Date de sortie : 21 janvier 2015 (2h03min)
Réalisateur : James Marsh
Acteurs principaux : Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, Emily Watson
Genre : Biographique
Pays d’origine : Royaume-Uni
Compositeur : Johann Johannsson

Une merveilleuse histoire du temps nous raconte l’histoire de l’un des physiciens les plus connus après Albert Einstein, nous parlons évidemment de Stephen Hawking.
Tout d’abord il faut savoir que le nom du film fait référence à l’ouvrage phare de Hawking écrit en 1988 : Une brève histoire du temps. Le mot « brève » utilisé pour des termes scientifiques, est ici remplacé par « merveilleuse » pour mettre en avant, l’histoire vécu par ce couple hors du commun. L’histoire du film a été inspirée par le livre le plus vendu de Jane Wilde Hawking « Travelling to infinity, my life with Stephen ».

Réaliser un film biographique est toujours une épreuve difficile, certes le scénario est (en général) plus simple à écrire car il dispose d’une base solide et des faits concrets, il n’en reste pas moins difficiles de réduire la vie d’une personne à un film de 1h50.
Certains film s’y sont cassés les dents, d’autres ont performés, certains font le choix de se focaliser sur une partie de la vie la personne en question (De Gaulle, Rocketman), d’autre sur leur vie entière mais en passant rapidement des étapes de leurs histoires (Cloclo, J.Edgar).

Pour celui-ci, James Marsh a fait le choix de nous replonger en 1963, Stephen a 21 ans et est à l’université de Cambridge, il est un brillant étudiant en cosmologie et entend bien donner une réponse simple et efficace au mystère de la création de l’univers. On y découvre un étudiant un peu maladroit, timide et charmant, avec un cerveau génial mais pas beaucoup de compétences sociales.
Tout en préparant son doctorat en physique quantique il va faire la rencontre d’une étudiante déterminée, Jane Wilde, lors d’une fête et va follement en tomber amoureux. Elle est l’une des rares femmes qu’il a rencontrées et qui arrivait à l’intriguer et le captiver, elle pouvait engager son intellect dans des discutions sur la religion, la poésie et la science. Il était tout simplement fasciner par elle.

Puis alors que leur relation prend de l’ampleur, Stephen va recevoir un coup terrible, il va chuter dans la cour de l’université, sa tête va heurter le sol et ses lunettes vont se briser. Il lui sera par la suite diagnostiqué une dystrophie neuromusculaire plus connue sous le nom de maladie de Charcot, qui va s’attaquer à ses membres, sa motricité, et son élocution, et finira par le tuer en l’espace de deux ans.
Malgré cette terrible nouvelle, et grace à l’amour indéfectible qu’elle lui porte et par son courage, Jane décide, contre toute attente de l’épouser et ils entament tous les deux un nouveau combat afin de repousser l’inéluctable. Jane l’encourage à terminer son doctorat, et alors qu’ils commencent une vie de famille, Stephen, doctorat en poche va s’attaquer aux recherches sur ce qu’il a de plus précieux : le temps.
Alors que son corps se dégrade, son cerveau fait reculer les frontières les plus éloignées de la physique. Ensemble, ils vont révolutionner le monde de la médecine et de la science, pour aller au-delà de ce qu’ils auraient pu imaginer : le vingt et unième siècle.

Comme souvent dans des films biographiques, le réalisateur et le scénariste se sont permis quelques libertés, certaines parties du film diffèrent un peu de la réalité pour donner un côté encore plus dramatique au film. Comme par exemple quand Jane danse au bal avec lui et commence par la suite à sortir avec, elle savait déjà, qu’il était atteint de cette maladie, contrairement au film qui attends la chute de Stephen pour lui diagnostiquer la maladie.

L’acteur britannique Eddie Redmayne (que l’on retrouve après My week with Marilyn et Les misérables) est boulervsant, il nous livre une incroyable prestation. Sa compatriote britannique Felicity Jones n’est pas en reste non plus, elle y est éblouissante.

A noter la scène finale du film qui est tout simplement magnifique, avec une des plus belles musiques signée Johann Johannsson.
Visuellement très imaginatif, Une merveilleuse histoire du temps est une histoire vraie inhabituellement convaincante, d’un couple extraordinaire, triomphant de l’adversité.

