Date de sortie : 24 décembre 1986 (Turquie),
25 mars 1987 (France)
Réalisateur : Oliver Stone
Acteurs principaux : Charlie Sheen, Willem Dafoe, Tom Berenger, Keith David
Genre : Guerre, drame
Nationalité : Américain
Compositeur : Georges Delerue

Écrit et réalisé par Oliver Stone (La Reine du Mal, La Main du Cauchemar, Salvador) qui s’est inspiré de sa propre expérience en tant que soldat engagé, Platoon fait partie de ces films marquants dépeignant une vision particulièrement violente de la guerre du Vietnam. Dans la lignée de Voyage au Bout de l’Enfer et d’Apocalypse Now mais très différent d’un Rambo, il est le premier film d’un triptyque culte du réalisateur qu’il constitue avec Né un 4 juillet et Entre Ciel et Terre. Se déroulant en 1967, il met en avant la condition de soldat du jeune Chris Taylor, premier rôle majeur de Charlie Sheen (Lucas, La Folle Journée de Ferris Bueller, Phantom), dont l’enthousiasme se volatilise rapidement lorsqu’il se rend compte des corvées qu’on lui assigne dans une section qui a déjà subi plusieurs pertes au combat.

Pris en main par le sergent Elias sous les traits de Willem Dafoe (The Loveless, Les Rues de Feu, Police Fédérale Los Angeles), il est dirigé par le sergent-chef Barnes, individu bien plus brutal interprété par Tom Berenger (Les Copains d’Abord, New York, Deux Heures du Matin, Rustlers’ Rhapsody). Malgré l’atrocité des conditions de vie imposée par le conflit, Taylor peut compter sur le soutien de plusieurs camarades notamment interprétés par Forest Whitaker (La Couleur de l’Argent, Good Morning Vietnam, Bloodsport), Keith David (The Thing, Mort ou Vif, Mary à Tout Prix) et Tony Todd (Bird, La Nuit des Morts-Vivants, Candyman). Deux ans après Les Griffes de la Nuit, Johnny Depp y effectue même un petit rôle avant le réel lancement de sa carrière avec Edward aux Mains d’Argent.

Pour imprégner au mieux les acteurs de la vie des soldats et leur faire perdre leur aspect civil, Oliver Stone va jusqu’à recréer un camp d’entraînement et leur impose deux semaines d’épreuves comprenant de longues heures de marche, des embuscades, des patrouilles et des attaques nocturnes. De cette manière, Platoon illustre parfaitement l’esprit de l’Amérique de l’époque, partagé entre des guerriers assoiffés de victoire et des soldats qui estiment que le pays perd son âme dans un conflit qu’ils ne comprennent pas et auquel ils n’ont jamais été préparés. Vision symbolisée par la confrontation entre les sergents Barnes et Elias, le premier représentant la force brute et rapidement incontrôlable, tandis que le second fait preuve d’une conscience morale et se montre bien plus lucide en ne croyant pas en une véritable victoire.

Approfondissant toujours plus la condition des soldats, Platoon en profite pour pointer du doigt l’abus d’autorité des soldats expérimentés sur les nouvelles recrues à travers des répliques injurieuses. Il dénonce également l’abandon et l’assassinat d’officiers impopulaires ainsi que le dérapage des soldats face aux civils innocents dans des séquences particulièrement poignantes. Fort d’une réalisation de qualité à travers de nombreux plans à travers les feuillages et des gros plans sur les regards des sergents pour insister sur leur dualité, le film marque aussi pour sa narration portée par un personnage principal efficacement doublée par Eric Legrand, rapidement connu pour les voix de Seiya des Chevaliers du Zodiaque et de Vegeta dans Dragon Ball Z. Récompensé par quatre oscars dont celui du meilleur film, Platoon s’impose comme un des plus grands classique sur la guerre du Vietnam.

