Date de sortie : 2 septembre 1992 (1h35min)
Réalisateur : Quentin Tarantino
Acteurs principaux : Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi, Lawrence Tierney, Chris Penn, Quentin Tarantino
Genre : Thriller
Nationalité : Américain
Compositeur : aucun (extraits de musiques des années 1970)

Film culte des années 90, Reservoir Dogs marque les débuts de Quentin Tarantino au cinéma d’une manière si efficace qu’il introduit déjà les thèmes chers au réalisateur et un style appuyé par des dialogues à l’écriture minutieuse, une narration non linéaire, des références à la pop culture, des scènes hautement esthétiques, un langage argotique et une violence particulièrement marquée. Le scénario décrit la préparation et les conséquences d’un braquage raté, chaque personnage tentant de savoir lequel a balancé les autres à la police. Le désordre des scènes creuse les méninges du spectateur et renforce l’intrigue d’une manière bien originale, notamment avec le générique du début qui survient après la première scène, s’apparentant davantage à un générique de fin avec les noms qui circulent de bas en haut sous la chanson « Little Green Bag » de George Baker. À la manière de L’Ultime Razzia de Stanley Kubrick, le film comporte en effet plusieurs flashbacks précisant la provenance de plusieurs personnages pour mieux dévoiler les clés de l’intrigue.

Le casting regorge d’acteurs de talent que l’on retrouve dans les futurs films du réalisateur et Tarantino lui-même y joue le rôle secondaire de M. Brown. S’inspirant des Pirates du Métro de Joseph Sargent, Reservoir Dogs attribue à chaque personnage un nom à l’effigie d’une couleur pour conserver leur anonymat. Tandis qu’Harvey Keitel (Taxi Driver, La Dernière Tentation du Christ, Thelma et Louise) incarne le charismatique M. White, Michael Madsen (Les Doors, Wyatt Earp, Donnie Brasco) interprète le psychopathe M. Blonde, Tim Roth (Pulp Fiction, Rob Roy, Groom Service) le malchanceux M. Orange et Steve Buscemi (New York Stories, Darkside Les Contes de la Nuit Noire, Desperado) l’exubérant M. Pink, qui se fait charrier quand il demande pourquoi on lui a choisi cette couleur. Outre l’imposant Lawrence Tierney qui distribue les pseudonymes, Edward Bunker est étonnamment peu présent dans le rôle de M. Blue.

Une des principes forces de Reservoir Dogs réside dans ses dialogues, les personnages parlant dès l’introduction de toutes sortes de sujets qui parviennent à susciter l’intérêt bien qu’ils soient détachés de l’intrigue principale. Le débat portant sur l’attribution d’un pourboire à la serveuse annonce le ton des répliques à venir et des plans de caméra valorisant le caractère de chaque protagoniste. On peut toutefois regretter que l’omniprésence du langage grossier, qui en arrive à caricaturer des personnages pourtant très bien écrits. Outre la mention des Quatre Fantastiques et la présence d’un poster du Surfer d’Argent, les références à la pop culture passent essentiellement par des musiques des années 70, parfois intradiégétiques. Outre la mention de « Like a Virgin » de Madonna pendant l’introduction, on peut entendre un extrait de « Hooked on a Feeling » du groupe suédois Blue Swede, et surtout  « Stuck in the Middle with You » de Stealers Wheel, en décalage total avec la scène de torture qui l’accompagne.

Marque de fabrique de Tarantino, l’extrême violence est tout d’abord soulignée par la blessure de M. Orange, sa chemise devenant d’un rouge toujours plus vif tout au long du film. Outre le multiples morts intervenant suite à des coups de feu, le passage le plus gore reste celui du sectionnement d’oreille par M. Blonde, le visage ensanglanté du policier apparaissant plusieurs fois en plein écran. Tandis que l’intrigue se dénoue petit à petit, Reservoir Dogs se termine par une mémorable impasse mexicaine non sans rappeler City on Fire de Ringo Lam, montrant ainsi l’inefficacité quasi-totale de leur braquage. Un premier essai de qualité ayant lancé la carrière d’un réalisateur de grand talent !

Date de sortie : 24 juillet 2009 (États-Unis), 30 décembre 2009 (France)
Réalisateur : Jaume Collet-Serra
Acteurs principaux : Isabelle Fuhrman, Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Aryana Engineer, Jimmy Bennett
Genre : Thriller horrifique
Nationalité : Américain
Compositeur : John Ottman

Réalisé par Jaume Collet-Serra (La Maison de Cire, Sans Identité, Non-Stop), Esther est un thriller psychologique dans lequel un couple décide d’adopter une petite fille après avoir subi une fausse couche. Joués par Vera Farmiga (Les Infiltrés, Le Garçon au Pyjama Rayé, The Passenger) et Peter Sarsgaard (Jarhead La fin de l’Innocence, Les Sept Mercenaires, The Batman), John et Katherine Coleman se dirigent alors vers un orphelinat où ils tombent sous le charme d’Esther, fillette de neuf ans isolée des autres et semblant très mature pour son jeune âge comme l’attestent son attitude posée et son langage soutenu : un rôle ayant révélé le talent de la jeune Isabelle Fuhrman.

Basé sur l’affaire judiciaire de Kuřim débutée en 2007 et République Tchèque, le film prend rapidement une tournure glauque et mystérieuse tandis qu’Esther se montre de plus en plus dangereuse et manipulatrice, allant jusqu’à casser la cheville d’une camarade qui se moquait d’elle, offrir des roses de la tombe du bébé mort-né à sa mère et obliger sa petite sœur à la couvrir. Tandis que John et la psychologue mettent tout sur le dos de Katherine pensant que des traumatismes venant de la mort de son enfant refont surface, Esther ne cesse de les dresser les uns contre les autres pour arriver à ses fins.

