costume face à une nouvelle génération de méchants.