Bande-annonce :

Date de sortie : 3 novembre 1993 (2h01min)
Réalisateur : Tony Scott
Acteurs principaux : Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis Hopper, Gary Oldman
Genre : Thriller, Action, Romance
Pays d’origine : États-Unis, France
Compositeur : Hans Zimmer

2 ans après avoir réalisé Le dernier samaritain, Tony Scott se lance dans la réalisation de True Romance, scénario écrit et vendu par les soins de Quentin Tarantino, afin de pouvoir financer son projet de premier film…
Celui-ci raconte l’histoire de Clarence Worley (Christian Slater), un vendeur de BD un peu paumé, fan d’art martiaux et d’Elvis Presley, qui pour l’occasion de son anniversaire, s’offre une soirée cinéma avec une trilogie de Sonny Chiba au cinéma. Il va alors rencontrer Alabama Whitman (Patricia Arquette), qui n’est autre qu’une call girl engagée par son patron pour la soirée.
Mais le coup de foudre aura bel et bien lieu, et ils décident de se marier le lendemain.

C’est alors le coup d’envoi d’un véritable road trip, mais pas un road trip classique, cela serait trop simple, plutôt une épopée sanglante. Ils vont alors s’engager dans une course contre-la-montre pour retrouver la liberté d’Alabama et prendre la fuite. En cours de route, ils se retrouvent pris avec des proxénètes violents, des patrons de la mafia, des cadres hollywoodiens sordides et 5 millions de dollars de cocaïne douce, juteuse et non coupée.
Un cocktail jouissif pour passer un excellent moment.

Côté coulisse, nous avons la situation étrange, en voyant le film et en l’analysant un peu, que le crédit d’écriture du film est plus remarquable que le crédit de réalisation.
En effet bien que le travail de Tony Scott soit excellent, on ne peut s’empêcher d’observer attentivement le scénario et force est de constater, que la patte de Q. Tarantino est indéniable. On y retrouve une marchandise connue, sa violence fétichisée, les jets d’hémoglobines et les dialogues énervés qui sont un peu devenu sa carte de visite.

Pour le casting, le réalisateur a fait très fort pour les seconds rôles, on y trouve Gary Oldman qui joue un proxénète rasta avec un visage marqué, une voix bizarre et un œil de verre. Christopher Walken lui, incarne un patron du crime mafieux qui n’a pas peur de faire le sale boulot. Brad Pitt est un colocataire complétement drogué Et malgré un temps d’écran minimal par rapport à la distribution principale, ils sont tous comme des aimants attirant vos yeux vers eux, pour notre plus grand plaisir.
Leurs dialogues sont passionnants et dégagent des vibrations, on est captivé, on suit attentivement leurs grands monologues. Christopher Walken et Dennis Hopper s’engagent dans un échange particulier qui est surnommé « La scène sicilienne », qui pourrait facilement exister dans n’importe quel autre film de Tarantino et figurer parmi les scènes les plus mémorables de ce film.

En revanche, le rélalisateur ayant quand même la mise sur le scénario, Tony Scott a décidé de changer la fin « originale » dans laquelle Clarence meurt dans la fusillade de cocaïne. Au lieu de cela, le personnage revient à la vie et lui et l’Alabama vivent heureux pour toujours au Mexique, avec leurs enfants (qui est par ailleurs le vrai fils de l’actrice). Tarantino s’est d’abord opposé, mais en regardant le film final, il a convenu que la survie de Clarence était plus conforme au ton du film de Scott.

Le road-trip sanglant effectué par nos 2 héros, n’est pas sans rappeler le Tueurs-nés de Oliver Stone, ce qui n’est pas étonnant quand on sait que le scénario initial de Tarantino (environ 500 pages) a servi de base pour le trio Pulp Fiction/True Romance/Tueurs-nés.

Au final il en ressort que Tony Scott nous offre une véritable œuvre devenue de plus en plus appréciée avec le temps, une histoire d’une romance sur fond de course poursuite et de violence.

Bande-annonce :

Date de sortie : 12 décembre 1958 (2h08min)
Réalisateur : Alfred Hitchcock
Acteurs principaux : James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore
Genre : Drame, Policier
Pays d’origine : États-Unis
Compositeur : Bernard Herrmann

Le 29 avril dernier c’était l’anniversaire des 40 ans de la disparition de l’un des plus grands réalisateurs, et surtout de l’un de ceux qu’il l’a le plus révolutionné, je parle évidemment du maitre de l’angoisse, Mr Alfred Hitchcock.