Date de sortie : 21 octobre 1981 (1h 48min)
Réalisateur : Georges Lautner
Acteurs principaux : Jean-Paul Belmondo, Robert Hossein, Michel Beaune, Jean-Louis Richard
Genre : Action, drame
Nationalité : Français
Compositeur : Ennio Morricone

Adaptation du roman Mort d’une Bête à la Peau Fragile de Patrick Alexander, Le Professionnel marque la troisième collaboration entre Georges Lautner et Jean-Paul Belmondo, après Flic ou Voyou et Le Guignolo. Scénarisé par Jacques Audiard et le réalisateur lui-même, il met en scène l’espion français Josselin Beaumont, dénoncé par ses supérieurs pour des raisons politiques alors qu’il devait assassiner le dirigeant du Malagawi. Évadé de prison lors d’une séquence explosive à la Rambo II, il revient en France pour se venger de ses employeurs et exécuter le dictateur, en voyage officiel à Paris.

Le contexte politique se base en réalité sur l’évolution des relations diplomatiques entre la France et ses anciennes colonies africaines. Sorti peu après l’élection de François Mitterrand, le film imagine alors un nouveau gouvernement dont l’intérêt n’aurait plus été de tuer le colonel N’Jala. Plus casse-cou que jamais, Bébel va alors se mesurer au commissaire Rosen, incarné par Robert Hossein (Une Corde, un Colt, Point de Chute, Les Misérables), mais aussi à d’autres gradés de la police joués par Jean-Louis Richard (Jules et Jim, Le Dernier Métro, Le Gendarme et les Gendarmettes), Michel Beaune et Bernard-Pierre Donnadieu.

Dans la pure tradition des comédies d’action avec Jean-Paul Belmondo, Le Professionnel est un régal de chaque instant tant le moindre plan est calculé pour une réalisation optimale. Les scènes d’action soudaines sont bien orchestrées et les combats à mains nues ne manquent pas de bruitages percutants pour renforcer l’immersion. Grand habitué du réalisateur, Michel Audiard s’amuse à décomplexifier les situations grâce à des dialogues complètement décalés tels que « Joss Beaumont, espionnage et châtaigne ! », ou encore « J’espère qu’il va pas trop se friper, j’ai oublié de le mettre sur un cintre ! ».

Le Professionnel constitue toutefois un tournant dans la carrière de Belmondo pour son ton bien plus grave et son scénario dramatique, comme l’illustre le duel de Beaumont face au commissaire Rosen, véritable hommage aux meilleurs westerns spaghetti grâce à des jeux de regard filmés à la perfection sublimés par la mélancolique « Chi Mai ». Retentissant à de nombreuses reprises, cette musique avait été composée dix ans plus tôt par Ennio Morrione pour le film italien Maddalena de Jerzy Kawalerowicz. /!\ SPOILERS /!\ Elle retentit de plus belle durant le final d’un tragique audacieux pour son époque, la caméra s’éloignant de Beaumont par les airs pour symboliser l’élévation de son âme à la manière d’un Taxi Driver. Un film exemplaire du savoir-faire français du début des années 1980.

Date de sortie : 16 décembre 1994 (États-Unis),
14 juin 1995 (France)
Réalisateurs : Peter et Bobby Farrelly
Acteurs principaux : Jim Carrey, Jeff Daniels, Lauren Holly, Mike Starr
Genre : Comédie
Nationalité : Américain
Compositeur : Todd Rundgren

– ARRÊTEZ CET AVION !!
– Non non, n’y allez pas !
– Vous inquiétez pas, je suis chauffeur de limousine !

Après quelques films sympathiques dont le méconnu Vampire Forever et sa révélation dans les comédies culte Ace Ventura, Détective Chiens et Chats et The Mask, Jim Carrey atteint les sommets de son humour déjanté avec l’excellent Dumb & Dumber, premier film des frères Farrelly (Strike, Mary à Tout Prix, Fous d’Irène). Incarnant Lloyd Christmas, un chauffeur de limousine aussi peu futé que sa coupe au bol est ringarde, il fait équipe avec Harry Dunne, un colérique à moitié bègue et mal coiffé interprété par Jeff Daniels (La Rose Pourpre du Caire, Arachnophobie, Speed), qui n’a rien de mieux à faire que customiser sa camionnette en berger des Pyrénées pour ses livraisons de chiens. Lloyd croise le chemin de la ravissante Mary Swanson, jouée par Lauren Holly (Linda Lee dans Dragon L’Histoire de Bruce Lee), le coup de foudre est tel qu’il ne peut s’empêcher de vouloir lui ramener la mallette qu’elle laisse pourtant volontairement à l’aéroport pour un duo de personnages peu recommandables.