Malgré une réalisation relativement convenue, Jaume Collet-Serra parvient à maintenir un suspense haletant tandis que les musiques de John Ottman (Usual Suspects, Disjoncté, Bohemian Rhapsody) retranscrivent une ambiance sordide des plus convaincantes. Apparaissant souvent de manière soudaine à l’écran, Esther arbore régulièrement un faciès glacial tandis que des parties macabres de ses dessins commencent à dévoiler sa véritable nature. De nombreux indices sur la sexualité mettent la puce à l’oreille tout au long du film, ces derniers atteignant leur paroxysme lors qu’elle tente de séduire son père vêtue d’une robe de soirée avec du rouge à lèvres.

Souffrant d’une panhypopituitarisme à l’image de Baby Doll dans la série animée Batman, elle ne cherche en réalité qu’une reconnaissance de maturité et l’expression de sa sexualité. Une révélation troublante qui donne un sentiment de pitié sur le personnage alors qu’elle se démaquille sauvagement, enlève ses bracelets et son collier cachant des mutilations et arbore un physique de tueuse psychopathe. Déjà présente à travers l’alcoolisme de sa mère, l’adultère de son père et la surdité de sa sœur, le thème du trouble est efficacement exploité par le scénario, qui utilise aussi brillamment la langue des signes. Un très bon film aux thématiques maîtrisées développées dans un préquel de longues années plus tard !

Date de sortie : 17 juillet 1987 (États-Unis),
20 janvier 1988 (France)
Réalisateur : Paul Verhoeven
Acteurs principaux : Peter Weller, Nancy Allen, Kurtwood Smith, Ronny Cox
Genre : Science-fiction, action
Nationalité : Américain
Compositeur : Basil Poledouris

Après l’échec de La Chair et le Sang au box-office, Paul Verhoeven (Total Recall, Basic Instinct, Benedetta) est introduit par Steven Spielberg dans le milieu hollywoodien et se met au travail pour son tout premier film outre-Atlantique. Inspiré par Blade Runner mais surfant surtout sur le succès de Terminator et sa thématique autour des cyborgs très en vogue dans les années 1980, RoboCop marque le premier rôle majeur de Peter Weller en tant qu’Alex Murphy, policier de Détroit sous le joug de l’Omni Cartel des Produits (OCP), société spécialisée dans l’armement et la robotique ayant aussi la mainmise sur la police locale. Faisant équipe avec Nancy Allen (Carrie au Bal du Diable, 1941, Blow Out), il tombe dans une embuscade et se fait trucider par une bande de malfrats dirigés par le redoutable Clarence Boddicker, sous les traits de Kurtwood Smith (Staying Alive, Rambo III, Le Cercle des Poètes Disparus).

La criminalité étant à son comble dans la ville de Détroit, le président de l’OCP, joué par Dan O’Herlihy (Halloween 3, Starfighter, Twin Peaks), donne son accord pour un projet de cyborg policier à la précision sans faille qui suivrait les ordres de la société pour faire respecter la loi. Murphy est alors ramené à la vie et devient RoboCop en intégrant l’armure, son côté humain pouvant toujours ressurgir en cas de décision importante. Ayant oublié son ancienne ville, il traque alors les criminels de Détroit et éradique toute violence avec une redoutable efficacité. Mais c’était sans compter le vice-président Richard Jones, interprété par Ronny Cox (Le Flic de Beverly Hills, Total Recall), qui est de mèche avec les truands et compte bien contrôler la police et la criminalité grâce à un robot entièrement mécanique.

Apportant une réflexion sur l’obsession de l’ordre et de la sécurité, RoboCop affiche une violence particulièrement marquée par ses personnages qui se font cribler de balles de manière explicite, le sang étant d’un rouge très vif et les os se faisant broyer sous leur impact. Paul Verhoeven utilise en réalité l’ultraviolence pour appuyer sa satire de la culture américaine. Un procédé qui se remarque dès le début du film par l’intermédiaire d’un faux journal télévisé dans lequel les images d’une société déchaînée se succèdent avec des plages de publicité qui s’intercalent comme si de rien n’était. La dualité entre l’homme et la machine reste centrale tandis que RoboCop fait preuve d’une humanité émouvante dans des passages comme celui où il retrouve des souvenirs liés à sa femme et à son fils en revenant dans son ancienne maison. Son œil apeuré à travers la visière endommagée et son visage apparent quand il enlève son casque devant sa partenaire rappellent que c’est bien un humain qui se trouve derrière le costume.

Malgré une réalisation vieillissante, RoboCop reste un film de science-fiction très réussi grâce au charisme de son héros, dont les interventions sont renforcées par l’excellent thème musical de Basil Poledouris (Le Lagon Bleu, Conan le Barbare, La Chair et le Sang). Il n’hésite pas non plus à se montrer plus léger avec une certaine dose d’humour qui détonne efficacement avec la dramaturgie ambiante. Véritable succès à son époque, RoboCop a vu son univers s’élargir à l’occasion de deux suites puis d’un remake en 2014. Il fait également partie de ces grands classiques à avoir été adaptés en jeux vidéo de qualité sur plusieurs supports, notamment l’Arcade, la NES et la Game Boy.