Pour les 40 ans de sa disparition, je n’ai pas choisi Psychose ou les oiseaux, qui sont parmi les plus célèbres (surement pour une prochaine critique) mais j’ai choisi Vertigo (Sueurs froides pour le titre en français), œuvre que j’apprécie tout particulièrement pour de multiples raisons.
Un peu comme du bon vin ou un bon vieux vinyle retrouvé dans un grenier, Vertigo s’est fait apprécier avec le temps. A sa sortie en 1958, le film est en effet très peu apprécié et Hitchcock est très critiqué pour « cet échec ».
Pourtant, de nos jours, le film a retrouvé peu à peu sa valeur et maintenant est reconnu un grand film par beaucoup.

La scène d’ouverture nous emmène sur les toits de San Francisco, où l’on voit un policier, John Ferguson (ou Scottie, incarné par James Stewart), qui va alors manquer son saut et va se rattraper à une gouttière, mais malheureusement un collègue à lui va y laisser la vie. Cet élément déclencheur, va alors l’affaiblir physiquement (problèmes de dos) et mentalement (acrophobie).
A l’issue de cet événement, Scottie sera suspendu de ses fonctions en raison de ses nombreux problèmes et de sa peur du vide.
On le retrouve donc chez lui en compagnie de sa meilleure amie, et ex-femme Betty (Barbara Bel Geddes) avec qui il garde des liens très affectueux. C’est alors qu’il voit arriver un ancien camarade d’étude qui va lui demander de suivre sa fiancé Madeleine Elster (Kim Novak).

L’aspect et le jeu des couleurs ont une importance capitale dans ce film, en effet depuis le début on voir le rouge s’introduire petit à petit sur nos écrans, jusqu’à la scène de la rencontre où l’on découvre pour la première fois Kim Novak au restaurant, on y retrouve encore une fois le rouge en arrière-plan mais également une deuxième couleur qu’on retrouvera souvent aussi, le vert, qui apparait sur les vêtements de l’actrice.
Cette scène très forte en émotion va lier les deux personnages de façon irréversible. Tout cela amené par un magnifique mouvement de caméra, démarrant du visage de Scottie, alors accoudé au bar, et a qui va ensuite survoler les tables du restaurant, jusqu’à atteindre Madeleine. Le tout avec des personnages au second plan qu’on n’entend pas ! On peut juste constater qu’ils parlent mais aucuns sons n’est entendu par le spectateur, on reste captiver par la « rencontre » On peut se délecter de la musique romantique, mais néanmoins angoissante de B.Herrmann.
Finalement c’est si peu et beaucoup à la fois, si peu car c’est la scène de la rencontre mais nos deux protagonistes ne ce sont pas encore croisé, mais c’est tout simplement magnifique visuellement, on est transporté pendant toute la scène. Pour finir, Madeleine va quitter le restaurant et s’arrêter à coté de Scottie, nous la voyons du point de vue Scottie, c’est le premier gros plan sur elle, un plan façon « œuvre d’art ».

Il va alors s’en suivre plusieurs séquences de filatures, où Scottie va suivre, de loin, le quotidien de Madeleine, c’est au travers de ses moments là qu’il va tomber petit amoureux, il va pénétrer son intimité, en apprendre énormément sur sa vie, le tout joncher toujours par ce jeu de couleurs (le Golden Gate bien rouge, la voiture verte, etc…) utilisé à merveille.

Nos deux protagonistes se rapproche petit à petit au travers de plusieurs situations comme le sauvetage de la noyade, la scène de la tasse de thé et pour finir le fameux baiser près de l’océan. Ce baiser qui marque la fin du premier acte vu par Hitchcock.
Le début du deuxième commence comme le premier, une scène entre Scottie et son ex-femme Betty. C’est alors que lors de la scène suivante, les démons de Scottie vont reprendre le dessus, mais vont nous faire découvrir une facette de Madeleine que l’on ne connaissait pas… Du haut de son clocher elle va se suicider en sautant dans le vide, on y verra alors l’un des plans les plus connus du cinéma, la caméra effectue un zoom sur le visage terrifié de Scottie tout en épousant son point de vue, il regarde vers le bas du clocher de l’église et sombre dans son vertige. Scottie étant terrifié et tétanisé, il ne trouve pas d’autres solutions que de prendre la fuite, sans même essayer de la sauver.