Incarnés par Mike Starr (Les Affranchis, Cool World, Ed Wood) et Karen Duffy, ces derniers vont alors les traquer sur la route pour qu’ils n’atteignent jamais Aspen, ville d’où le malicieux Nicholas Andre tire les ficelles sous les traits de Charles Rocket (Objectif Terrienne, Danse avec les Loups, Hocus Pocus). Si la première partie de Dumb & Dumber s’attache à la situation des deux protagonistes, qui perdent leur boulot et vivent dans un logement miteux avec un élevage de vers de terre comme seul projet, elle annonce surtout la variété des gags à venir. On y voit en effet Lloyd serrer Mary dans ses bras comme s’ils venaient de vivre un moment inoubliable, percuter une voiture en suivant Mary des yeux et se vautrer dans l’aéroport en pensant pouvoir rattraper son avion pendant qu’Harry offre gracieusement des sandwiches aux chiens qu’il vient de toiletter.

J’aurais cru que les montagnes rocheuses
étaient un peu plus… rocheuses que ça !

La seconde partie de Dumb & Dumber se concentre sur les nombreuses péripéties qu’ils s’infligent eux-mêmes sur la route. Les situations d’anthologie ne manquent pas entre leur arnaque au routier Gaspard, Lloyd contraint d’uriner dans des bouteilles vides tandis qu’un policier poursuit leur véhicule, Harry qui cherche désespérément de quoi éteindre le feu sur ses chaussures à la station-service, le coup de poing dans la figure à travers le vitre d’une cabine téléphonique et Lloyd qui se trompe de route en pleine nuit. Le délire atteint son paroxysme quand ce dernier caricature à outrance les arts martiaux lors d’un rêve où il s’imagine défendre Mary face à plusieurs agresseurs dans un restaurant, ou encore lorsque les deux compères ne s’arrêtent plus d’exaspérer Mentalino alors qu’ils le prennent comme autostoppeur. Le pire est qu’ils arrivent à passer pour des pros aux yeux de leurs opposants quand ils liquident involontairement ce dernier en partant d’une simple blague de piment dans son burger.

Tandis qu’ils découvrent enfin que la mallette regorge de billets, ils ne cessent d’empiler les clichés sur les riches, comme les paquets qui dégoulinent lorsqu’ils ouvrent les portes de leur Ferrari et les dollars qui servent de mouchoir tellement ils ne savent plus quoi en faire. Si Lloyd continue d’accumuler les rires et autres tronches d’imbécile heureux en plus des films qu’il se fait durant tout le scénario, Harry s’accapare carrément Mary lors d’une journée au ski, préfigurant ainsi le scénario de Mary à Tout Prix, des mêmes réalisateurs. Les situations délirantes s’enchaînent alors avec le bouchon de champagne qui dégomme une chouette, Lloyd qui hurle de joie quand Mary lui annonce qu’il aurait une chance sur un million de finir avec elle, et leur engueulade qui explose une fois attachés sur le lit. Si plusieurs gags pipi caca ou en-dessous de la ceinture peuvent être de trop, l’idée du laxatif qui oblige Harry à se retrouver coincé aux toilettes dans le chalet de Mary s’avère relativement efficace.

– Alors vous passez me prendre à dix-neuf heures quarante-cinq ?
– Euh ce soir bah non j’ai à faire, enfin bon alors si vous voulez bien j’aimerais plutôt huit heures moins le quart.