Il va alors (comme tous les spectateurs) croire que madeleine est décédée. Mais par hasard, il va faire la rencontre d’une autre femme, Judy, qui ressemble étrangement à Madeleine, mais semble être une version plus charnelle, moins polie, un peu plus extraverti. Il ne se rend alors pas compte qu’elle est exactement la même femme.
Il lui demande de sortir avec elle, et Judy accepte imprudemment. Avec le temps, elle va commencer à avoir pitié de lui et prendre soin de lui.
Lui, étant toujours obsessionnellement amoureux de Madeleine, va la modeler à sa façon, l’habiller, la coiffure, jusqu’à ce qu’elle ressemble à ce qu’il désire. Il va lui demander de se refaire en Madeleine, chose qu’elle va accepter en rejouant donc ce même rôle… Ce rôle qui c’était finis sur une fin tragique, et qui se finira surement pareil… Alors pourquoi vouloir se risquer à tout briser….

Hitchcock nous démontre encore une fois son talent de narration avec des prouesses techniques. Il film avec brio cette passion amoureuse biaisée, inavouée entre ces deux personnes.

Comme vous le remarquerez, je ne me suis pas attardé, je n’ai pas trop détaillé la seconde partie du film et je n’ai pas aborder le fameux troisième acte. Je vous laisse le soin de voir ou revoir ce chef-d’œuvre et d’en admirer vous-même tous les plans techniques qui sont tellement fabuleux. Un véritable chef-d’oeuvre !

Bande-annonce :

Date de sortie : 13 juillet 2005 (1h55min)
Réalisateur : Tim Burton
Acteurs principaux : Johnny Depp, Freddie Highmore, David Kelly, Jordan Fry, Julia Winter
Genre : Comédie, Fantastique
Pays d’origine : États-Unis, Royaume-Uni
Compositeur : Danny Elfman

Pour la deuxième adaptation cinématographique du roman de Roald Dahl, après celle de 1971 par Mel Stuart, c’est Tim Burton qui a obtenu ce privilège et qui de mieux que lui pour transposer à l’écran ce roman excentrique et caricatural.

Après Big Fish et les noces funèbres, le réalisateur s’attaque donc à l’immense roman à succès pour enfants. Une fois de plus pour lui, il retrouve Johnny Depp qui signe ici sa 4e collaboration physique avec Tim Burton, (au moment de la sortie du film).

Petite piqûre de rappel pour ceux qui ne souviendrait pas de l’histoire et/ou du roman de Roald Dahl :
Charlie (Freddie Highmore) est un enfant issu d’une famille pauvre. Travaillant pour subvenir aux besoins des siens, il ne peut s’offrir les friandises dont raffolent les enfants de son âge. Pour obtenir son comptant de sucreries, il participe à un concours organisé par l’inquiétant Willy Wonka (Johnny Depp), le propriétaire de la fabrique de chocolat de la ville. Celui qui découvrira l’un des cinq tickets d’or que Wonka a caché dans les barres de chocolat de sa fabrication gagnera une visite de la célèbre chocolaterie.

Les bases étant posées nous allons alors découvrir tour à tour, les enfants qui ont la chance de trouver le célèbre ticket (Augustus, Violette, Veruca et Mike), Tim Burton s’en donne à cœur joie avec une série de caricatures méchantes et totalement hilarantes de chacun des 4 enfant ayant un caractère très différent, et possédant tous un petit vice. Le cinquième et dernier ticket sera trouvé par Charlie qui se rendra à la visite avec son grand-père.

Peu de temps après leurs arrivées dans la chocolaterie, le célèbre Willy Wonka fait une entrée en fanfare, et lance le coup d’envoi de cette visite qui s’annoncent haute en couleur.
Une fois les portes ouvertes nous ne pouvons que contempler le monde que c’est crée l’enfant qui sommeille en Willy Wonka, on peut s’empêcher de reconnaître aussitôt la patte du réalisateur américain, des décors évidemment plus colorés qu’à son habitude (roman pour enfants oblige). Dans son monde, les formes des jardins en sucreries à l’intérieur de l’usine, rappellent les collines et ponts improbables de L’étrange Noël de Monsieur Jack.

La visite continuant de plus belle avec la découverte des Oompas-Loompas, des petites personnes qui viennent de « Loompaland », qui est une région de « Loompa », une petite île isolée située dans l’océan Pacifique.
Nous apprendrons par la suite que la paranoïa de Willy Wonka l’a poussé à n’engager que des Oompas-Loompas pour travailler dans sa chocolaterie, par peur d’espionnage industriel.
Après avoir découvert les compagnons de Willy Wonka, nous continuons notre visite et chaque enfant va alors montrer son côté le plus sombre et devra en assumer les conséquences…

On prend alors un malin plaisir dès qu’un enfant prétendant à la récompense suprême est « éliminé », tant les portraits forcément caricaturaux de ces enfants sont bien amenés. On y voit : Augustus Gloop l’incorrigible Gourmand, Violette Beauregard une jeune fille Arrogante et passionnée de chewing-gum, Veruca Salt une jeune fille égoïste et gâtée et Mike Teavee petit génie prétentieux et extrêmement colérique.

Les Oompas-Loompas nous montrent alors leurs talents de chanteur en improvisant des chansons pour ridiculiser et punir ces 4 enfants, là où ils ont péché ainsi que leurs parents qui en sont en grande partie responsables.
Et il y a Charlie, l’enfant qui fait passe sa famille avant lui, qui fait preuve d’une grande maturité pour son âge, tous ces traits de caractères vont faire que Willy Wonka va s’attacher à lui, lui qui n’a jamais été proche de sa famille, lui qui a été traumatisé par son père dentiste, image d’une éternelle jeunesse artificielle.

Tim Burton a parfaitement su adapter le roman, en transposant son univers déjanté et féerique, il s’est entouré, une fois de plus pour la composition musicale de Danny Elfman, qui lui a composé 11 de ses 12 films (exception pour Ed Wood), une fois de plus c’est très réussi, Danny rythme parfaitement cette mise en scène, Johnny Depp s’en donne lui à cœur joie dans le rôle de l’excentrique, déjanter, mystérieux, éternel enfant bouré de traumatismes et surtout très attendrissant Willy Wonka.

Le roman est ici parfaitement adapté, on y rajoute la touche Burton et on obtient un savant mélange d’images, de saveurs et de douceurs à vous transporter pendant 1h55.

Bande-annonce :

Date de sortie : 15 mai 2013 (2h22min)
Réalisateur : Baz Luhrmann
Acteurs principaux : Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Elizabeth Debicki, Isla Fischer
Genre : Drame
Budget : 125 000 000 $
Nationalité : Américaine
Compositeur : Craig Armstrong

Petite précision avant d’aborder cette critique, je l’ai rédigé en ne prenant pas en compte les précédents films, ni le roman original.

Voici la 4ème adaptation cinématographique du roman de F.Scott Fitzgerald, La dernière en date avait été réalisé par Jack Clayton en 1974 avec Robert Redford dans le rôle principal.

Pour ce nouveau film, c’est Baz Luhrmann qui va s’atteler à faire revivre le mystérieux Gatsby. Après le très bon Moulin Rouge et  la déception Australia, il retrouve Leonardo DiCaprio qui l’avait dirigé pour Roméo + Juliette.

La voix de Tobey Maguire résonne dès les premières secondes, nous comprenons alors qu’il va être le narrateur pendant notre voyage dans ce monde féerique.
Ses premiers mots concernent le célèbre Gatsby, il nous parle de lui avec beaucoup de mystères, de l’admiration et une certaine fascination,nous replongeons alors en 1922, lorsque Nick Carraway (Tobey Maguire) vient s’installer à New-York pour travailler en tant qu’agent de change.

Sans le savoir il emménage à coté de la sublime demeure d’un certain Jay Gatsby. Mais qui est-il ? Pourquoi ne le voit-on jamais ? Pourquoi organise t-il des soirées toutes les semaines ? Tant de questions que se posent Nick.  Jusqu’au jour où il reçoit une invitation pour une de ces soirées. Soirée durant laquelle il espère enfin rencontrer son voisin..
Nous suivons donc notre protagoniste qui s’aventure dans l’antre Gatsby, on y découvrir un univers très coloré et festif. C’est aussi le premier instant du film où l’ont voit le visage de Gatsby.