Fort bien réalisé, Dumb & Dumber vaut aussi pour son rythme parsemé de courtes compositions qui viennent ponctuer certains moments forts, comme « First Love » lors du coup de foudre, « Urgent Bagage » quand Lloyd tente de rattraper l’avion et « Wrath of the Gas Man » qui annonce la présence d’un antagoniste. Outre l’enivrante « The Rain, The Park and Other Things » de The Cowsills durant le rêve et l’entraînante « Oh, Pretty Woman » de Roy Orbison à l’institut de beauté, plusieurs chansons américaines dynamisent les moments sur la route et à la montagne telles que « Boom Shack-a-lack » d’Apache Indian, « Crash (The 95’ Mix) » par The Primitives et « New Age Girl » par Dead Eye Dick. Todd Rundgren lui-même vient apporter une touche plus personnelle avec « Can We Still Be Friends » lors de l’avant-dernière séquence.

Un scénario rocambolesque sans lequel Mary n’aurait jamais retrouvé son mari, mais qui laisse ironiquement Lloyd et Harry sur le carreau étant donné qu’ils se retrouvent de nouveau à pied sur la route. Mais au cas où le titre du film ne serait pas suffisamment explicite, une dernière scène vient achever de démontrer leur qualification de cloche et d’idiot (selon le titre québécois) tandis qu’ils ne se rendent même pas compte qu’ils auraient pu servir de masseurs à une trentaine de filles dans un bus en tournée bikinis. Complété par un préquel à l’intérêt limité sans l’équipe d’origine puis par une suite correcte par les mêmes réalisateurs quelques années plus tard, Dumb & Dumber représente brillamment le sommet de la carrière comique de Jim Carrey tout en faisant partie de ces comédies intemporelles à consommer sans aucune modération.

L’adaptation de Jerome Robbins et Robert Wise

Date de sortie : 18 octobre 1961 (États-Unis), 3 mars 1962 (France)
Réalisateurs : Jerome Robbins et Robert Wise
Acteurs principaux : Richard Beymer, Natalie Wood, George Chakiris, Rita Moreno
Genre : musical
Nationalité : Américain
Compositeur : Leonard Bernstein

Adaptation de la comédie musicale éponyme de 1957 par Jerome Robbins et Robert Wise (La Mélodie du Bonheur, Star Trek le film), West Side Story constitue un Roméo et Juliette moderne dans le New York des années 1950, théâtre d’un conflit ethnique qui sévit entre deux gangs de rue. D’une part les Jets, Américains d’origine polonaise, irlandaise et italienne, bien décidés à protéger leur territoire ; d’autre part les Sharks, immigrés d’origine portoricaine cherchant à être acceptés dans une société profondément communautariste.

Ce qui devait arriver surgit alors lorsque Tony, ancien leader des Jets joué par Richard Beymer (Twin Peaks), tombe sous le charme de Maria, immigrée portoricaine interprétée par Natalie Wood (La Fureur de Vivre), mais aussi sœur de Bernardo, chef des Sharks incarné par George Chakiris (Les Demoiselles de Rochefort). Conseillée par son amie Anita, sous les traits de Rita Moreno (The Ritz), cette dernière succombe néanmoins à cet amour irrésistible, pourtant rendu impossible par la confrontation des deux clans, qui ne cessent de se provoquer et organisent même un duel.

Du haut de ses deux heures et demie, West Side Story expérimente divers procédés de réalisation, à commencer par un générique à image fixe qui ne laisse étrangement place qu’à la musique sans aucun nom qui défile à l’écran. Premier film à survoler New York en vue aérienne, il introduit son scénario par une première séquence simplement composée de danse et de musique, qui annonce d’ores et déjà un style rythmique à base de sifflements et de claquements de doigt. Récompensé par dix oscars dont celui du meilleur film et de la meilleure musique, West Side Story s’impose d’emblée comme un grand classique du film musical.

L’adaptation de Steven Spielberg

Date de sortie : 8 décembre 2021 (2h 36min)
Réalisateur : Steven Spielberg
Acteurs principaux : Ansel Elgort, Rachel Zegler, Ariana DeBose, David Alvarez
Genre : musical
Nationalité : Américain
Compositeurs : Leonard Bernstein et David Newman

Adaptation réalisée soixante ans après le premier West Side Story par Steven Spielberg (Le Bon Gros Géant, Pentagon Papers, Ready Player One), ce nouveau film se montre d’emblée plus fidèle à la comédie musicale avec un quartier en pleine gentrification, des Sharks tous interprétés par des Latino-Américains et un Tony récemment sorti de prison dont la prise de distance avec les Jets se fait davantage ressentir. Incarné par Ansel Elgort (Carrie La Vengeance, Baby Driver, November Criminals), il porte largement le film en duo avec Rachel Zegler, qui effectue son premier rôle au cinéma avant d’incarner Blanche-Neige dans la future adaptation en prises de vue réelles de Disney.

Outre le jeune David Alvarez qui joue Bernardo, Valentina remplace Doc à la direction du café sous les traits de Rita Moreno, qui interprétait Anita en 1961. Fort d’une réalisation au top pour une durée similaire, ce nouveau West Side Story reprend efficacement la structure du scénario d’origine en réinterprétant certaines chorégraphies. « America » se déroule désormais dans les rues de New York, « One Hand, One Heart » passe du magasin de vêtements à l’église tandis que de nombreux dialogues en espagnol viennent davantage marquer les différences ethniques. Le film offre également des plans très intéressants, comme la vue aérienne qui laisse apparaître les ombres des Jets et des Sharks au début de leur confrontation. Une grande réussite pour un des meilleurs films de 2021 !

Date de sortie : 2 décembre 1981 (1h 38min)
Réalisateur : Jean Girault
Acteurs principaux : Louis De Funès, Jean Carmet, Jacques Villeret, Christine Dejoux
Genre : Comédie dramatique
Nationalité : Français
Compositeur : Raymond Lefebvre

Adaptation du roman éponyme de René Fallet paru au début de l’année précédente, La Soupe aux Choux est une comédie touchante saupoudrée de science-fiction marquant l’avant-dernière collaboration entre Jean Girault et Louis De Funès après des films comme Jo, Le Gendarme et les Extraterrestre et L’Avare. Ce dernier y incarne le sabotier Claude Ratinier, dit « le Glaude », vivant dans une campagne reculée auprès du puisatier Francis Chérasse, dit « le Bombé », interprété par Jean Carmet (La Septième Compagnie au Clair de Lune, Allons z’Enfants, Les Misérables). Septuagénaires à l’écart de la civilisation moderne, ils mènent une vie à l’ancienne en consommant plusieurs litres d’alcool par jour, dont leur fameux perniflard.

Leur quotidien est perturbé par un extraterrestre, qui apparaît en pleine nuit à bord d’une soucoupe volante sous les traits de Jacques Villeret (Papy fait de la Résistance, Le Dîner de Cons, Iznogoud), qui se trouve alors révélé auprès du grand public. Tandis que Francine, défunte femme du Glaude jouée par Christine Dejoux, est ramenée à la vie à l’âge de vingt ans, la différence entre les générations s’accentue et les difficultés de vivre à cette époque se font d’autant plus ressentir. Pourvu d’un casting de qualité, le film comporte aussi le caméo de plusieurs acteurs familiers au duo Girault De Funès tels Henri Génès, Claude Gensac et Max Montavon.

Grand habitué du réalisateur, Raymond Lefebvre rend le film intemporel grâce à des musiques d’une grande intensité composées à l’aide de synthétiseurs, à commencer par l’excellent thème principal qui se reconnaît entre mille. En surface, l’humour de La Soupe aux Choux est d’abord habituel des mimiques de De Funès, qui râle à l’excès, grimace tant qu’il peut, imite la façon de communiquer de l’extraterrestre et propose une joyeuse caricature du vieux franchouillard aux côtés de Jean Carmet. De nombreuses séquences courtes, dont celle du médecin et du brigadier, viennent efficacement renforcer le comique de l’œuvre. Bien que certains gags puissent surfer avec le loufoque (péter à outrance pour faire venir un extraterrestre…), le film aborde en réalité plusieurs thématiques qui le démarquent d’une simple comédie.