A partir de ce moment, l’histoire va s’accélérer et le film va nous apporter des éléments de réponses sur le véritable but de Gatsby.
Nous allons être transporté dans la ville, le New-York des années 20 vu par Baz Luhrmann, et sa prouesse réside dans le fait que personne ne saurait dire qu’il s’agit de «la grosse pomme», en effet le choix a été fait par le réalisateur de ce focaliser sur les mêmes lieux et même routes. Mais chaque lieux à une importance capitale, que ce soit les villas, où on l’y découvre nos personnages pour la première fois (Gastby, Daisy), la station-service qui jouera un rôle clef dans l’histoire et pour finir l’hôtel, cet hôtel où tout va basculer, la chambre où à lieu l’affrontement d’un triangle amoureux dans une scène dantesque et théâtrale, c’est le clou du spectacle, tout cela porter par des acteurs magnifiques…

Après le moyen Australia, on retrouve ici parfaitement le style de luhrmann, en revenant à ses fondamentaux, il nous livre ici un prodige visuel totalement déjanté, une quête absolue du bonheur dans les années folles, sur fond de crises sociale, une véritable leçon de cinéma et de travail sur les décors et les costumes.

Bande-annonce :

Date de sortie : 29 septembre 2004 (2h00min)
Réalisateur : Park Chan-Wook
Acteurs principaux : Choi Min-sik, Yu Ji-tae, Kang Hye-jeong, Ji Dae-han, Oh Dal-soo
Genre: Drame, Thriller
Nationalité : Sud-Coréen
Compositeur : Jo Yeong-wook

Après Joint security area et surtout Sympathy for Mr Vengeance, Park Chan-wook avait imposé sa griffe, faite d’images chocs, de scènes d’une rare violence et d’une noirceur poétique. Old Boy s’inscrit dans cette même lignée, et plus directement dans celle de Sympathy, premier volume de sa trilogie sur la vengeance.

Le film nous transporte en 1988, on y voit Oh Dae-soo (Choi Min-sik), père de famille sans histoire, se faire kidnapper devant chez lui. Il va apprendre depuis la pièce qui lui sert de prison, que sa femme a été retrouvée morte et que la police le recherche activement. Il est relâché en 2003 sans raison précise et croit alors redevenir libre. Mais il reçoit un mystérieux appel téléphonique. Au bout du fil, son bourreau qui l’emmène dans un nouveau jeu sadique. Oh Dae-soo devra découvrir qui l’a enlevé et surtout pourquoi.

Notre personnage principal va alors se lancer dans un jeu du chat et de la souris très complexe et surtout très malsain avec son ravisseur. Park Chan-wook choisi de nous montrer à quel point la folie peut envahir un homme, enfermé pendant 15 ans, il en ressortira avec d’énormes séquelles, notamment des hallucinations et une énorme colère à évacuer.

Et pour cela le réalisateur à l’habitude de ne pas faire dans la dentelle et adore distribuer des images poignantes, fortes, où on peut y voir des dents arrachées, des tendons tranchés, des langues coupées, Old boy ne déroge pas à la règle et nous en fait voir de toutes les couleurs, nous passons par tout sentiments pendant le film de la tristesse pour le héros, de la haine contre ce qui lui a été fait, du dégoût, puis de l’horreur et bien plus encore..

L’histoire se poursuit donc dans la quête de réponses à ses questions, pourquoi lui ? pourquoi a-t-il été enfermé pendant 15 ans ? Au fur et à mesure de l’avancé du film, après plusieurs mâchoires cassées, après que le sang est coulés, beaucoup coulés. Nous découvrons toutes les réponses à nos questions, en fouillant dans son passé, nous découvrons la vérité, qui fait parfois mal à entendre… On retiendra l’apothéose, le bouquet final, le twist final qui vient en point d’orgue clôturer l’œuvre de Park Chan-wook.

Grand prix du festival de Cannes en 2004, Old boy a permis,un peu plus, aux films sud-coréens de se faire connaitre et 

montrer l’étendue de la capacité et le la qualité de leurs films. La façon de filmer du cinéaste, les plans, et l’éclairage y sont bien évidemment pour beaucoup, il faut néanmoins souligner la performance de l’acteur principal Choi Min-sik, qui du fait de sa prestation à couper le souffle, contribue grandement à rendre le film à la fois sombre et inquiétant.

Old Boy est virtuose en tout point. Chaque plan est d’une esthétique incroyable, on garde une certaine admiration devant le machiavélisme des scénaristes. Old Boy est le deuxième film de la trilogie « vengeance » signé par le réalisateur et, il faut le dire, le plus abouti des 3.

Bande-annonce :