Thème cher à De Funès déjà effleuré dans le cinquième épisode du Gendarme, la vie extraterrestre est ici approfondie avec le personnage de Jacques Villeret, surnommé « la Denrée » pour l’exotisme qu’il procure et la soupe dont il raffole. Finissant par apprendre le langage humain puis à parler avec le patois du Glaude, il a même ses instants touchants alors qu’il demande la signification du mot « plaisir ». Ce qui amène à la thématique du temps qui passe, notamment abordé à travers Francine, dont la résurrection crée un grand décalage avec son mari, comme l’atteste la scène de l’omelette où il braille sur le rythme des œufs battus car elle refuse qu’il la regarde en train de s’habiller.

Différente des épouses traditionnelles, Francine est la première à choisir de s’émanciper de son mari, qui devient alors comme un oncle, pour profiter de sa seconde vie. Dans la lignée de L’Aile ou la Cuisse et de La Zizanie, le film dénonce également la désertification rurale causée par l’industrialisation à la société française à travers le maire capitaliste qui les pousse d’autant plus à quitter la planète. Empli d’une certaine émotion, La Soupe au Choux peut alors se caractériser comme le testament de Louis De Funès tandis qu’il choisit de rejoindre un monde meilleur, ne partageant plus les valeurs des hommes de la fin du XX^ème siècle. Une comédie française d’anthologie !

Date de sortie : 27 juin 1986 (États-Unis), 3 décembre 1986 (France)
Réalisateur : Jim Henson
Acteurs principaux : David Bowie, Jennifer Connelly, Toby Fround
Genre : Fantastique
Nationalité : Américain
Compositeur : Trevor Jones

Réalisé par Jim Henson (Le Muppet Show, Dark Crystal), Labyrinthe est un film fantastique dans lequel Jennifer Connelly (Il était une fois en Amérique, Requiem for a Dream) incarne Sarah, une adolescente férue de scénarios féeriques devant garder son petit frère Toby pendant que ses parents sortent. Agacée par ses pleurs tandis qu’elle lui conte une histoire sur une étrange communauté de gobelins, elle prononce une phrase de trop qui emporte le bébé dans un dangereux labyrinthe gouverné par Jareth, un étrange personnage interprété par David Bowie (Furyo, Les Prédateurs, Série Noire pour une Nuit Blanche). Pour empêcher que Toby ne se transforme lui-même en gobelin, elle doit traverser le labyrinthe et résoudre ses puzzles en moins de treize heures afin de se confronter à Jareth, qui ne cesse de lui mettre des bâtons dans les roues.

Véritable ode à l’imagination, Labyrinthe renvoie immédiatement à Alice au Pays des Merveilles avec son héroïne presque seule contre tous, ces mystères incessants et ses recoins peuplés de gobelins, lutins et autres fées. Dans la droite lignée du Muppet Show, pas moins de dix-huit marionnettistes ont été engagés pour permettre la superbe animation des créatures, bien que les incrustations soient parfois assez voyantes. De la même manière que Dark Crystal, le film s’inspire de l’univers fantastique de l’illustrateur Brian Froud, qui supervise les costumes et les effets visuels. L’architecture surréaliste rappelle aussi fortement les créations de l’artiste Maurits Cornelis Escher, notamment les escaliers à multiples pesanteurs dans le château de Jareth.

Malgré son pantalon un peu trop proche d’un pyjama ou d’un survêtement utilisé pour traîner le dimanche, David Bowie arbore un certain charisme et six de ses chansons sont disséminées dans le film, dont la curieuse « Magic Dance » et l’intensive « Within You ». La fascination qui relie Sarah et Jareth rend le duo particulièrement intéressant, notamment lors de la scène du bal sous l’enivrante « As The World Falls Down ». Un film particulier, parfois déconcertant, qui appelle à l’aventure d’une manière astucieuse parmi les œuvres emblématiques des années 1980.